http://www.we-art-together.frActualités de WE ART TOGETHERWE ART TOGETHERfr http://www.we-art-together.fr/img/logo_wat.gif http://www.we-art-together.fr 303 75Mon, 04 Oct 2010 16:21:27 +0100http://www.we-art-together.fr/produit.php?id=155Un concert de jazz insolite s'affiche sur les murs de Kuala Lumpur en Malaisie. 25 secondes auront suffi à Jadikan pour que se répondent les notes bleues dans le jour ocre de Kuala Lumpur. 40 x 60 cm  sur papier baryté encadré sous verre, épreuve d'artiste rare éditée à deux exemplaires, un seul disponible, annotée EA I/II. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=154La Pyramide du Louvre comme vous ne la verrez jamais. Tout aussi classieuse, patrimoniale mais désertée. Une boule en fusion rivalisant de prestige avec cette s½ur d'Egypte. La sérénité conquise, 32 secondes de pure beauté. Un seul exemplaire disponible, justifié 4/8, signé et encadré par l'artiste. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=153A Katmandou, il n'est pas rare qu'un autel et arbre vénérable entremêlent leurs symboles. En plein c½ur de la ville, on s'y ressource. Vallée protégée, luxuriance sacrée, on y adore Bouddha en toute chose, pierre, feuille, écorce... En écho à cette vérité, l'arbre jailli du pavé s'éclaire, majestueux, révéré. Tirage d'artiste (édition numérotée limitée à 4 exemplaires seulement) disponible dans un format supérieur de 60 x 90 cm sur papier baryté contrecollé sur dibond afin d'être suspendu au mur. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Photoshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=152305 secondes jubilatoires dans une ancienne caserne où la lumière explose dans un escalier anonyme. Incendie sirupeux, orgie de couleurs fluo, spectacle sous acides, cheminement d'une foudre blanche, autonome, puissante, dévalant, semblant vouloir pousser la porte. Mais où sont les pompiers ? Tous les effets d'une amanite tue-mouches sans avoir à les subir. Une séduisante et saine hallucination. Tirage d'artiste (édition numérotée limitée à 8 tirages) disponible en 40 x 60 cm sur papier baryté contrecollé sur dibond afin d'être suspendu au mur. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Photoshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=151Hypnotique. En 113 secondes, le grand ½il du raja vous fixe, le tourbillon vous absorbe. Derrière lui on devine, grouillant, de paisibles graffiti qui raniment la ruine. Képi simiesque, écritures stylisées. Un squat réenchanté. Tirage d'artiste (édition numérotée limitée à 8 tirages) disponible en 40 x 60 cm sur papier baryté contrecollé sur dibond afin d'être suspendu au mur. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=150Ce Hangar est plus qu'un hangar x ou Y. C'est dans ce lieu situé à Meudon, édifié sur la demande du Capitaine Charles Renard, que le dirigeable La France fut construit en 1884. Il s'agit du tout premier dirigeable pilotable en plein vol et capable de retourner à son point de départ. 70 mètres de long, 24 mètres de large, 26 mètres de haut. La photographie de Jadikan restitue l'espace monumental et capte la légende. En 58s de pose les méandres des dirigeables cartographient le sol en attendant peut-être de remplir un jour à nouveau le ciel. Défense de fumer, défense de ne pas décoller devant cet hommage couleur sépia aux diplodocus du ciel qu'a fournis la Zeppelin Factory. Tirage d'artiste (édition numérotée limitée à 8 tirages) disponible en 40 x 60 cm sur papier baryté contrecollé sur dibond afin d'être suspendu au mur. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=149Deux sentinelles bouddhiques veillent à l'entrée du temple en brique. Au c½ur de cette vallée de Katmandou protégée par l'Unesco, le silence est d'or. En 30 secondes de pose la lumière se charge d'épices et d'encens. Le voyageur ne songe qu'à s'asseoir sur les marches séculaires pour apprendre à rêver. Tirage d'artiste (édition numérotée limitée à 4 tirages) disponible dans un format supérieur de 60 x 90 cm sur papier baryté contrecollé sur dibond afin d'être suspendu au mur. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=148Dans l'antique cité népalaise de Bhaktapur, 4 secondes auront suffi au photographe Jadikan pour amarrer à la bouche d'un cobra l'éternité d'un arceau de feu. Photographie réalisée de jour sans aucune retouche numérique. Tirage d'artiste (édition numérotée limitée à 8 exemplaires, signés et justifiés par l'artiste) disponible en 40 x 60 cm sur papier baryté contrecollé sur dibond afin d'être suspendu au mur. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=147Tintin, Hergé - Tintin au Congo - Assez bon état Édition Originale en couleurs (1946) 4e plat B1 1er plat titre en réserve blanc Titre en bleu page de titre Dos pellior rouge Pages de garde bleu foncé Papier épais Initialement paru dans le Petit Vingtième en 1930 en noir et blanc, la version en couleur est parue en 1946. Tintin au Congo, tout comme Les cigares du Pharaon et Tintin en Amérique furent redessinés et largement remaniés pour l'édition couleurs, afin d'égaler les niveaux de qualité narrative et stylistique atteints plus tard par Le Lotus Bleu. Ces Éditions Originales en couleurs sont caractérisées par leur 4ème plat dit " B1 " où figurent une nouvelle liste des parutions et le pull à 2 couleurs du Capitaine Haddock (qui est une erreur d'impression) ; autre particularité, le papier était de mauvaise qualité, épais et fragile ; il a beaucoup jauni avec le temps. Tintin au Congo est probablement l'album qui aura fait le plus scandale et couler beaucoup d'encre ces dernières années. Nourri de préjugés (Hergé le confiera lui-même plus tard), l'auteur a donné à cet album un caractère raciste, empli de stéréotypes et de caricatures insupportables. Justement décrié, Tintin au Congo a été déplacé dans certaines librairies et est passé du rayon " enfants " au rayon " adultes " avec mention d'un caractère offensant pour les lecteurs, qu'il s'agisse des personnages ou du traitement des animaux. Récemment, Tintin a comparu devant le tribunal de première instance de Bruxelles. Un Congolais a demandé " le retrait de la vente ou à défaut, l'ajout d'un avertissement " sur l'album Tintin au Congo, qu'il juge " raciste à l'égard des Africains ". En juillet 2007, la Commission pour l'égalité raciale a considéré que cet album contenait " des images et des dialogues porteurs de préjugés racistes abominables, où les indigènes sauvages ressemblent à des singes et parlent comme des imbéciles ". Extrêmement controversé - et à juste titre - Tintin au Congo est devenu, par sa publicité contraire, un des albums les plus recherchés. Complet, cet album est en bon état – (moins) 1er plat frotté, titre en réserve blanc, 2 chiffres et 2 noms sont inscrits dans le bleu du ciel 4ème plat frotté, plusieurs " graffitis " dans l'encadré de la liste des parutions Dos rouge en assez bon état, légèrement fendu en haut et en bas, coiffes tassées Pages de garde bleu foncé en bon état, Pages intérieures en bon état, titre en bleu page de titre, papier épais qui a jauni, des marques de lectures restaurées en bas de page (voir photos). Album compact, parfaitement solidaire. L'album dont il est question ici est l'Edition Originale en couleurs de 1946 à dos rouge (bien que le dos jaune caractérise le plus cette édition). Sa cote est de 1000 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état. Mon, 13 Sep 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=146Portrait de M. David Bonnafous (inscription manuelle au dos de la miniature). Miniature sur ivoire, Époque Empire (1ère moitié du XIXème). Ce portrait miniature, peint sur ivoire, d'un jeune dandy romantique est exquis de finesse. La carnation (rendue par la matière même de l'ivoire) est très réussie et ressort admirablement grâce au fond bleu-gris et à la redingote prune. L'habit de M. Bonnafous est très élégant, signe qu'il appartient à la haute société. La chevelure bouclée et les yeux sont très finement rendus, ce qui atteste toujours dans le genre si particulier et codifiée de la Miniature du talent du miniaturiste, et distingue le maître du suiveur. Miniature ovale sous verre, cadre en bois noirci avec cerclage ciselé en laiton. Cette miniature est en très bon état (à noter, un manque infime en haut de la miniature). Fri, 10 Sep 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=145Tintin, Hergé - Tintin en Amérique - Bon état - (moins). Edition en noir et blanc, Grande Image, 1942 30e mille 4e plat : A18 Dos pellior rouge Pages de garde bleue foncé 4 HT couleurs 5000 exemplaires Tintin en Amérique parut d'abord dans " Le Petit Vingtième " en septembre 1931. Considéré parfois comme " naïf " et réalisé à partir d'une documentation réduite, Tintin en Amérique (3ème titre de la série) ne bénéficiait pas encore des qualités narratives et stylistiques apportées plus tard par Hergé dans " Le Lotus Bleu ". Le dessin de l'album en noir et blanc diffère beaucoup de la première édition en couleurs, largement remaniée et redessinée à partir de 1941 pour la publication de l'album dans un journal Néerlandais. C'est en 1946 que l'album fut colorisé. Dans cette aventure, Hergé a voulu dépeindre les États-Unis d'Amérique de l'époque. Aussi son jeune héros se retrouve-t-il dans un pays divisé entre mafieux (Prohibition, Guerre des gangs) et Far West. Hergé a dénoncé la place accordée aux Noirs dans la société américaine, mais à la demande de l'éditeur Golden Press - pour l'édition Américaine - la nounou et le bébé Noirs disparurent pour devenir Blancs. Il évoqua également les lynchages fréquents et injustes de ces " nègres ". Il a montré également, à travers une case qu'il refusera de modifier, la condition des Indiens " Peaux-Rouges ", expulsés de leur territoire après qu'on y eut trouvé du pétrole. Considérons à présent les personnages. C'est le seul album où un personnage réel, Al Capone, est représenté. Tintin en Amérique fait partie des albums qui ont été les mieux accueillis. C'est un best-seller qui compte aujourd'hui parmi les plus recherchés. La couverture gouachée de Tintin en Amérique qu'Hergé avait réalisée en 1932 a été adjugée à Paris à 780 000 euros (frais compris). Un record mondial de vente. Cette édition en noir et blanc de 1942 est la dernière avant l'édition en couleurs. C'est la seule édition de Tintin en Amérique avec une grande image au 1er plat. Complet, cet album est en bel état d'usage. 1er plat frotté, coins arrondis et frottés, 2 petits morceaux de scotch en haut et en bas côté gauche (peu visibles) 4ème plat un peu sali, frotté, coins arrondis, rousseurs, petites taches Dos rouge Pellior en état moyen : partiellement recollé et fendu ; coiffes tassées, petit manque en haut (5 mm Pages de garde bleu foncé en bon état, petite fente (3 cm environ) en haut sur dernière page de garde, Page de titre : 30e mille, Pages intérieures en bon état, légèrement jaunies ; nombreuses restaurations prophylactiques (concernent des petites déchirures dans le bas des marges, atteignant quelques rares fois les cases) afin de préserver cet album au papier fin et extrêmement fragile ; des mesures conservatoires indispensables. Traces jaunies de scotch sur 2 pages (voir photos). 4 hors-textes absolument superbes Album solidaire, de très bonne tenue. Aucune page manquante, aucun coloriage. 121 pages Album en bel état, très rare à trouver.   Sa cote est de 1550 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état.Fri, 10 Sep 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=144Photographie prise à Tripoli peu après l'attentat du Marriott en août 2008, à quelques heures de la visite en Syrie du Président libanais et ancien Général Michel Sleimane. 13 civils dont neuf soldats et un enfant avaient trouvé la mort. La ville était en émoi. Cette mère qui se penche à son balcon où sèchent des vêtements cherche à comprendre sans céder à la panique. La rue où s'est produit l'attentat se situait à 1,5 km du quartier de Bab el- Tebbaneh où un conflit confessionnel avait fait 23 morts quelques mois plus tôt. Ici la rumeur du drame pourtant à vif laisse place au calme admirable, presque blasé, d'une mère protégeant sa fille. Tirage réalisé ici au moyen d'une machine spéciale au dos d'un support en plexiglas qui  accroît la luminosité de cette scène arrachée à la vie comme à l'Histoire. Support prêt à être suspendu au mur.

 Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition. Fri, 27 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=143Fraternité martiale immortalisée par Chris D. Rasmussen à Alep en Syrie. Dans la ville du savon millénaire, aucun de ces soldats ne lui passa de savon à l'approche de l'objectif ; chacun ayant au contraire apprécié la convivialité de ce moment d'échange. Photographie tirée en grand format (1 mètre 10  sur 90 cm) sur un support en aluminium prêt à être accroché au mur. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Fri, 27 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=142Photographie d'un graffiti créé par l'artiste anglais Banksy. Une oeuvre difficile à localiser située près de la Barrière de séparation israélienne. Sa force est de proposer une utopie aussi paradoxale que réflexive où les forces militaires seraient désarmées par l'innocence. Littéralement désarmant. Tirage réalisé sur aluminium. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Fri, 27 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=141Trouée d'optimisme sur fond de béton gris, ce dépôt de pains en Arménie demeure accueillant et le pain appétissant. Histoire complexe et douloureuse de cette belle terre du Caucase encore liée dans ses choix, notamment économiques, à la Russie en dépit d'un rapprochement politique avec l'Europe, et diplomatique avec l'ennemi turc. Erevan, capitale arménienne, croit en sa diaspora et veut se tourner pleinement vers l'avenir. Tirage réalisé sur une feuille d'aluminium d'un format de 1 mètre 10 sur 90 cm. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Les photographies sont directement imprimées sur un support rigide esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=140Match de foot amical au Kosovo dans un décor bombardé à l'arrière plan, ancienne base militaire de l'armée serbe, témoignant de la guerre que les populations dépassent aujourd'hui. La bataille est ici sainement sportive. Tirage réalisé ici sur une feuille d'aluminium (format 1 mètre 10 sur 80 cm). Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition. Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=139Vue sur la Palestine en majesté. Entre montagnes et désert, le conflit semble loin. Seule trace d'occupation humaine, le container rouillé au premier plan.  Tirage réalisé ici au moyen d'une machine spéciale au dos d'un support en plexiglas qui  augmente la luminosité de cette échappée au point du jour sur le désert cisjordanien. Support prêt à être suspendu au mur.

 Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas.
Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition. Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=138Cet immeuble bombardé à Beyrouth est encore occupé par des familles qui y vivent au quotidien. Au Liban comme en Cisjordanie le conflit fait partie de la vie. Epreuve tirée sur une feuille en aluminium de grand format (1 mètre 20 par 90 cm). Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=137Message d'espoir à Beyrouth sous haute surveillance. Une soldatesque veillant au respect du perimètre, les photographies étaient interdites. Chris D. Rasmussen obtint une autorisation spéciale pour prendre une seule et unique photo avant d'avoir dû photographier sur l'ordre de l'un des soldats un slogan arabe qui signifiait : quand la paix viendra, quand ça s'arrêtera. Tirage réalisé sur feuille d'aluminum. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=136Au coeur de ce lieu usuel récemment bombardé, les fenêtres derrière lui murées, ce jeune israëlien semble indifférent au danger comme au passé. Tourné vers l'avenir, Il attend son bus, semble-t-il en toute quietude. Un arrêt de bus peut cacher une bombe mais le courage des hommes la désamorce. Tirage (1 mètre 30 x 80 cm)  réalisé sur une feuille d'aluminium prête à être suspendue au mur. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.  Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=135Photo réalisée depuis la Barrière de séparation israélienne, côté palestinien. Deux affiches satiriques ont attiré l'attention du photographe. Les visages à l'expression insolite de l'homme et de la femme, exécutant des grimaces amusantes, comme pour mieux braver le caractère militaire et invasif de cette Barrière érigée par Israël, dénommée par ses détracteurs le Mur de la honte. Tirage de très grand format (1 mètre 60 x 1 mètre 20)  imprimé sur un support accrochable en aluminium. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photographies exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=134Côté palestinien, ce collage à la Magritte sur la barrière de séparation israélienne dénommée par ses opposants Mur de la honte. Plusieurs graffiti tentent de transformer ce paysage de conflit permanent. Photographie tirée ici sur une feuille d'aluminium dans un très grand format de 1 mètre 82 par 1 mètre prêt à être suspendu.  Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles ont été directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=133 Une "prise" urbaniste de Damas depuis un point de vue qui ne s'y prêtait a priori pas. C'est tout l'art du contrepoint de Chris D. Rasmussen. Les bidons rouillés au premier plan s'empilent avec science et rappellent la ville construite à l'arrière plan. Photographie tirée ici sur une feuille d'aluminium dans un très grand format de 1 mètre 82 par 1 mètre prêt à être suspendu.  Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles ont été directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.   Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=132Une statue en bronze - censée célébrer la paix et l'Indépendance du Liban -  criblée de balles. A Beyrouth, les monuments ne sont pas plus respectés que les civils en berne. Néanmoins le monument se dresse et défie le ciel. Epreuve photographique tirée sur un support de grand format en aluminum brossé. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles ont été directement imprimées sur un support rigide esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.  A noter que c'est la seule photographie exposée (format 1 mètre 25  x 90 cm) que son auteur, perfectionniste, a souhaité tirer sur une feuille d'aluminium brossée afin de répondre parfaitement à la matité du bronze représenté. Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=131Zone de danger à Sarajevo. Lumière rasante et réflexion. Le conflit encore fumant. L'intérieur du bâtiment bombardé est preservé de tout graffiti tandis que l'extérieur en est couvert. C'est que les graffeurs eux-mêmes n'osent pas s'aventurer "à l'intérieur" de la ruine.  Photo  tirée en grand format* (1 mètre 20 par 90 cm) au moyen d'une machine spéciale imprimant la photographie au dos d'un support en plexiglas  qui accroît la luminosité du sujet représenté ici (un bâtiment bombardé sous une lumière plus rasante que les trous de balles par lesquels elle s'infiltre). Support prêt à être suspendu au mur. *Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur vraie place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition  Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=130Un trou de sniper à Jérusalem qui ouvre un magnifique point de vue sur une synagogue que l'on pourrait prendre pour une mosquée. Une brèche paradoxalement paisible. Comme pour mieux rappeler que violence et quiétude, guerre et paix dans cette region se côtoient sans cesse. La netteté est faite sur le trou de sniper, l'espoir d'une paix – humaine -durable demeurant incertain. Photographie imprimée en très grand format* (1 mètre 20 par 1 mètre 60), ici au moyen d'une machine spéciale au dos d'un support en plexiglas  qui reflète et répond parfaitement dans la forme au sujet représenté par Clear View (trou de sniper, verre brisé). Prêt à être suspendu au mur. *Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur vraie place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage et de la dimension artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Elles sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure,  esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition     Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=129Pris sur le vif par Chris D. Rasmussen dans le vieux souk de Jérusalem, cet enfant brandit un pistolet en plastique qu'il braque innocemment en direction de l'objectif, comme tant d'autres enfants qui n'ont pas la guerre à leur porte. Photo tirée en grand format (1 mètre 10 par 1 mètre 80) sur un support en aluminium prêt à être suspendu. Afin que ces scènes, paysages post-conflits, et que les êtres qui y vivent retrouvent leur place, loin de l'indifférence, les photos exposées sont disponibles en très grand format ; le spectaculaire du témoignage comme du travail artistique ayant supplanté le spectacle de l'information sans recul. Les épreuves photographiques sont directement imprimées sur un support rigide haut de gamme réalisé sur mesure, esthétique, fiable et immédiatement accrochable en aluminium ou plexiglas. Une facture de notre galerie et un certificat signé de la main de l'artiste seront joints à votre acquisition.  Thu, 26 Aug 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=128Tintin, Hergé - Le crabe aux pinces d'or - Bon état + Edition noir et blanc, grande image, 1942 4e plat : A18 Dos pellior rouge Pages de garde bleue foncé 4 HT couleurs 6700 exemplaires 1941 : parution de l'album "le crabe aux pinces d'or" noir et blanc petite image avec 4 pages en couleurs. 4 versions différentes : pinces du crabe vers le bas ou vers le haut, inversion ou non des strips de la page 77. Les albums avec pinces vers le bas et inversion de la page 77 sont les plus recherchés. 1942 : nouvelle édition cette fois-ci grande image "le crabe aux pinces d'or", 6700 exemplaires. Le crabe aux pinces d'or est le dernier album de la série des Tintin en noir et blanc. C'est également le seul album en noir et blanc à n'avoir pas été prépublié dans le " Petit vingtième ". Paru en 1941, ce dernier album en noir et blanc ne connut qu'une seule réimpression l'année suivante, sous couverture dite " Grande image ", que nous vendons ici. La version couleur et actuelle de l'album est parue en 1944. C'est un album fondateur dans la série des Tintin : en effet, c'est dans " Le Crabe aux pinces d'Or " qu'apparaît le capitaine Haddock, qui deviendra ensuite inséparable de notre jeune héros. Est-ce une figure parternelle ? Quoi qu'il en soit, le capitaine Haddock, fort en injures (souvent savoureuses), amateur de rhum (et d'alcool en général) et de bagarres, sait aussi montrer sa sensibilité et sa grande générosité. Un personnage sans doute essentiel aux côtés de Tintin dans l'½uvre d'Hergé. Tout commence par une boîte de conserve vide retrouvée par Milou dans une poubelle; ces boîtes de crabe, transportées par le cargo " Karaboudjan " ne contiennent pas de crabe, mais de la drogue. C'est sur ce cargo que Tintin rencontre le capitaine Haddock, déchu de son commandement à cause de son ivrognerie. De là, ils s'échapperont, traverseront la mer, puis " le pays de la soif "... et deviendront inséparables. On dit que c'est dans cet album qu'Hergé estima avoir réalisé son meilleur dessin (voir photo) : il représenta en une seule case un Beraber en 4 positions différentes : couché, agenouillé, se levant, et s'enfuyant. Complet, cet album est en bon état +, proche du très bon état, seuls les plats sont frottés 1er plat frotté, coins arrondis et frottés 4eme plat frotté, coins arrondis Dos rouge Pellior : belle restauration Pages de garde bleu foncé en très bon état Pages intérieures en très bon état, à peine jaunies 4 hors-textes superbes (pleine page) Album parfaitement solidaire, de très bonne tenue 103 pages, Album en bon état +, très rare à trouver La cote de cet album est de 1800 euros au BDM 2009-2010, pour un simple bon état. Une singularité est à noter : au 4e plat, à côté du titre " Les cigares du Pharaon " est inscrit entre parenthèses " Tintin en Orlent " (et non Tintin en Orient) ; particularité intéressante qui n'est pas mentionnée au BDM. Erreur à l'impression - ou préimpression ? - corrigée par la suite mais qui subsiste dans un autre album que nous mettons en vente (première édition couleurs de l'Ile noire, parue l'année suivante en 1943, réutilisant probablement comme support un dos blanc A18 de 42 en y ajoutant un copyright). Une curiosité qui en conforte la rareté. Livraison offerte en France Fri, 20 Aug 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=127 Tintin, Hergé - Le lotus bleu - Bon état. Réédition de l'album en noir et blanc, grande image, 1942 – 20e mille 4e plat : A18 Dos pellior rouge. Pages de garde bleu foncé 4 HT couleurs 5000 exemplaires Cette cinquième aventure de Tintin a d'abord paru en noir et blanc dans le Petit Vingtième en 1934-1935. Le Lotus bleu marque une étape essentielle dans l'oeuvre d'Hergé, qui hausse la qualité de son travail : le graphisme est plus soigné, la documentation plus importante et le scénario plus fouillé. Il y a, dans cet album charnière, une recherche de réalisme, une nouvelle approche de la part d'Hergé avec cette volonté de coller davantage à l'actualité et à la réalité historique. Cet album introduit pour la première fois le personnage de Tchang (inspiré par un jeune étudiant Chinois et ami d'Hergé), que l'on retrouvera par la suite dans  " Tintin au tibet ". Cette  édition en noir et blanc du " Lotus bleu " date de 1942. Elle est extrêmement rare, seuls 5000 exemplaires ont été édités de cet album, ce qui représente un faible tirage et accroît sa rareté. Sa cote est de 2500 euros au BDM 2009-2010, pour un simple bon état. Complet, cet album est en bel état d'usage. 1er plat frotté, coins arrondis et frottés 4eme plat frotté, coins arrondis Dos rouge Pellior d'origine en état très moyen, décoloré ; coiffes tassées ; manques vers le bas (2 cm) et vers le haut (moins d'1 cm) Pages de garde bleu foncé en très bon état Page de titre : 20e mille Pages intérieures en bon état, à peine jaunies ; discrètes restaurations prophylactiques (petites déchirures) afin de préserver cet album au papier fin et fragile (voir photos) ; ces mesures conservatoires sont indispensables. 4 hors-textes absolument superbes Album solidaire, de très bonne tenue 126 pages   Album en bon état, très difficile à trouver   Livraison offerte en FranceFri, 20 Aug 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=126Tintin, Hergé - Le sceptre d'Ottokar – Édition originale en Noir & Blanc 1939 - A7 Bon état Première édition Casterman en noir et blanc (décembre 1939), faisant suite aux prébublications en Belgique en 1938 dans " Le petit vingtième " sous le titre de " Tintin en Syldavie " et en France dans " C½urs vaillants " à partir de mai 1939. 1er plat : petite image collée 4e plat : A7 Dos pellior rouge Casterman, Paris Pages de garde bleu foncé 4 hors-textes couleurs Tirage : une première édition de 1939 parut sans les HT couleurs (500 exemplaires), suivie d'une même édition avec les 4 HT couleurs (celle en vente ici), elle-même suivie, en 1941, d'une nouvelle édition aux gardes blanches et aux 4 HT couleurs : au total il y eut en tout et pour tout seulement 8000 exemplaires. C'est d'après cette édition de 1939 avec ses 4 HT couleurs qu'ont été tirés les fac-similés de cet album. Curiosité de la toute fin de l'entre-deux-guerres, Le sceptre d'Ottokar est le pénultième album en noir et blanc et le dernier paru avant que n'éclate la seconde guerre mondiale en septembre 1939. La menace de la guerre sourd entre les pages. Et la proximité linguistique du dictateur Müsstler (mot valise, contraction de Mussolini et de Hitler) avec les deux despotes n'est pas fortuite. Le royaume fictif de Syldavie, inventé par Hergé, qui semble emprunter ses traits à la Suisse, à la Yougoslavie et à la Belgique, vit sous la menace de Müsstler. A l'instar du roi Léopold III de Belgique, pays neutre dont s'est inspiré Hergé, le roi Syldave résiste pour préserver la liberté de son peuple et l'indépendance de son pays. Il trouvera naturellement un allié en la personne de Tintin, petit reporter de papier déjà mondialement connu et reconnu, à même donc d'accomplir cette mission particulièrement héroïque. S'ajoute au contexte historique spécifique au Sceptre d'Ottokar, une distorsion des formes narrative et artistique. L'irruption massive au sein de cet album de la textualité journalistique par le biais d'articles de journaux restitués pleine page. La prise de risque pour Hergé consistant à conforter jusqu'au vertige l'ambivalence entre fiction et réalité. Complet, cet album est en bel état d'usage.   1er plat frotté, (à noter un chiffre "2 " inscrit discrètement en haut à gauche), petite image collée frottée, légère trace de pliure en haut à droite 4eme plat frotté, coins arrondis Dos rouge Pellior d'origine en état moyen, coiffes tassées, petites déchirures vers le bas (1 cm), mors du 4ème plat légèrement fendu mais parfaitement homogène, Premières pages de garde bleu foncé fendues, un nom est inscrit, quelques minuscules coloriages. Dernières pages de garde : légèrement fendues, Un nom inscrit sur la page de titre, Pages intérieures en très bon état, quelques rousseurs dans les marges, pages jaunies, légères traces de lecture ; une case coloriée au crayon de bois (voir photo), un coin recollé avec du scotch (p. 69) 4 hors-textes superbes, Album solidaire, de très bonne tenue, 108 pages. Album en bon état. La cote de cet album est de 1200 euros au BDM 2009-2010, pour un simple bon état. EN CADEAU AVEC CET ALBUM : Un porte-clé de collection "Le sceptre d'Ottokar" par CORNER COINDEROUX Livraison offerte en France Thu, 19 Aug 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=125Tintin, Hergé - Le sceptre d'Ottokar (2) Bon état + Première édition en couleurs (décembre 1947). 4e plat : B1. Dos pellior rouge Casterman, Paris, Tournai au 1er plat . Titre rouge en page de titre. Pages de garde bleues Tirage 35460 ex. Curiosité de la toute fin de l'entre-deux-guerres, Le sceptre d'Ottokar est le pénultième album en noir et blanc et le dernier paru avant que n'éclate la seconde guerre mondiale en septembre 1939. La menace de la guerre sourd entre les pages. Et la proximité linguistique du dictateur Müsstler (mot valise, contraction de Mussolini et de Hitler) avec les deux despotes n'est pas fortuite. Le royaume fictif de Syldavie, inventé par Hergé, qui semble emprunter ses traits à la Suisse, à la Yougoslavie et à la Belgique, vit sous la menace de Müsstler. A l'instar du roi Léopold III de Belgique, pays neutre dont s'est inspiré Hergé, le roi syldave résiste pour préserver la liberté de son peuple et l'indépendance de son pays. Il trouvera naturellement un allié en la personne de Tintin, petit reporter de papier déjà mondialement connu et reconnu, à même donc d'accomplir cette mission particulièrement héroïque. S'ajoute au contexte historique spécifique au Sceptre d'Ottokar, une distorsion des formes narrative et artistique. L'irruption massive au sein de cet album de la textualité journalistique par le biais d'articles de journaux restitués pleine page. La prise de risque pour Hergé consistant à conforter jusqu'au vertige l'ambivalence entre fiction et réalité. Parue après la guerre, en 1947, cette première édition en couleurs reprend néanmoins fidèlement l'édition en noir et blanc sans disruption. Afin sans doute de ne pas en atténuer le caractère de témoignage, la force prospective et l'originalité du métatexte (l'utopie - la Syldavie n'existe pas - dialoguant avec la presse et un contexte historique sombre), les changements sont mineurs (le costume des gardes et le dessin du sceptre). A noter enfin que Hergé s'est représenté lui-même en compagnie d'Edgar P. Jacobs (nouveau collaborateur dont l'on retiendra les Aventures de Blake et Mortimer) ainsi que d'autres membres de l'équipe dans les dernières cases pages 38 et 59. Le titre intérieur est en rouge, le deuxième plat B1 avec le pull "deux couleurs" familier des collectionneurs. Cette édition de 1947 du Sceptre d'Ottokar demeure très recherchée par les collectionneurs, sa cote est aujourd'hui de 900 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état. Complet, cet album est en bon état + 1er plat frais, un peu frotté, (à noter un chiffre " 7 " inscrit discrètement en haut à droite + un chiffre au crayon dans le cartouche titre). 4ème plat légèrement frotté. Dos rouge d'origine toilé en bon état, coiffes un peu tassées, Pages de garde en très bon état, Nom au crayon sur la page de titre, Pages intérieures en très bon état, très légères taches (rousseurs) dans les marges Album solidaire, compact, de très bonne tenue De légères marques du temps sans incidence 62 pages, imprimé en Belgique. Album en bon état + Livraison offerte en France Wed, 18 Aug 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=124La tradition du bronze du royaume Ifé (actuel Nigéria) remonte au XIVe siècle (production de terres cuites dès le XIes). L'art Ifé s'étend au Bénin où son expression culmine au XVes et cesse à la fin du XIXe s suite à l'expédition militaire britannique de 1897. Art royal distinct de la pensée et esthétique islamique, chaque tête en bronze réalisée selon la technique de la cire fondue célèbre la passation du pouvoir et le respect de cette transmission. Lors de son sacre le nouveau roi rend en effet hommage à son prédécesseur en déposant sur l'autel une tête à son effigie. L'esthétique idéalisante (lignes, qualité des traits)  grandeur nature (tête environ aux proportions d'un visage humain) est également une forme de célébration. Les têtes peuvent être ceintes d'un diadème. Tandis que d'autres, particularité saisissante et particulièrement présente ici, comportent des perforations sur le crâne, voire sur le cou, le menton et le pourtour de la bouche. En plus des stries verticales distinctives, cette tête présente effectivement des perforations sur le pourtour du crâne et de la bouche ainsi qu'une perforation au niveau du cou. Au dos, la tête est incomplète et laisse apparaître les imperfections de la fonte, ses irrégularités, ainsi que son ancienneté. Comme tous les exemplaires anciens très différents des copies modernes, le bronze patiné n'est pas uniformément lisse, au sommet du front, l'on distingue une reprise de la fonte. Le bronze ou laiton étant une matière noble et précieuse, les artistes béninois et nigérians réalisaient leur sculpture commémorative avec le moins de matière possible. Outre ces représentations royales, l'on trouve également des sculptures zoomorphes provenant des bassins Ifé (capitale et centre religieux nigérian, et Owo, autre ville nigériane). Tue, 13 Jul 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=123Elégante et précieuse boîte à jetons de jeu en bois noirci d'époque Napoléon III, marquetée de cartouches et rinceaux fleuris en cuivre et nacre. Décor de marqueterie filetée se prolongeant à l'extérieur sur la profondeur de la boîte et rinceaux sur la serrure. Le couvercle est légèrement bombé. Double filets blonds à l'intérieur du couvercle. L'intérieur est en placage de palissandre avec compartiments amovibles filetés ; à l'intérieur, une coupelle en bois noirci filetée. Les jetons sont en nacre et plusieurs sont gravés. Jetons rectangulaires (longs) 36 + 15 gravés Jetons rectangulaires (petits) 13 + 1 gravé Jetons ronds 11 + 5 gravés De petits manques et accidents mineurs aux placages sont à signaler. Clef manquante. Bel état. Tue, 22 Jun 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=122Tintin, Hergé – Tintin au Tibet Très bon état Première édition en couleurs (décembre 1960). 2ème*/4e plat : B29 Dos toilé rouge Pages de garde bleu clair Editions Casterman * Très souvent dénommé quatrième plat en raison d'un amalgame entre plat et contreplat, voire d'un amalgame avec l'édition moderne et ses "première" et "quatrième de couverture". Tintin au Tibet a commencé à paraître dans le journal de Tintin, en septembre 1958. Cet album a été écrit par Hergé alors que celui-ci traversait une épreuve difficile, une crise personnelle assez grave ; et cela se ressent dans cet album à part, où l'émotion est vive. Par nature si réservé, Tintin se dévoile et montre un autre visage de lui ; émotion et sensibilité dominent cet album d'où les gangsters et les méchants sont absents. Chang, l'ami de Tintin (voir le " Lotus Bleu ") a disparu lors d'un accident d'avion et Tintin, qui ne croit pas à sa mort, déploiera tous les courages pour le retrouver. Album de l'épure graphique où Hergé est sans doute à son apogée. Le fait que la neige soit omniprésente dans Tintin au Tibet a une conséquence narrative : c'est cette épure du dessin tenu à l'extrême et cette austérité sublime du décor qui permet en effet au capitaine Haddock, soucieux de distraire son ami, de cumuler les gaffes et de multiplier les facéties. Quant au " yéti ", qui dans cet album est loin d'un abominable homme des neiges (il suscite plutôt la sympathie) Hergé s'est largement documenté auprès de Bernard Heuvelmans (créateur de la cryptozoologie – ou étude des animaux dont l'existence est sujette à caution) et a également eu le soutien, à travers son témoignage, de Maurice Herzog, vainqueur de l'Annapurna en 1950. L'édition de 1960 de Tintin au Tibet est le dernier album sorti en nouveauté dans la présentation à dos toilé ; l'album suivant, " Les bijoux de la Castafiore " sera édité avec la présentation actuelle, à dos imprimé. Complet, cet album est en très bon état. 1er plat très frais, très peu frotté, avec une neige propre 4ème plat peu frotté Dos rouge d'origine toilé en très bon état, coiffes un peu tassées, Pages de garde en très bon état, Pages intérieures en très bon état, Album solidaire, de très bonne tenue, sans taches ni écritures 62 pages, imprimé en Belgique. Sa cote est de 220 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état. Livraison offerte en France Mon, 21 Jun 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=121Lithographie originale du VIIe arrondissement de Paris en parfait état, numérotée et signée au crayon de la main D'Alechinsky. Il s'agit ici du74e exemplaire sur un tirage en comportant 99. Elle provient de la série des Arrondissements de Pierre Alechinsky, figure majeure du mouvement COBRA. De cette collaboration fructueuse avec le mouvement Cobra fondé entre autres par Christian Dotremont, nous pouvons citer : " Duos à deux pinceaux " avec Jorn, Appel et Gironelle. D'apparence spontanée (Alechinsky connut André Breton), ces dessins de figures fantastiques sur plans Taride, les fameux plans des arrondissements parisiens, font partie des lithographies parmi les plus célèbres d'Alechinsky, peintre-graveur et lithographe dont l'½uvre imprimée s'est imposée comme l'une des plus considérables du XXe siècle. Initialement, ces lithographies avaient été réalisées (en hors-texte) pour le livre d'art " Randonnées lithographiques sur plans municipaux de la Ville de Paris avec, pas à pas, leurs légendes. Par Daniel Lelong, et Pierre Alechinsky. Editeur : Paris 13, rue de Téhéran, 75008. En 1983. " Une édition tirée également à 99 exemplaires que l'on trouve encore, quoique rarement, mais vendue sans ses lithographies hors-texte. Vendue sans encadrement. Belle fraîcheur pour un monument de l'½uvre imprimée moderne. Mon, 21 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=120Dans ce pastel entre terre et lune de format carré, l'épure est sensible.Point de vue resserré qui emprunte au Surréalisme, deux " objets " sont reconnaissables mais transfigurés ; un palmier dessiné à grands traits fauves et une lune pleine de charades à la Magritte occupent le champ pictural, pour se fondre dans un contraste cosmique. C'est très concret et déjà abstrait.  Portrait faussement sage d'une énigme. L'énigme de l'univers. Voir aussi dans la même série La Terre /1/  Wed, 16 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=119Flânerie aux Marquises, village d'Afrique ou port du Sud de la France ? Seule certitude, l'attraction d'un fleuve ou de la mer, la perspective d'une évasion, d'une balade rafraîchissante. Par l'usage de couleurs vives qui hachurent la futaie des palmiers, Cath Math nous dépayse ; tandis que l'aquarelle qui habille montagnes, reflets de l'eau ou de l'écorce, créé l'équilibre, l'harmonie. Ses paysages sont toujours le fruit d'une rencontre avec un lieu qui la surprend et déclenche le désir de le peindre comme pour mieux le comprendre.Le spectateur se laisse entraîner par cette rencontre picturale avec un lieu inconnu mais stricto sensu animé. Voir aussi dans la même série, La Terre/2/. Tue, 15 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=118Femme nue debout, faisant face. Cath Math n'a pas intitulé ce portrait (tout comme l'ensemble de son ½uvre). Le nom de la série " Les Corps " auquel appartient ce pastel suffit à le classifier. Le profil anthropométrique de ce nu ne renseigne pas sur l'identité du sujet. Aucune étiquette. Seule une évidence esthétique, et une force. Derrière la qualité de ces bruns qui modèlent le corps impavide de la femme, un décor grège-olive presque trompeur de douceur. Contourée de noir, l'inconnue est perçue derrière une fenêtre (ou une vitre) qui peut tout aussi bien être celle de son domicile que celle d'une cellule réelle ou symbolique où l'on chercherait à l'enfermer. Malgré tout ou grâce à cela, sa liberté domine. Voir aussi dans la même série, Les Corps /1/. Tue, 15 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=117Le nu est un topos académique. Il l'est moins lorsque le modèle est enceinte. Européenne, africaine, américaine, astiatique ou océanienne, le visage reste indivis, flou, comme pour tendre à l'Universel. Sa beauté, lumineuse, douce, posée en de savants rehauts de craie, explose. Assise en tailleur, imperturbable, l'avis des autres, fût-il admiratif, ne semble plus l'attendre. Sujet rarement représenté, sans doute fallait-il que l'artiste soit une femme pour le montrer dans toute sa plénitude ; et qu'elle manie la technique du pastel à la perfection, ourdissant l'intensité de ses bleus contrastants comme Rembrandt accentuait ses ombres au profit d'un jour intangible. Voir aussi dans la même série, Les Corps /2/. Tue, 15 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=116Leçon de choses à la Perec, fable de La Fontaine exhortant les faibles à se montrer plus intelligents que le fort ? L'effet d'échelle entre Les Choses (des bouteilles de verre ici au nombre de trois) est plus important que dans Chose /1/. Nature morte architecturée, figuratif abstrait en résonance avec Giorgio Morandi et De Staël, une grande bouteille gratte-ciel domine – ou protège, selon le point de vue, la culture et l'instant - les deux autres. Le fond presque uniformément turquoise intensifie l'omniprésence de l'élément liquide. Le cadre noir contoure plaisamment le bassin pictural. Voir aussi dans la même série, Les Choses /1/. Tue, 15 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=115Voilà une nature morte étonnamment vivante, irradiant de ce bleu des mers du Sud cher à Melville ; bleu turquoise rehaussé de blanc pour mieux renvoyer la lumière et trahir la matière (verre) dans toute sa transparence. Obliques, posées sur une table ou à même le sol sur fond de terre abîmé de ciel couleur mer, deux bouteilles de taille différente défient les lois de la gravité. Le travail au couteau sur cette ½uvre de petit format amplifie la densité et formidable présence lumineuse de ces choses du quotidien soudain extraordinaires. Voir aussi dans la même série*, Les Choses /2/. *Série pour laquelle Cath Math revendique l'influence du peintre bolognais Giorgio Morandi, qui peignit également des natures mortes prenant pour référents des bouteilles. Cet artiste sut faire la synthèse du Quattrocento, de Cézanne et des Futuristes. Il excellait à consacrer le mystère au coeur même de la simplicité. ¼uvre encadrée  Mon, 14 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=114Synonyme de grâce et de raffinement, d'abord utilitaire et saisonnier, l'éventail s'impose sous Louis XIV comme l'accessoire indispensable des dames de qualité. L'élégance des modèles, le choix des matières sont autant de signes de bon goût et de délicatesse. Il devient objet d'art, orné de scènes gouachées réalisées parfois par de grands peintres de l'époque, tels Boucher ou Watteau.
Aux décors de bergerie (empruntés au genre revivifié de la pastorale qui, de morale au XVIIe, se veut badine voire libertine au XVIIIe) s'entremêlent des scènes galantes ou allégoriques, les guirlandes de fleurs et les plaisirs à la mode, mais aussi des événements politiques animent ces objets sociaux dont l'usage était souvent réglementé. Ce très bel éventail XVIIIe est probablement de la fin XVIIIème, d'époque Louis XVI ( tant la manière, l'esthétique, que la symbolique semblent en attester). Encadré, richement décoré, il comporte des scènes finement gouachées sur ses deux faces. Au recto, les scènes pastorales dominent ; c'est un décor de jeux galants, de badinage, d'envies de rencontres, marivaudage d'une aristocratie qui renverse les codes sociaux pour prendre les traits de domestiques, de rustiques et de bergers qui n'en sont point, d'aimables paysannes, le temps d'une séduction. En arrière fond, un décor en grisaille bleutée fait de ruines bucoliques et de bâtiments champêtres (on devine un castel, des ponts). Le goût de la ruine (voir Hubert Robert) qui culmine avec l'aquafortiste italien Piranèse naît au XVIIIe, (pré-romantisme), du voyage vers l'Italie ou la Grèce puis vers l'Egypte, de la confrontation des artistes aux paysages antiques) et se poursuivra au XIXe. En bordure, une luxuriance de détails faisant référence à la musique (la musicologie s'affirme et s'affine véritablement au XVIIIe siècle) comme à l'abondance, sont rehaussés d'or. Ajoutée à la pastorale, la prédominance rousseauiste de l'allégorie musicale et du décor végétal qui signe le retour – très civilisé – à la nature, permet de situer cet éventail finement gouaché dans la deuxième partie du XVIIIe siècle, très probablement Louis XVI. On ne peut, en effet, s'empêcher de songer à Marie-Antoinette, à son domaine versaillais (le Petit Trianon, le temple de l'amour, le hameau et ses jardins), et aux jeux galants qui se déroulaient dans ce décor champêtre de caractère. Au verso, un décor de pastorale à la fontaine, comportant un nombre restreint de personnages, dont l'un porte un bâton surmonté d'un ruban. Un monogramme "ot" figure discrètement en bas à gauche. Les seize brins en ivoire sont gravés, à décors de personnages, et enluminés à la feuille d'or. Seule curiosité pouvant évoquer le Directoire ou le Consulat qui suivra un jeune personnage d'allure bonapartiste dans la pose, bicorne et bras croisé sur la poitrine. Les sequins d'ivoire dorés à la feuille d'or sont richement décorés de guirlandes et de rubans (très Louis XVI) et arborent un personnage en habit de l'époque. Ils sont en parfait état. Des traces de pliures et fentes n'entament pas la beauté de ce magnifique éventail. Un cadre vitré le protège et atteste de la valeur que ses précédents propriétaires lui accordaient. Thu, 10 Jun 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=113Tintin, Hergé - Tintin au Congo - 1955 Bon état + à très bon état 2ème*/4e plat : B12 Dos rouge Pages de garde bleu foncé Initialement paru dans le Petit Vingtième en 1930 en noir et blanc, la version en couleur est parue en 1946. Tintin au Congo est probablement l'album qui aura fait le plus scandale et couler beaucoup d'encre ces dernières années. Nourri de préjugés (Hergé le confiera lui-même plus tard), l'auteur donne à cet album dont l'action se passe in extenso dans une (ancienne) colonie belge un caractère particulièrement raciste, empli de stéréotypes et de caricatures insupportables. Replacé dans son contexte historique colonialiste, le caractère raciste de cet album n'en est pas amoindri, et en aucun cas défendable, mais en ressort plus intelligible. Cet album justement décrié pour ses positions moralement insoutenables a été déplacé dans certaines librairies et est passé du rayon " enfants " au rayon " adultes " avec mention d'un caractère offensant pour les lecteurs, qu'il s'agisse des personnages ou du traitement des animaux. Actuellement, Tintin au Congo comparaît devant le tribunal de première instance de Bruxelles. Un Congolais demande le " le retrait de la vente ou à défaut, l'ajout d'un avertissement" sur l'album Tintin au Congo, qu'il juge "raciste à l'égard des Africains ". C'est peut-être omettre la nécessaire prise en compte du contexte de son écriture qui lui confère aujourd'hui la dimension de témoignage criant de ce que nous devons ne plus reproduire. D'un point de vue strictement graphique,  et même narratif, Tintin au Congo est un album incontestablement réussi, rempli de rebondissements et de planches mettant en scène la faune, un univers sauvage, nouveau, exotique. De la même manière qu'intenter un procès a posteriori pour racisme semble excessif, ou tout du moins décalé, la publication de cet album ferait aujourd'hui assurément l'objet d'une vive protestation d'associations de protection des animaux - confère les scènes de chasse. En juillet 2007, la Commission pour l'égalité raciale a considéré que cet album contenait "des images et des dialogues porteurs de préjugés racistes abominables, où les 'indigènes sauvages' ressemblent à des singes et parlent comme des imbéciles." Extrêmement controversé - et à juste titre - Tintin au Congo est devenu, par sa publicité contraire, un album de plus en plus recherché. Cet album n'est pas l'Edition Originale en couleurs de 1946, mais l'édition couleurs de 1955. Complet, cet album est en bon état + à très bon état. 1er plat très frais, légèrement frotté (les couleurs sont superbes). Une discrète initiale " D " en haut et à droite. 2ème plat légèrement frotté Dos rouge en très bon état, coiffes un peu tassées Pages de garde en très bon état Pages intérieures en très bon état, avec quelques traces de lectures (petites déchirures en bas des marges, voir photos) Un bel album, de très bonne tenue 62 pages, imprimé en Belgique par Casterman Wed, 09 Jun 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=112Tintin, Hergé - Au Pays de l'Or Noir - Etat moyen (mais bon état intérieur). Complet. Première édition couleurs (1950). Edition originale Ed. Casterman 2ème*/4e plat : B4 Dos jaune Titre au premier plat " Au Pays de l'Or Noir " Pages de garde bleu foncé Au pays de l'Or noir a connu (tout comme l'Ile Noire) trois versions différentes. Ce titre commença à paraître en 1939 dans " Le Petit Vingtième " ; cette première version était en bichromie, et fut interrompue à la page 27. La 2ème version (qui est aussi la première édition en couleurs que nous vendons ici) a déjà évolué ; elle est en couleurs et sa narration est complète. Le capitaine Haddock apparaît et joue un rôle important à la fin d'une histoire où son personnage n'était pas prévu à l'origine. Entre la première version, lacunaire, parue dans Le Petit Vingtième et cette première édition couleurs, bien que le contexte géopolitique - qui constitue le coeur de l'intrigue - ait changé, le scénario, quant à lui, a très peu évolué ; alors que la seconde guerre mondiale, bien présente en 1939-40, était terminée depuis longtemps en 1948. En 1956, " Tintin " vient compléter le titre " Au pays de l'Or noir " en couverture et en page de titre, à la demande de l'éditeur qui avait constaté que les albums avec " Tintin " se vendaient mieux. Les grands changements intervinrent en 1971 (3ème version) : les premières pages de l'album (et plus particulièrement les pages 14 à 18) furent redessinées par Bob de Moor selon un nouveau scénario, plus moderne, et surtout, plus adapté à la nouvelle donne géopolitique du Moyen-Orient. Hergé, qui avait conçu son scénario en 1939, le modifia pour coïncider davantage à l'actualité. Alors que dans la précédente version (1950, celle que nous vendons), l'histoire se déroule en partie en Palestine sous mandat Britannique, elle sera dans la version de 1971 située dans un état Arabe indépendant, le Khemed, Emirat imaginaire inventé par Hergé, qui peut évoquer l'Arabie Saoudite, et que l'on retrouvera dans Coke en Stock.  D'autres détails concourent au " lifting " de cette dernière version de 1971 : voitures, vêtements, uniformes ont été modifiés ; les textes arabes, fantaisistes, ont été remplacés par une véritable écriture arabe, et correctement traduits (couverture) ; certaines onomatopées ont été également revues. Une dernière version plus actuelle, rajeunie, mais qui a perdu de son intérêt historique contrairement à cette première édition couleurs que nous vous proposons. Voir les différences entre les versions de1950 et 1971 sur les photos ci-contre ; les deux éditions se distinguent parfaitement : celle de 1950 a ses pages jaunies, tandis que celle de 1971 a des pages bien blanches (4 dernières photos). Cet album, complet, est dans un état moyen de présentation et cependant solidaire, bonne tenue des pages permettant une consultation agréable, texte frais. 1er plat légèrement frotté, bords élimés 2ème plat légèrement frotté, bords élimés Coins frottés et arrondis Dos jaune d'origine, coiffes manquantes haut et bas sur 1 cm. Mors inférieur fendillé. Premières pages de garde bleu foncé en bon état, dernières pages de gardes fendues sur environ 15 cm Dédicace sur page de titre Pages intérieures en bon état, un peu jaunies, infimes rousseurs, quelques déchirures de lecture dans la marge du bas. 62 pages, imprimé en Belgique par Casterman. Cet album est coté à 500 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état.Wed, 09 Jun 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=111Les deux livres formant le diptyque homérique sont ici réunis dans une même édition complète et native (aucun volume n'est rapporté) en six volumes. Cette édition de 1817 se compose de : - L'Iliade d'Homère, traduite en françois par Madame Dacier. (3 volumes) - L'Odyssée d'Homère, traduite en françois par Madame Dacier. (3 volumes).  ¼uvre éditée à Paris, Saintin, 1817. Complète de six ravissants petits volumes in-16 en maroquin havane flammé, fleurons dorés d'encadrement sur les plats, dos lisses ornés de roulettes, titres et tomaisons dorés.Tranche supérieure rouge parfaitement lisse. Gouttière et tranche de queue plus irrégulières, ébarbées. Elégantes pages de garde jaunes et noires. Marque-page en tissus vert et jaune reprenant en partie les couleurs du tranchefile (vert et jaune). Charmante et élégante édition illustrée éditée en 1817 imprimée par Didot l'aîné. Elle comporte 24 planches hors texte (frontispices inclus) d'un bel encrage gravées sur cuivre par Bernard Picart (Paris 1673, Amsterdam 1773) ; Picart, graveur-illustrateur le plus souvent inspiré par Poussin, Van Dick ou Rubens, est l'auteur de nombreuses illustrations de l'édition littéraire ou historique du XVIIIe siècle. C'est le dernier tome de L'Odyssée qui comporte le plus grand nombre de hors-texte, concentrés à la fin du volume. Toutes les planches ne sont pas photographiées ici. Certaines pages sont irrégulières, le texte n'est cependant jamais endommagé. Quelques faiblesses, coiffes et mors ayant induit d'infimes restaurations mais reliure d'époque bien solidaire. Rousseurs mineures. Un bel exemplaire. La traduction observée autant que conservée ici est celle d'Anne Dacier (1647 – 1720), née Lefebvre, helliniste fameuse du XVIIIe siècle.  Mon, 07 Jun 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=110Première édition (1938) rare et numérotée, bel état. Mention de l'éditeur : Paris sous l'Emblème du Secrétaire, 1938. Quatre volumes plaisamment reliés en demi basane brune mordorée illustrés par Dubout, dos à 4 nerfs, décor à caissons filetés d'or. Edition sur vélin Bulky numérotée sur 1800 exemplaires, numérotés de 289 à 2088. Il s'agit ici du n° 1014. Tome I : 315p., tome II : 330 p., tome III : 347p. et tome IV : 371p.  Basane faiblement émoussée et reliure frottée par endroits (voir photos) sans incidence. Très belle fraîcheur du texte et des illustrations. Présence d'un envoi discret (ou simple annotation) manuscrit au crayon à la fin du tome III. Les illustrations très nombreuses (76 en couleurs, 7 en noir et blanc) sont du célèbre dessinateur, illustrateur et caricaturiste Albert Dubout (1905 – 1976) qui campe avec talent des scènes triviales ou conjugales devenues sous son trait truculentes, jubilatoires. Les dessins de Dubout ont été reproduits par le procédé Duval-Beaufumé, et coloriés au pochoir par Beaufumé et Jon et Raynal. Le vélin Bulky, papier de création (de type Arches), irrégulier et dense, est parfaitement adapté à l'illustration lithographique. Le rendu des couleurs est pétulant. Presque autonomes, formant un récit à part entière, les scènes illustrées par Dubout jaillissent sous les yeux du lecteur et prennent une vie propre au fil des pages qui excède la littéralité narrative. Illustrations par Dubout, à l'intérieur du texte (in-texte) et planches hors-texte ; dont certaines illustrations (hors-texte) pleine page très spectaculaires. Aucune n'est manquante. Sans rousseur. En raison de leur très grand nombre, toutes les illustrations contenues dans cette sublime édition ne sont pas représentées. Lorsqu'un monument de la littérature mondiale, chef-d'½uvre d'humour (et d'ironie métatextuelle) picaresque et de réflexion sur l'Absurde, rencontre le dessin virtuose du plus grand caricaturiste du XXe siècle, référence de l'illustration, la somme de ces talents aboutit à un Grand ½uvre de la bibliophilie moderne. Dans les années 30, Dubout illustra deux autres chefs-d'½uvre de la littérature classique : Le Gargantua de Rabelais, ainsi que les ¼uvres de Villon. Cette édition originale sera rééditée en 1951 par les Editions du Valois, puis, en 1978 par les Editions Michèle Trinckvel. Une ½uvre recherchée.Mon, 07 Jun 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=109Modèle RAR designé par Charles Eames et Ray Eames en édition originale Zénith, circa 1950. L'édition originale a la caractéristique d'être très fibreuse et de comporter un tour unique dit en " rope edge " (corde de chanvre). Son état est exceptionnel. Il est de couleur gris éléphant (elephant grey). Une couleur recherchée. La coque en fibre de verre des premières éditions Eames a été produite de 1950 à 1953 dans les usines Zenith plastics. Seules ces éditions particulièrement recherchées et que l'on trouve excessivement rarement dans un tel état de conservation (aussi bien muséal que fonctionnel) comporte un tour en rope edge. Ce procédé de fabrication artisanal fut bientôt abandonné pour une fabrication sérielle ne comportant plus de rope edge, et à la fibre de verre de moins en moins présente au fil des rééditions Herman Miller. L'étiquette d'origine est intacte. C'est également une rareté. Généralement, cette étiquette très graphique (l'étiquette en elle-même, noir rouge et blanche est caractéristique du design des années 50) a disparu ou a été déchirée ; on peut lire parfaitement ses mentions: " Designed by Charles Eames, the shell is moulded by Zenith plastics, Herman Miller furniture company. " La coque est en très bel état - à deux endroits seulement elle s'est émoussée et a été finement restaurée (confère photos). La corde en chanvre est bien en place sous la résine fibreuse. Le piètement, très solide et d'excellente qualité, est rapporté ; les piètements d'origine n'ayant généralement pas tenu (corrosion). C'est d'ailleurs la coque qui établit la valeur d'un Eames. Seule la coque était moulée par Zenith. Ce modèle ayant été dès l'origine conçu avec des piètements interchangeables pour en varier l'usage et la fonction, et passer d'un fauteuil de repos à un fauteuil de dîner - voire les modèles DAT et DAW, même si le piètement RAR (rocking armchair rod) demeure le plus recherché. Il s'agit ici d'un piètement américain (" base rocking ") de très bonne facture, avec une nouvelle visserie. En cas d'expédition, il sera démonté mais demeure très facile à remonter sur son piétement. Les shockmounts sont larges, d'excellente qualité, probablement d'origine et en très bon état. La fibre est exceptionnelle, les traces d'usure sont bénignes, la couleur a très bien tenu. La coque prend superbement les ombres et reflets du soleil. En lumière naturelle, selon le degré de luminosité, le gris éléphant peut se muer en gris glacier lorsque le soleil frappe la fibre de verre blanche (l'iconographie en atteste sur deux photographies seulement prises en plein soleil, en raison de la surexposition que créé ces lumières franches).  Il est aussi solide qu'une réédition. La différence tenant à la précellence des productions Zenith, à leur rareté, et par contraste, à la moindre qualité des productions ultérieures ainsi qu'à leur faible valeur. Une édition originale Zenith a considérablement plus de valeur qu'une réédition Vitra, ou même qu'une réédition Herman Miller produite entre 1954 à 1972. Les éditions Zenith de ce modèle RAR, qui sont donc les plus anciennes, demeurent les plus cotées. Leur cote s'élève à 3000 euros, et sont parfois vendues à 4000 euros en très bon état. Leur valeur élevée est justifiée. Seul un Zenith a cette densité de fibre de verre, et ce sont en outre les seuls à posséder ce tour en chanvre. Ils sont d'autant plus recherchés que leur production fut limitée et leur qualité inégalée. De 1953 à 1972, Hermann Miller le produira hors des usines Zenith sans rope edge et avec moins de fibre de verre afin d'amoindrir le coût de fabrication. De 1972 à 1989, Vitra l'éditera à sont tour avec encore moins de fibre de verre. Il existe également des productions Modernica en fibre de verre depuis 1983. A partir de 2005, Vitra reprendra la production en remplaçant la fibre de verre par du polypropylène ; un matériau uniformément lisse dénué de toute sensualité, choisi pour des raisons de coût et non de durabilité, argument pourtant utilisé. - Hauteur de l'assise : 37 cm. Hauteur totale (sol jusqu'au dos) : 67,5 cm. Accoudoirs à 57,5 cm du sol. - Assise d'une profondeur de 46 cm pour 41 cm de largeur environ. - Largeur maximum mesurée d'accoudoir à accoudoir : 63 cm. - Longueur maximum (piétement) : 68,5 cm Livraison offerte à Paris Thu, 03 Jun 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=108C'est la plus grande des Terre-lotus (un mètre dix par un mètre dix ; confère Terre-lotus I (1m x1m) et Terre-lotus III 60cm x 60 cm). C'est également la plus lyrique. La présence de grandes plumes colorées d'oiseaux d'amazonie recueillies dans son pays natal semblent jaillir hors de la toile ; comme projetées, difractées dans un Big Bang artistique, débordant sur le cadre en trompe l'½il : ce carré de coton peint en bleu qui lui dessine un cadre. Soudain, c'est l'Origine. L'éclosion d'un monde ardent. Le mystère, l'énigme. Les éclats de bronze antique de cette feuille de lotus qui, au c½ur de la toile, s'incarne en planète. Collecter l'ensemble des ingrédients qui s'agrégeront à l'acrylique est en soi une ½uvre. Savoir les assembler sans les corrompre relève de la magie, voir de la sorcellerie...les mêler au motif monochrome de ces arbres noirs, mettre le feu à l'aube acrylique...nous ensorceler jusqu'à nous abîmer dans ce mandala plumassier diablement émouvant. Beau. Bello. Livraison offerte à Paris   Wed, 26 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=107Terre-lotus I fonde la série des Terre-Lotus (confère Terre-lotus II et Terre-lotus III) ; une série développant une esthétique abstraite et sereine métissée tirant son inspiration de la selva du Brésil comme de l'Extrême-Orient où le lotus connote l'éveil de Bouddha. De grand format (1mètre x 1mètre), les différents halos bleus irradiants qui composent les cercles de cette ½uvre d'autant plus puissante qu'épurée, frappent, intriguent, et apaisent. En collant une feuille de lotus au centre de l'acrylique, Sérgio Bello rend la Nature non pas seulement pas objet de son ½uvre mais sujet, au sens d'actrice à part entière ; une véritable star participant à un happening esthétique qui va bien au-delà d'une simple mimesis. La nature ne fait pas mais EST le corps de l'½uvre. Pour autant l'artiste - et ses artefacts - ne se retire pas ; qu'il colle et préserve les nervures et la texture froissée de la feuille de lotus , colorise le cratère et lui insuffle ainsi le statut d'½uvre d'art, voire la canonise en lui corsetant un décor à l'acrylique, un habit de forêts, de mers et de coraux à sa mesure. Ce faisant, le happening d'une nature entropique passe de l'éphémère à l'éternité de l'½uvre. C'est de la haute-couture. C'est de l'Art. Livraison offerte à Paris Wed, 26 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=106Peu académique, vraiment..." Sorte de bassin large et profond, dont se servent les Apothicaires, les Chimistes, les Confiseurs, les Marchands ciriers. ". A l'entrée "Bassine" du Dictionnaire de l'Académie Françoise, Paris, Londres, 1814, Bossange et Masson. D'ailleurs, auriez-vous deviné qu'il s'agit d'une bassine ?  " Rien ne se perd, tout se recycle ", une fois de plus Sérgio Bello suit ce précepte, et avec quelle force ! Il y a davantage de l'alchimie que du paisible et pénible objet associé à l'hygiène et aux lessives manuelles dans sa Terre-bassine. Une bassine à l'effigie de la Terre, festonnée d'îles et de continents...Sérgio Bello a su si bien transformer cet objet usuel en sculpture antique et mystique qu'il en devient méconnaissable. L'objet rend sculptural l'acrylique qui en contrepartie transforme en peinture l'objet de tous les bains. Peinture en trois dimensions, voire en quatre. A la fois très contemporaine, vermeerienne, étrusque. Nous remontons le temps. Le cours de l'Histoire, de ses couleurs. Le bleu de Delft. La mosaïque. Objets antiques d'un tel raffinement qu'ils outrepassent leur seule fonction.  Terre-bassine, c'est bien sûr notre planète. Dans une vision rassérénée. Les océans n'ont ni disparu sous les flammes ni englouti les montagnes. La menace demeure présente mais contenue, comme périphérique. Once upon a bathe...Purgatoire hédoniste en attendant le dénouement quel qu'il soit, le spectateur s'en délecte, tourne autour de l'objet d'art, hypnotisé par cette planète soudainement sexuée, capitonnée d'atolls et de cratères vert antique veiné de lave. Cerne des flammes stylisées en relief, une dentelle précieuse, en fait un corail vert –turquoise. Un motif à la fois moderne et raffiné, rencontre du troisième type entre Raoul Dufy et Keith Haring dans l'atelier d'un Soyeux lyonnais...Offrande de l'orfèvre Bello au spectateur qui se rapproche suffisamment pour contempler l'abysse et ses trésors. La large baguette en bois de couleur bronze doré ajoute encore au faste de cette étourdissante Terre étrusque. Livraison offerte à Paris Wed, 26 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=105A l'origine de la vie, il y a l'eau. Les océans. Et l'infinité de la vie qui la peuple. Ce qui vaut à la Terre l'épithète homérique ou catachrèse de Planète bleue. Cette prépondérance de l'élément aqueux, bleu turquoise ou éthéré, jaillit au centre de la toile en se mêlant à l'air immatériel – l'élément aérien, picturalement intraduisible, est pourtant si judicieusement transposé en rigoles de colles abstraites et opalines. Puis, tous flammes, le feu, ici ambivalent, destructeur et créateur de vie, s'exprime avec une flamboyance baroque, et explose sous notre regard. Les flammes, orange vif, forment une crinière majestueuse à la Terre, délicatement ombrée par le dessin d'une seconde crinière de flammes brunes. L'élément terrestre s'exprime en un camaïeu subtil de feuilles collées au centre de la toile, peintes ou laissées apparentes. La Terre, tout ou partie, est ainsi au centre en paraissant décentrée. L'herbier intègre la toile et la transforme. Dans le même temps, le glacis pictural qui par endroits le recouvre le dénaturalise avec art. La peinture-objet de Sérgio Bello compose alors un double espace d'apprentissage (écologique, esthétique) et de sidération (émotionnelle). Livraison offerte à Paris Tue, 25 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=104 La peinture de Sérgio Bello a suffisamment de présence – et c'est particulièrement vrai de cette peinture explosive – pour être regardée de loin, et de finesse pour être appréciée de près. Le spectaculaire peut souffrir la nuance. Combien d'artistes peuvent-ils s'en prévaloir. De loin, un drame se joue dans le cosmos. La terre brisée, au zénith de son agonie, belle, rougeoyante, dangereuse, en fusion, semble sur le point d'exploser en huit soleils. Vestige d'une vie végétale ou bouche criant de la Terre, un étrange cactus, extraterrestre, inquiétant, achève l'agonisante. La nuit sidérale absorbe ses cris. De près, la minutie du jeu des textures, la précision du dessin, l'orchestration des couleurs. La Terre boule de feu déjà inerte, papier froissé vérolé de colle, la mise en abyme de la responsabilité de l'homme par le collage de faux déchets. Une forêt gagnée par les flammes (un motif bellien récurrent) survolée par des créatures fantastiques : lucioles, étoiles de mer, symbolique des âmes ? Et bien sûr, la mise en scène de l'objet peinture lui-même qui outrepasse le champ que lui assigne la toile, agrandie par son encadrement : une large baguette en bois de couleur bronze doré encore rehaussée par une fine baguette bleu ciel. Une Terre brisée esthétiquement vibrante. Livraison offerte à Paris Tue, 25 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=103Il l'imagine, le dit, l'écrit, le crée. Si notre consommation est excessive, les cercles de ce mandala de Sérgio Bello ont fait leur mue de la parade des couleurs. Les couleurs existent mais s'assombrissent, matures ; pastel, elles sont en retrait. Si la structure formelle demeure la même (mandala), le cri se renouvelle. L'expression graphique se resserre et s'affine plus encore. Une forêt monochrome crie sa douleur en noir et blanc. Ce cercle muet crée de l'espace et de l'acuité spectatorale. Au centre, une Terre vide de couleurs mais zébrée de signes, part en confettis. L'ouvrage des méandres du Temps ? Car justement, Sérgio Bello emploi un sable pour chaque temps ; volcanique, comme encré noir de Chine, il exprime la destruction ; brésilien, de tonalité chaude, il fait passer la danse du gaspillage sans amoindrir le propos. Sculpteur-cueilleur, peintre de mandalas écologiques, ou Basquiat mystique, Sérgio Bello nous démontre qu'il sait tout faire. Livraison offerte à Paris Tue, 25 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=102Titre inspiré par une devise amérindienne, peuple cher à l'artiste. Né au Brésil, l'artiste ne refuse pas la mondialisation mais interroge dans la série Les cris de la Terre, et particulièrement dans le diptyque L'argent ne se mange pas I et II, les dérives d'une marchandisation de ces ressources naturelles. Souvent concentrique, la structuration des ½uvres de Sérgio Bello convoque ici pleinement les cercles de l'enfer dantesque. A chaque cercle, un état symbolique de la Terre. Un état du monde avant la Chute ? A l'extérieur, un ciel bleu naïf ponctué de nuages, l'élément aérien qui échappe au cercle terrestre. Puis les deux cercles incendiaires qui disent la régression de la forêt. Le cercle aquatique, mangrove étrange constituée d'îlots en polystyrène peint pour souligner peut-être l'insuffisance des plans de reforestation et des plantations gérées. Enfin, cernée de grenades, la narration d'un monde qui péniblement survit. Sous la colle qui la vitrifie, un travail graphique qui rappelle les formes serpentines un peu dérangeantes du mouvement Cobra ; finement dessinée l'Amazonie est recouverte de détritus (collages de papiers) et de pièces de monnaie. Graphiquement Sérgio Bello utilise ici des couleurs criardes pour donner un second souffle au cri de la Terre. Une ½uvre picturale qui se mange avec les yeux et s'écoute de loin comme de près. Livraison offerte à Paris Tue, 25 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=101 La devise amérindienne est ici écrite in extenso au c½ur de l'½uvre : " Quand le dernier arbre sera abattu, la dernière rivière empoisonnée, le dernier poisson pêché, alors vous découvrirez que l'argent ne se mange pas ". Les cercles, moins nombreux que dans L'argent ne se mange pas II sont ici restreints au nombre de trois. Comme autant d'envolées tronquées, les plumes de pigeon qui suggéraient de prime abord une envolée optimiste sont contourées de rouge, saignantes. Plus épurée, la puissance de l'½uvre repose sur l'attraction fascinante qu'exerce le bois brûlé en forme de Terre. L'itération du propos graphique et textuel trouve son prolongement autant que sa réalisation néo-expressionniste dans la réalité concrète, noire, impossible à nier, du bois brûlé. De par son volume, son état de chaos, mais aussi grâce à son intégration techniquement exemplaire à l'objet peint, le bois brûlé insuffle une épaisseur, une densité, un succroît d'expérience à l'esthétique bellienne. Dépassant le simple usage du motif, Terre brûlée donne à voir comme à vivre l'état ultime du monde, une terre dévastée quand la déprédation écologique aura excédé toute Raison. Objet d'une récupération et non fruit d'une destruction volontaire, le bois calciné après avoir été écologiquement prélevé a été verni. Une mesure aussi esthétique que conservatoire. Livraison offerte à Paris Tue, 25 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=100L'inventaire à la Prévert des ingrédients du Maestro Sérgio Bello peut suffire à donner l'aune de sa poésie écologique, de son imagination de chasseur-cueilleur respectueux de la Terre qui l'accueille mais ne trahissent pas encore assez la magie de l'objet pictural abouti ; de sa complexité derrière l'évidence ; du choix de la feuille de nénuphar qui donnera naissance à la Terre Lotus, de ce travail d'orfèvre du collage qui met en relief les nervures du lotus, son pic capitonné comme doré à l'or par un maître vénitien, l'irrégularité de sa forme épousée dans le cercle par la complétude volcanique d'un sable islandais recueilli in situ ; ou encore le prolongement du rond dans la forme du losange par le décor peint à l'acrylique ; les flammes rouges qui dévorent une forêt symbolique pour s'éteindre, la folie des hommes assagie, dans une vie en rose. Terre-lotus III, cadette de la série des Terre-lotus (voir également Terre-lotus I et II) est une peinture en dimension, une sculpture chatoyante qui donne du baume au c½ur de la Terre par sa valeur artistique et esthétique plus encore que par sa sémantique engagée. Livraison offerte à Paris Tue, 25 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=99Anoukis nous vient d'Egypte. Du songe d'un rapt bonapartiste. De l'épice du voyage de Marco Polo à Vivant Denon. Jeune sabine, esclave ou Ramsès en passe du sacre, futur régnant sur la Basse et la Haute Egypte. Sur l'esquisse fine, le lavis d'encre jette un voile futuriste sur la tentation du lisse et brouille les pistes tant formelles que critiques. La touche se fragmente en savantes incisions géométriques, éclats de verre obliques dans la labilité exquise du dessin " écrit " à la manière d'une école italienne et par là même audacieusement réécrite. Plaisamment encadré, Anoukis n'a pas révélé tous ses secrets. Tue, 18 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=98La nuit, territoire du fantasme comme de l'Idéal, les terres les plus conflictuelles du débat sociétal peuvent s'exprimer différemment. La liberté de cette apparition féminine ne semble pas contestable. Shéhérazade moderne, elle révèle plus qu'elle ne dissimule sous la contrainte et le joug. Son niqab laisse apparaître le nez, plus européen qu'oriental, et deviner la bouche. Instant sensuel, c'est bien cependant sur le khôl du regard (et l'aquarelle se fait encre) que l'artiste insiste, rappelant que le niqab, meurtrière pour femmes perpétuellement otages d'une guerre qui leur serait livrée, ne permet habituellement que de voir. Le regard saisit le spectateur par son intensité. L'intelligence de la composition – elliptiquement cyclopéenne - suggère une femme sur ses gardes mais forte, résistante. Une fois de plus l'artiste qui assume une liberté formelle a la possibilité de dépasser les conventions idéelles.  Tue, 18 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=97Oeuvre typique de l'École Orientaliste, où certains artistes du XIXe imaginaient l'Orient plus qu'ils ne le vivaient (ne le connaissant pas), lui donnant des attributs dignes des contes des Mille et Une Nuits, d'une féérie très éloignée de la réalité. Superbe buste de Maure, aux traits fins de type occidental ; son visage n'a pas, ou peu de caractéristiques orientales. Seuls sa peau très brune, sa barbe en double pointe  et son cheich font de ce portrait un homme de l'Orient, un Maure. Des oeuvres souvent somptueuses furent créées par ces artistes n'ayant jamais effectué le voyage au Maghreb, en pays Ottoman ou au Moyen-Orient. Ce ne fut pas le cas pour de nombreux peintres orientalistes illustres du XIXe, tels Delacroix - qui fit de longs séjours au Maghreb - Jean-Léon Gérôme, Eugène Fromentin ou encore Horace Vernet. Cet attrait pour l'Orient, ce goût pour l'exotisme prit son plein essor dans cette première partie du XIXème siècle, durant le règne de Napoléon III (il dirigea de grandes expéditions pour coloniser l'Afrique, et conquit l'Algérie à partir de 1830). Les salons de la bourgeoisie et de l'aristocratie se parèrent alors de peintures et de sculptures Orientalistes, où bals costumés et somptueuses réceptions se multiplièrent avec faste autour de ce thème. Bel état pour ce buste en plâtre patiné ; très léger accident au cheich (grand foulard ou keffieh). Monogrammé sous piédouche. Fri, 14 May 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=96Cinéma muet en eau sombre. Drame ancestral sur les rives de l'Oise. Le calme n'est qu'apparent. Les verticales acérées le long de la rivière, cathédrale aqueuse, charrient le cours de l'histoire. Sa violence à l'abri des forêts. Décor d'eau et de pierres. Terrain de chasse des magdaléniens, berceau des capétiens. Intensité monochrome mais en réalité, subtilité, infinité des gris. De cette palette resserrée sourd une narrativité puissante. L'expressivité formelle de l'artiste toujours contenue, est ici particulièrement épurée et touche au c½ur, bouleverse. Sans doute le plus pur et complexe des paysages oniriques de Jean-Pierre Bissonnier.  ¼uvre encadrée, signée par l'artiste dans la marie-louise et au dos du dessin.   Fri, 07 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=95Elue Miss 2010 par son Pygmalion qui la sauva d'un destin funeste, Miss Cadonett doit ses couleurs délavées et son allure cabossée post-punk à son long séjour dans l'eau drômoise. Garantie naturelle, l'intervention de l'artiste, inventeur pour l'heure d'un pasta art plus convivial qu'à la trattoria, s'est restreinte à deux trouvailles lumineuses : - la chevelure n°5 de Barilla (au froment pour une blondeur au naturel) dont il choisit de coiffer ce tube en métal de Cadonett (une marque qui existe encore ; cette crème fixante pour les cheveux est néanmoins introuvable) - et deux trous expressifs pour les yeux et la bouche. Ecologique, moins formaté qu'une Barbie, et développant une forme d'art récréative, accessible à tous et participative (la chevelure est interchangeable et re-créable facilement). Un art qui ne manque pas d'humour. Osez étonner vos proches ! Pour les grands et les petits. Pièce unique, Miss Cadonett est livrée " en kit " pour protéger les éléments les plus fragiles, avec : -       une boîte contenant un authentique sable de la Drôme à verser à l'intérieur du tube avant de coiffer Miss Cadonett -       une coiffure native (voir photo) et une deuxième coiffe vernie alternative -       un paquet de pâte Barilla au blé complet, une variante " country " pour réaliser soi-même la coiffe de " Miss Cadonett à la campagne " (immerger dans l'eau bouillante la partie de la coiffe à plier), ou consommer al dente alla vongole.   Fri, 07 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=94Encre de petit format virtuose. C'est le portrait raphaëlite d'une jeune femme orientale. La craie aquarelle cherche et trace le volume, modèle le visage à l'instar d'une sculpture. L'artiste nous confie avoir conscience dans ses encres figuratives de sculpter davantage qu'il ne peint. Le visage clair, délicat de Yumna, est né des ruines des Twin Towers. Jean-Pierre Bissonnier a voulu rendre hommage, dignité et prénom, par la grâce de l'esquisse, à l'une de ces âmes (en)volées ce tragique 11 septembre. ¼uvre encadrée, signée par l'artiste dans la marie-louise et au dos du dessin.   Fri, 07 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=93Néo polar peint à l'encre noire, brune, aube et or. Invitation au voyage. Entre la série noire chez Gallimard et Shalimar, l'éternité à la Rimbaud, Conrad et Simenon, il existe un fleuve où le noir se mêle à la poudre, où la terre envahit le ciel, et où les nuages, sombres, espagnols, sont filetés d'or. Jean-Pierre Bissonnier nous prouve dans une veine romanesque et suggestive son talent à nous emmener au bout de la nuit, dans une épopée en dehors du temps où les nuages semblent fondre sur une mer curieusement étale. Dans cette encre de bonnes dimensions, l'artiste se joue des reflets comme de nos rêves et de nos peurs. Les lueurs dorées composent deux trouées d'espoir qui nous ramènent, dociles, au phare de l'enfance.  ¼uvre encadrée, signée par l'artiste dans la marie-louise et au dos du dessin.   Fri, 07 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=92Intitulée " Le lac " par son créateur, cette encre, très loin de Lamartine, évoque davantage une mer turnérienne, sauvage, fusionnant avec le soleil. ¼uvre claire dans le paysage artistique de ses encres abstraites, Jean-Pierre Bissonnier convoque le maître Tuner pour rendre à la marine son pouvoir de caravelles. L'horizon. La pureté solaire. L'épice du naufrage. Saturée, incendiée de lumière, la scène probablement au couchant, étonne par l'absence de l'ingrédient attendu : point de navire. A-t-il été englouti ? Nul homme. Juste Nous qui observons, éblouis, cette levée de mer gorgée d'or. Encre de bonnes dimensions. ¼uvre encadrée, signée par l'artiste dans la marie-louise et au dos du dessin.   Fri, 07 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=91Après le prélude, l'étonnant retour du calme qui se conquiert ; l'ordonnancement de la nature qui s'apaise. Hugoliennes les encres de Jean-Pierre Bissonnier le sont toujours par leur capacité à faire surgir, terribles, romantiques, si exacts, le diable et le Beau ; en même temps que s'invite ici le paysage japonisant du Harpignies des esquisses. Admirable linéarité, ces parallèles qui, répétées, suggèrent qu'au calme de l'eau en surface répond une sérénité plus profonde. D'une sobriété sublime, l'ombre rassérénée de grands arbres soulignés de noirs veille sur cet écrin silencieux.  ¼uvre encadrée, signée par l'artiste dans la marie-louise et au dos du dessin.   Fri, 07 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=90Si l'encre brune domine, la simplicité est toujours un savant écheveau que ce musicien de l'encre sait orchestrer. Il y a de l'ocre, du gris, du beige, du rose et du vert dans ses bruns. Spectacle nocturne, il nous faut apprendre à lire les signes dans le noir. Un feuillage subtil enserre les berges de cet étang où se déroule une symphonie fantastique. En trois traits de plume, la tempête s'abat, compromet et dilue l'équilibre végétal. A l'épicentre, spectrale, l'eau ne reflète plus, elle se brouille, se gondole, et la forêt autour résonne sous les assauts de la pluie. Jean-Pierre Bissonnier détourne le test de Rorschach pour paysager nos Walkyries les plus intimes. ¼uvre encadrée, signée par l'artiste dans la marie-louise et au dos du dessin.   Fri, 07 May 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=89Gravure issue du célèbre journal satirique français Charivari illustrant une vente aux enchères, exécutée par Charles Morand d'après un dessin de Daumier. Fondé par le journaliste républicain Philippon en 1832, la publication de Charivari ne cessa qu'en 1937. Ce journal dut son succès à la qualité de ses caricatures à chaque fois en lien avec une actualité politique ou sociétale ; Honoré Daumier fut l'auteur des plus remarquables tant artistiquement que de par leur propos. C'est ici le graveur sur bois favori de Gustave Doré, Charles Morand (1824 – 1904), qui permet la plus large diffusion du dessin au style inimitable de Daumier. La scène se déroule déjà probablement à l'hôtel des ventes de Drouot. Un expert que l'on devine, à sa posture et expression théâtrale, à la verve lyrique, présente un tableau semble-t-il religieux, devant une assistance attentive, ; au premier plan trois marchands ou collectionneurs détachent leur regard de l'expert pour scruter attentivement l'½uvre, jugeant par eux-mêmes de son intérêt. Cette gravure est encadrée (encadrement moderne) et signée en bas à gauche dans la planche. Mon, 03 May 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=88Superbe et intriguant bronze à patine brune cirée, de la main du sculpteur contemporain Jean-Jacques Lamou. L'exécution, dans son expression romantique, se défait de tout excès pour atteindre à une simplicité formelle exquise.  Seul le voile de cette jeune madone girondine, - à moins qu'il ne s'agisse d'une rénovation pastorale de la Marianne française -, s'autorise l'ornement d'un plissé. Ode mystique, élégie ou simple hommage à la beauté d'une femme ? Quel est le sens de cette figuration au visage angélique, nimbée d'un voile énigmatique, les yeux levés vers le ciel. Rêvée par son Pygmalion au c½ur des landes gasconnes et du Pays de Buch, tour à tour mélancolique, douce et sensuelle (suivant l'angle depuis lequel le spectateur choisira de l'observer), elle semble veiller, maternelle, sur ses zélateurs.  Tirage d'artiste. Exemplaire numéroté 2 sur 8. Cependant, ajoutant à la rareté de cette pièce, seuls trois tirages furent exécutés. Il s'agit du dernier existant encore disponible à la vente. D'abord modelée en terre, l'artiste a ensuite réalisé un moulage en plâtre en vue de sa fonte. Sa réalisation en bronze est née d'une collaboration avec la fonderie d'art Lalloz. La patine brune cirée, particulièrement remarquable, est d'un rare éclat.   Mon, 19 Apr 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=86A slave auction in Virginia - From a sketch by our special artist. Cette gravure anglaise est issue d'un journal de 1861 (vraisemblablement The illustrated London News). Elle constitue un témoignage historique de ce que furent les ventes aux enchères d'esclaves noirs aux Etats-Unis, dans la seconde partie du XIXème siècle. Intitulée sur l'estrade "Negros for sale at auction", cette vente d'esclaves, plus accablant encore, semble laisser les acheteurs indifférents. Toute la famille était vendue, en lot, telle une marchandise ou bétail. La scène se déroule aux Etats-Unis, dans l'état sudiste de Virginie. A ce propos, il est à noter que le premier fait d'esclavage connu remonte à 1640, année où la Cour de Virginie condamna un homme noir à l'esclavage.  L'abolition de l'esclavage aux Etats-Unis prendra corps avec le treizième amendement à la Constitution des Etats-Unis ; il sera obtenu à la majorité des deux tiers le 18 décembre 1865, quelques mois après l'assassinat du Président Abraham Lincoln, signant ainsi la victoire posthume de ce dernier contre ce et ceux qu'il avait combattus. Quelques mois plus tard, le quatorzième amendement viendra instaurer le droit de vote et l'égalité devant la loi entre noirs et blancs. Pour autant, la Guerre de Sécession, à peine achevée, laissera longtemps l'impression d'un pays coupé en deux avec la réalité sinistre d'une oppression des Noirs qui se poursuivra encore pendant un siècle.   Le Ku Klux Klan, sinistre mouvement raciste criminel sévissant plus particulièrement dans les Etats du Sud des Etats-Unis compte encore aujourd'hui des adeptes. Au dos de la gravure, un article de "The Illustrated London News" daté du 16 février 1861.  Quelques rousseurs sont à signaler.   Vendue sans encadrement. Mon, 19 Apr 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=84Lithographie à la manière noire d'Eugène Carrière représentant un grand portrait magnétique et historiquement très intéressant du peintre Puvis de Chavannes. Peintre lithographe symboliste apprécié et coté, Eugène Carrière invente un art suggestif où le portrait domine et où le clair-obscur révèle l'eau des hommes. Dans ses portraits, tous singuliers, le principe d'incarnation ne se fixe pas ; évanescent, il semble imprimer la toile comme la lumière frappe le daguerréotype, impression picturale audacieuse sur tirage salé du souvenir d'une âme dans ce qu'elle compte de plus brave mais aussi de plus mystérieux. Eugène Carrière a portraituré des artistes ou hommes politiques célèbres tels que Verlaine, Gauguin, Daudet, Clemenceau, Rodin  et donc, Puvis de Chavannes. L'amitié le lia souvent à ces hommes ; il fut d'ailleurs l'ami de Puvis de Chavannes. Son portrait de Paul Verlaine figure au Musée d'Orsay. Ses tableaux sont présents dans les plus grandes collections françaises mais également au sein de bâtiments publics tels que l'Hôtel de Ville de Paris ou la Sorbonne. Cependant, Eugène Carrière est surtout connu pour sa maîtrise de la lithographie. Après 1890, il mit au point une technique qui rendit son oeuvre lithographique particulièrement unique : monochromie, évincement des détails, stylisation et déformation.  En 1896, il confiera à Edmond Goncourt : " Je n'ai su mon métier que depuis la découverte que j'ai faite, que la ligne courbe était le contour de toute chose, et jamais la ligne droite. (..) Ça doit se dessiner avec la ligne ondulante d'une plante... et c'est ainsi que doit être dessinée une femme, un horizon, enfin tout ". En 1898, il fonda une académie qui accueillit Matisse et Derain.   Homme de justice, aux côtés de Georges Clemenceau, il s'engagea en faveur du Capitaine Dreyfus et réalisa en 1897 une affiche pour le lancement de l'Aurore. C'est la même année, en 1897, qu'il grava ce portrait lithographique si prégnant de Puvis de Chavannes. Cette lithographie originale est signée deux fois : dans la planche mais surtout dans la marge au crayon de la main de l'artiste. Ce tirage original de 1897 n'est pas numéroté mais n'en a pas moins de valeur. Présence de rousseurs en marge non dommageables au sujet. Cadre d'origine éventuellement à restaurer. Il existe un exemplaire de cette lithographie au musée national de Tokyo. Humaniste, Eugène Carrière soutint l'émancipation de la femme de la même manière qu'il défendit Dreyfus à la fin d'un siècle qui ne s'y prêtait guère, voyant le " féminisme " régresser. A consulter, le site de la société des Amis d'Eugène Carrière : http://www.eugenecarriere.com/ Thu, 15 Apr 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=83Plaisante gravure anglaise du XIXe siècle intitulée "Fish auction" mettant en scène une vente aux enchères de poissons (la criée) au retour de la pêche. Scène vivante, la foule se presse pour négocier les meilleures prises. On aperçoit une élégante à gauche de la gravure. Plèbe et bourgeoise se mêlaient à l'occasion de cet événement. Le principe en est simple. Le plus offrant emporte le lot de poissons présenté par le crieur. Aujourd'hui les criées existent encore et se tiennent dans des halles aux marées. Cependant, elles ne sont plus autant l'occasion d'un rassemblement populaire ; les crieurs vendent essentiellement aux professionnels mareyeurs. Tue, 13 Apr 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=81Autour d'une cathédrale, la vie s'organise, tour à tour recueillie ou vibrante, saisie sur le vif par le peintre Morel ; ce dernier, dont nous ignorons tout du parcours mais rien du talent qui se rapproche du peintre rouennais et homme politique Antoine-Léon Morel-Fatio, excelle à rendre aux volumes les ombres, aux silhouettes leurs contours, à l'architecture la précision de sa forme, de son dessein social, de ses mille détails qui séduisent le regard et sont utiles aux hommes. Virtuosité du dessin qui trace à la plume et campe pour l'immortalité spectatorale le décor d'une ville mystique et champêtre.   Est-ce à Rouen ? Ou dans le fantasme d'une ville normande que s'exauce le rêve d'une cité encore authentique où les draps pendent aux fenêtres, où la terre battue reverdie n'a pas encore été remplacée par le bitume, où les charrettes sont en bois, les buis sauvages, où les silhouettes d'hommes et de femmes se parent de couleurs en subtils rehauts de gouache.   Technique parfaite, maîtrise du clair-obscur, sensibilité et précision de la touche, rendent résolument envoûtante et vivante l'atmosphère délicieusement surannée de cette ville normande nimbée d'une lumière douce.   Agréable encadrement moderne (marie-louise et baguette en bois dorée) qui rehausse cette très fine aquarelle et plume gouachée.Mon, 12 Apr 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=80Inventé par Gilles-Louis Chrétien en 1786, le principe du physionotrace était simple. Il consistait à projeter l'ombre du profil à dessiner grandeur réelle sur un papier transparent pour ensuite le décalquer fidèlement. Le portrait s'approchait ainsi au plus près de la réalité. Il permettait de fixer la physionomie d'un sujet (d'où le nom de physionotrace, étymologiquement : tracé de la physionomie). Par le biais d'un procédé proche du pantographe, le portrait était ensuite réduit pour être gravé sur une plaque de cuivre à l'eau-forte dans un format miniature. Ce portrait pouvait ainsi être tiré en plusieurs exemplaires (12 et parfois plus) pour une somme raisonnable. Les physionotraces rencontrèrent un très grand succès sous l'Ancien régime, et même au-delà. Ils portaient les noms du dessinateur et du graveur, ainsi que leur adresse.   En l'occurrence, le physionotrace que nous vous proposons comporte les mentions : "  Dess. p. Fouquet. gr. p. Chrétien. inv. du physionotrace Cloître St Honoré à Paris en 1791 ".   Il représente une jeune femme à la complexion agréable issue de l'Aristocratie française ; élégante, à la mode son temps, elle pose de profil comme l'exige la technique du physionotrace.   Voir également : Portrait d'un aristocrate, physionotrace disponible dans notre galerie, qui ne comporte pas de date contrairement à celui-ci daté 1791, année de la Constitution, mais peut aisément être daté par le biais de l'adresse. Chrétien résida Cloître St Honoré jusqu'en 1793.   Ces portraits constituent des documents historiques. Le cabinet des estampes de la Bibliothèque Nationale de France en conserve près de trois mille.   Famille royale, hommes politiques, affairistes, marchands, comédiens, toute la France qui comptait alors fut immortalisée par ce procédé.   Un objet d'art et de collection, donc, à forte dimension historique. Présenté dans un agréable cadre d'époque en bois noirci cerclé d'un jonc en laiton ciselé.Mon, 12 Apr 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=79Inventé par Gilles-Louis Chrétien en 1786, le principe du physionotrace était simple. Il consistait à projeter l'ombre du profil à dessiner grandeur réelle sur un papier transparent pour ensuite le décalquer fidèlement. Le portrait s'approchait ainsi au plus près de la réalité. Il permettait de fixer la physionomie d'un sujet (d'où le nom de physionotrace, étymologiquement : tracé de la physionomie). Par le biais d'un procédé proche du pantographe, le portrait était ensuite réduit pour être gravé sur une plaque de cuivre à l'eau-forte dans un format miniature. Ce portrait pouvait ainsi être tiré en plusieurs exemplaires (12 et parfois plus) pour une somme raisonnable. Les physionotraces rencontrèrent un très grand succès sous l'Ancien régime, et même au-delà. Ils portaient les noms du dessinateur et du graveur, ainsi que leur adresse.   En l'occurrence, le physionotrace que nous vous proposons comporte les mentions : "  Dess. p. Fouquet. gr. p. Chrétien. inv. du physionotrace Cloître St Honoré à Paris ".   Mon, 12 Apr 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=73Numéro double de la revue d'art mythique, Derrière Le Miroir, souvent abrégée par son acronyme DLM. Il s'agit du tirage original de 1961, actuellement épuisé chez l'éditeur et galeriste de renommée internationale, MAEGHT, qui accompagna les artistes les plus marquants du XXe siècle.   Le numéro 125-126 fut édité en avril 1961 lors de l'exposition à la Galerie Maeght de 46 peintures de MIRÓ, contemporaines de l'évènement. Le texte " Dansez montagnes " du poète René Char met en mots l'abstraction onirique et colorée du génie espagnol, Joan MIRÓ.   Ce DLM comporte 28 pages non reliées parmi lesquelles 8 reproductions en impression lithographique en couleurs dont 2 en triple page et 3 en double page. Les deux plats sont illustrés (pleine page) par Miró. L'impression lithographique bénéficie de la qualité d'un papier de création de type Arches/BFK Rives.   Le tirage original de ce numéro particulièrement recherché que nous vous présentons aujourd'hui est habituellement vendu par les Editions MAEGHT au prix de 1500 euros HT. Il est toujours référencé sur le site de l'éditeur mais n'est plus disponible à la vente sur leur site.   Ajoutant à la rareté de ce numéro d'exception, notre exemplaire est en parfait état, et bien sûr, complet de toutes ses planches.   L'année dernière, La Royal Academy of Arts, à Londres, dans le quartier de Picadilly, consacrait une exposition aux artistes phares promus par le fondateur de la revue et galerie, Aimé Maeght : "Miró, Calder, Giacometti, Braque – Aimé Maeght et ses artistes ". Un mur entier était consacré à un accrochage particulièrement réussi des DLM originaux, signe extérieur muséal supplémentaire de l'importance historique de cette revue artistique majeure. Livraison offerte en France Tue, 09 Mar 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=70Abstraction orange, noire et jaune (circa années 50).   La dernière et plus grande des gouaches aquarellées  de Jun Dobashi – Abstraction orange, noire et jaune – repose sur un jeu d'opacité et de transparence s'inspirant fortement, tant de l'art traditionnel de la calligraphie japonaise que du travail de calligraphie coloriste abstraite de Gérard Schneider, peintre majeur du courant artistique de l'Abstraction lyrique.   Emaillés de blanc et de jaune qui en diluent l'opacité (impression accentuée sans doute par le biais d'un travail au pochoir et à l'éponge), deux larges traits noirs à l'encre de chine brossés au rouleau occupent la partie centrale.   L'ensemble compose une calligraphie étincelante qui se détache sur un fond de gouache aquarellée orange vif juste éclairci par quatre " zones de jeu " de couleur jaune sur lesquelles se pose la mystérieuse calligraphie, abstraite, encodée ; un horizon interprétatif ouvert où les traits noirs semblent former un alphabet artistique (O (U) I), une cabalistique de chiffres binaires (0 et 1 prolongés) ; à moins que l'on ne choisisse d'y voir le calligramme inversé d'un cheval en ombre...japonaise.   Présentée dans un encadrement moderne, la signature de l'artiste figure en bas à droite de la composition.   Deux autres ½uvres de Jun Dobashi sont également disponibles : Transparence 1 – Transparence 2. Sun, 21 Feb 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=69Transparence 1 : l'Univers. (Circa 1960). Sur une base de pochoir aquarellé tout en transparence, Jun Dobashi fait émerger d'un univers sombre à l'encre de chine des trouées de gouache blanche épaisse et parfois jaune ou violette, très lumineuses.   La composition est symétrique – deux traits aquarellés bleus se répondent de bas en haut – et toujours en mouvement ; l'articulation de ce mouvement prend sa force à la gauche de l'½uvre du large  vortex ou roue blanche virginale bordée de gouache violette.   Ici, aucun trou noir où s'abîmerait l'espoir d'une vie partagée. L'univers esquissé est infiniment plus optimiste, lumineux, festif, blanc immaculé comme un jour de mariage.   Présentée dans un encadrement moderne, la signature de l'artiste figure en bas à droite de la composition.   Deux autres ½uvres de Jun Dobashi sont également disponibles : Transparence 2 qui fait parfaitement écho à cette oeuvre et Abstraction orange, noire et jaune d'une manière différente. Sun, 21 Feb 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=68Transparence 2 : l'universel (circa 1960).   Au blanc presque marial de Transparence 1 répond le blanc nationaliste du drapeau français.   Reprenant les schèmes structurant de Transparence 1 (roue blanche à la gouache épaisse à la gauche de la composition, source du cinétisme), Transparence 2 joue sur une palette de couleurs plus denses et opaques, et variations interstitielles autant qu'interstellaires.   La symétrie du trait bleu de Transparence 1 se voit  d'emblée déconstruite. Le fond de pochoir aquarellé repose alors sur une couleur neutre, le gris, plus en retrait et à même de préparer le jaillissement.   Car ici ce n'est pas l'univers qui est référent mais l'universel. Le bleu, blanc et rouge de l'Histoire et du drapeau français, l'universalité de la déclaration des droits de l'homme.   L'encre de Chine noire cisèle et restructure en fins traits noirs incisifs l'espace en sous-espaces. L'explosion de couleur se fait vive, le feu d'artifice survient pour le plus grand plaisir du spectateur, comblé.   Présentée dans un encadrement moderne, la signature de l'artiste figure en bas à droite de la composition. Deux autres ½uvres de Jun Dobashi sont également disponibles : Transparence 1,  parfait pendant de cette oeuvre et Abstraction orange, noire et jaune dans un registre différent. Sun, 21 Feb 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=67A contre-courant du sujet de prédilection de Jacques Coquillay, peintre officiel de la marine qui fait suivre sa signature très caractéristique d'une ancre abstraite, la mer dans ce pastel est située au large de toute représentation et sollicite l'imaginaire.   L'absence figurative de l'élément marin est cependant relative. C'est le village de Pino en Corse que Jacques Coquillay a choisi de représenter. Une mer omniprésente dans l'univers paysager corse et plus encore sur le Cap Corse ; rares sont les sites du Cap Corse où la mer demeure  invisible.   Ici, dans l'horizon de l'½uvre, la mer se confond avec le ciel à l'arrière du village entre un pan de " Sainte Victoire " corse et un bout de maquis.   L'usage du pastel est en revanche constitutif de l'½uvre peinte de Jacques Coquillay, sculpteur par ailleurs.   Il a fait sienne cette technique au point d'y consacrer exclusivement son ½uvre picturale.   Jacques Coquillay parvient à insuffler la finesse de la gouache à ses pastels.   Les pigments diffusent leurs couleurs et saveurs les uns aux autres coloriant et densifiant forêt et maquis d'où émerge un village immaculé irradiant de rehauts de pastel pur, blanc comme une percée cycladique. La touffeur de la forêt se fait légère et lumière. La chaleur est ressentie comme douce, paisible. On devine la forêt sise à l'orée du village giboyeuse et sereine.   Une composition remarquable d'équilibre. C'est en somme un hâvre entre mer et montagne où Jacques Coquillay nous invite à poser notre regard avant, peut-être, que d'y poser nos valises. Pastel situé et signé de la main du peintre agréablement rehaussé par un encadrement moderne. Tue, 16 Feb 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=66Huile sur cuivre intitulée en lettres d'or, dont certaines partiellement effacées, " Sta -(Santa)- Catarina de Siena ".   Très probablement imputable à un artiste de l'Europe méridionale (Italie, Espagne ou Portugal) ; l'attribution à une école précise est difficile. L'annotation écrite en langue portugaise - à moins qu'il ne s'agisse d'une erreur de graphie (" de " à la place de " da ") - tendrait à étayer l'attribution à une école portugaise mais l'hypothèse d'une école siennoise demeure possible. Par ailleurs, en langue castillane, Catherine se dit Catalina et non Catarina, cependant cette lettre – plus vraisemblablement un R- est partiellement effacée.   Cette oeuvre serait probablement contemporaine de la canonisation de Catherine de Sienne (1461). Circa fin XVe – début XVIe.   Très grande finesse d'exécution, travail de transparence du voile et des tons chairs, le visage au bel ovale est rehaussé d'incarnat, délicatesse des mains, pureté du rouge, expressivité douce de  Sainte Catherine de Sienne dans une attitude recueillie.   Le style semble emprunter la simplicité de sa composition (absence d'arrière-plan, prépondérance et simplicité constructive du premier plan) aux icônes bizantines (portrait hagiographique centré sur le saint) tandis que la finesse et lumière du visage évoque l'école de Sienne, et ce, alors que le traitement fortement contrasté est plus caractéristique des écoles espagnole, portugaise et hollandaise.   Cette ½uvre reprend les attributs hagiographiques et codes représentatifs de Sainte Catherine de Sienne.   Tout d'abord le manteau noir et la robe blanche qui composent l'habit de domicaine (ordre de Sainte Catherine), puis le nimbe. Et la tige de lys (partiellement effacée) qui révèle sa virginité.   L'épisode ici transposé est celui où Catherine de Sienne échange son c½ur avec le Christ. Ses mains portent des stigmates et serrent un c½ur d'où jaillit le Christ sur la croix - croix remplacée par une tige de lys. L'artiste ne s'est pas contenté de suggérer le c½ur par son emplacement (une bible serrée contre le c½ur) ;  il l'a représenté littéralement, ce qui est plus rare. Il a par contre écarté l'attribut symbolique du crâne dont l'usage s'intensifiera probablement à l'âge baroque.   L'½uvre est à rapprocher de par son iconographie de l'½uvre de Giovanni di Paolo di Grazia également nommé Giovanni dal Poggio (Sienne, 1399 ou 1403 - Sienne, 1482), "Sainte Catherine échange son c½ur avec le Christ" circa 1475, 29x23 cm, appartenant aujourd'hui à une collection privée. Outre son sujet, cette oeuvre présente une similarité forte avec l'huile sur cuivre "Santa Catarina de Siena" ; le coeur n'est pas seulement évoqué de manière métonymique par son emplacement, sa représentation  est objectale.   Giovanni di Paolo est considéré comme l'un des peintres parmi les plus importants du Quattrocento siennois. Son talent de miniaturiste ajoute à ses chefs-d'oeuvre d'art sacré un travail spectaculaire d'enluminures, notamment celles de la Divine Comédie de Dante. Il était âgé de plus de 60 ans lorsqu'il réalisa, à la demande de l'Hôpital de Sienne, dix scènes de la Vie de sainte Catherine. Cette commande intervint au moment de la canonisation non sans controverses de la sainte par le pape Pie II, également d'origine siennoise.   Giovanni di Paolo fut encore en mesure de recueillir des témoignages de proches de Catherine de Sienne. Ses représentations furent ainsi réalistes.   Parmi ses scènes illustrant la vie de Catherine de Sienne aux couleurs plus nombreuses et plus vives, aux physionomies ligneuses, aux décors et plans plus complexes et stratifiés que l'½uvre proposée ici, Giovanni di Paolo fit le récit pictural de Catherine demandant au Christ de lui donner un nouveau c½ur pur. Les v½ux de Catherine furent exaucés quelques jours plus tard. En extase, lévitant, le coeur de Catherine sortit de son corps pour entrer dans le corps du Christ et ne faire qu'un avec lui.   L'artiste de l'½uvre proposée ici, auteur d'une représentation d'une belle transparence dans le traité iconographiquement proche de cette Vie de Sainte Catherine, a peut-être été un contemporain de Giovanni di Paolo, ou s'en est inspiré fortement. Mon, 15 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=65Alpinisme ludique.   Rare jeu de société prenant pour thème l'alpinisme, datant des années 1900. L'ascension du Mont-Blanc passait encore pour un exploit semé de ressacs et de dangers alpins.   En parfait état et complet, il comporte son mode d'emploi.   L'ensemble forme un jeu de l'oie très pittoresque et aventureux ; un témoignage historique ludique agrémenté de cases en noir et blanc finement gravées enfermant chacune une scène renvoyant à l'histoire et environnement du Mont-Blanc et de sa conquête.   Se joue à plusieurs avec un dé (non fourni) .   Rendez-vous à l'Hôtel de l'Ours d'Or, et que les plus joueurs osent partir à l'assaut du Mont-Blanc ! Mon, 15 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=64Etude d'un mascaron de la collection Campana représentant un retour de chéneau (confère annotation) attribuée à une École française.   Belle finesse du trait qui sait capter l'intensité de la figure sourcilleuse (Poséidon ?) tout en conservant l'équilibre et la délicatesse du décor végétal.   La collection Campana fut considérée comme la plus importante collection privée du XIXe siècle. Après sa dispersion, elle fut en grande partie acquise par Napoléon III  en 1861   Composée de chefs d'½uvre de l'art italien mais avant tout d'une considérable collection d'antiquités (grecques, étrusques...), la collection du marquis Giampietro Campana, directeur du mont-de-piété de Rome, fut saisie sur l'injonction de l'Etat pontifical en 1857. Le marquis  fut emprisonné et jugé pour malversations, - il abusait de sa position pour acquérir de nouvelles pièces ou financer des fouilles, sur le site étrusque de Caéré, notamment.   L'Etat pontifical mettra alors en vente sa collection. Napoléon III put en acquérir la majeure partie, le restant se dispersant entre la Grande-Bretagne, la Russie et la Belgique.   L'acquisition de la collection Campana vint principalement enrichir le fonds du Louvre.   Peut-être l'artiste à l'origine de cette étude était-il contemporain de Napoléon III et put-il admirer l'enrichissement du fonds antique des collections du Louvre. Datation probable fin XIXe.   Dessin à la mine de plomb dans un agréable encadrement moderne. Sun, 14 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=63L'automne ou Bacchus fermant les yeux, le front plissé par la colère ou l'accablement. Un dessin signé par Guéry d'après Auguste Rodin, circa 1878-1937.   Il s'agit de l'un des mascarons réalisés par Auguste Rodin pour la Fontaine du Trocadéro. Cette fontaine fut édifiée en 1878 à l'occasion de l'exposition universelle.   C'est l'architecte et collaborateur du baron Haussmann, Gabriel Jean Antoine Davioud (Paris, 30 octobre 1824 - Paris, 6 avril 1881), qui commanda ces mascarons à Rodin.   Le palais du Trocadéro d'inspiration mauresque et néo-byzantine fut détruit l'année de l'exposition universelle de 1937 pour être remplacé par le Palais de Chaillot. Les décors de la fontaine de l'ancien palais du Trocadéro furent alors déplacés sur le site du parc de Sceaux venant agrémenter la nouvelle cascade du domaine de Sceaux construite par l'architecte Léon Azema à qui l'on doit le Palais de Chaillot. Les sept mascarons des fontaines du Trocadéro sculptés par Rodin y sont toujours conservés.   Si les originaux de Rodin peuvent être aujourd'hui admirés dans le décor de la cascade du Parc de Sceaux, des moulages figurent également dans les collections du Musée des arts décoratifs et du Louvre.   Nous savons que deux de ces mascarons s'intitulaient " le beau temps " et " le mauvais temps ".   La datation de ces dessins signés J. Guéry demeure imprécise (entre 1878 et 1937) car nous ignorons la biographie de cet artiste et ne sommes pas en mesure de déterminer si ces dessins ont été exécutés d'après la fontaine disparue du Trocadéro ou si l'exécution de ces dessins est concomitante de la création de Rodin (dans l'hypothèse où Guéry eût été un familier de Rodin et qu'il eût participé à l'imagination des décors de cette fontaine).   Le papier, la technique, la calligraphie et la nature même de l'annotation qui se réfère à la cascade du Trocadéro (et non à l'ancienne cascade) et non à la cascade du parc de Sceaux écarte toute datation postérieure. Voir également le pendant de ce dessin "Faune ricanant à décor de coquillages" également disponible à la vente.   Fiat lux sed aqua. Un mystère restera sur cette oeuvre dessinée convaincante qui rend hommage à la veine antique et fantastique du grand sculpteur mais quoi qu'il en soit, l'eau, peu soucieuse de ces débats, continuera à jaillir des mascarons en bronze stupéfiants d'Auguste Rodin. Sun, 14 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=62Faune ricanant à décor de coquillages. Un dessin signé par Guéry d'après Auguste Rodin, circa 1878-1937.   Il s'agit de l'un des mascarons réalisés par Auguste Rodin pour la Fontaine du Trocadéro. Cette fontaine fut édifiée en 1878 à l'occasion de l'exposition universelle.   C'est l'architecte et collaborateur du baron Haussmann, Gabriel Jean Antoine Davioud (Paris, 30 octobre 1824 - Paris, 6 avril 1881), qui commanda ces mascarons à Rodin.   Le palais du Trocadéro d'inspiration mauresque et néo-byzantine fut détruit l'année de l'exposition universelle de 1937 pour être remplacé par le Palais de Chaillot. Les décors de la fontaine de l'ancien palais du Trocadéro furent alors déplacés sur le site du parc de Sceaux venant agrémenter la nouvelle cascade du domaine de Sceaux construite par l'architecte Léon Azema à qui l'on doit le Palais de Chaillot. Les sept mascarons des fontaines du Trocadéro sculptés par Rodin y sont toujours conservés.   Si les originaux de Rodin peuvent être aujourd'hui admirés dans le décor de la cascade du Parc de Sceaux, des moulages figurent également dans les collections du Musée des arts décoratifs et du Louvre.   Nous savons que deux de ces mascarons s'intitulaient " le beau temps " et " le mauvais temps ".   La datation de ces dessins signés J. Guéry demeure imprécise (entre 1878 et 1937) car nous ignorons la biographie de cet artiste et ne sommes pas en mesure de déterminer si ces dessins ont été exécutés d'après la fontaine disparue du Trocadéro ou si l'exécution de ces dessins est concomitante de la création de Rodin (dans l'hypothèse où Guéry eût été un familier de Rodin et qu'il eût participé à l'imagination des décors de cette fontaine).   Le papier, la technique, la calligraphie et la nature même de l'annotation qui se réfère à la cascade du Trocadéro (et non à l'ancienne cascade) et non à la cascade du parc de Sceaux écarte toute datation postérieure. Voir également le pendant de ce dessin "Bacchus fermant les yeux" également disponible à la vente.   Fiat lux sed aqua. Un mystère restera sur cette oeuvre dessinée convaincante qui rend hommage à la veine antique et fantastique du grand sculpteur mais quoi qu'il en soit, l'eau, peu soucieuse de ces débats, continuera à jaillir des mascarons en bronze stupéfiants d'Auguste Rodin. Sun, 14 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=61Zincographie originale, réalisée d'après une ½uvre d'Antoine Louis BARYE, vers 1870, par Firmin GILLOT.   Cette épreuve est contresignée au crayon de la main de BARYE lui-même. Signature manuscrite au crayon centrée en haut dans la planche en partie cachée par la marie-louise.   La signature du graveur apparaît elle, imprimée, dans la planche, suivie de la mention " 2e – semble-t-il- " état ".   Belle qualité d'encrage quoique moins présent que dans les épreuves lion qui marche et tigre qui marche. Les chiffres reportés en marge indiquent probablement la réduction opérée par rapport au sujet référent, en l'occurrence une statuaire particulièrement riche présentant un groupe composé d'un lion, d'un cavalier et de sa monture.   Une scène orientaliste de cynégétique sauvage où l'impavidité du chasseur est exaltée tandis que le cheval rue sous l'ultime assaut du fauve terrassé. A la détermination du cavalier oriental (exprimée par la fermeté de ses traits, la tension de ses muscles et la précision de son bras armé de la lance) répond l'agitation des bêtes. Dos à terre, agonisant, le lion transpercé par la lance ne veut pas renoncer. Sur le visage de l'homme ne transparaît aucune émotion ni de victoire ni de haine. La scène est cruelle mais sans complaisance.   Fidèle à la statuaire en bronze préexistant (Cavalier arabe tuant un lion, modèle non daté, première édition circa 1860, édité pendant quinze ans environ, référence F.15 du catalogue raisonné des sculptures de Barye par Michel Poletti et Alain Richarme), le lion ne gît pas sur la terre brute, toute la scène repose sur un socle circulaire signant peut-être la reddition de la nature face à la civilisation ; trahissant déjà le goût du XIXe siècle pour la domestication de la nature sauvage sans cesser d'être fascinée par elle.   L'encadrement moderne rehaussement plaisamment cette épreuve expressive. Sat, 13 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=60Ancien peson en bronze servant à peser l'opium ou l'or. Ce petit peson représente un Hamsa (oie), animal mythique faisant référence à Brahma, le Dieu créateur de l'Hindouisme. Il provient du Triangle d'or : Birmanie (ou Myanmar) / Thaïlande / Laos. Sat, 13 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=59Ce portrait à l'aquarelle d'une gitane napolitaine est d'une grande finesse. Les couleurs sont fraîches et vives, le sourire du modèle épanoui, le trait précis. C'est incontestablement le travail d'un artiste talentueux. Située à Naples (l'emploi de la graphie italienne "Napoli" conforte l'attribution à un artiste italien), le travail, le sujet et l'usage de l'aquarelle évoquent le peintre Giovanni Giordano Lanza (1827-1889). Très probablement de la toute fin du XIXe siècle, oeuvre d'atelier de Giovanni Lanza ou d'un suiveur, cette aquarelle est signée (G. Lanza ?) et titrée Napoli. Elle est également annotée en bas de la planche. Artiste coté, nous n'engageons pas d'attribution formelle à Giovanni Lanza et le prix modeste en tient compte. Très plaisante aquarelle attribuée à une école italienne, probablement napolitaine. Vendue sans encadrement. Fri, 12 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=58Très rare dessin ancien répondant au genre de la nature morte, et plus spécifiquement à celui de la Vanité.   Sa rareté est mise en relief par le cumul de deux occurrences. La faible production, voire disparition du genre de la Vanité au XVIIIe siècle ; et enfin, l'importance de l'attribution qui lui fut d'abord délivrée. Une ancienne trace d'attribution à Antoine Coypel figure au dos du dessin – il s'agit de l'un des plus brillants artistes du siècle des Lumières. Directeur de l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture sous Louis XIV, nous lui devons notamment le plafond de la Chapelle de Versailles.   Le genre de la vanité, bien qu'apparu avant, a connu son climax, son apogée artistique au XVIIe siècle, et tout particulièrement à l'âge baroque.   Genre très codifié mais dont l'interprétation allégorique se démêle généralement aisément, il a inspiré les plus grands maîtres du Caravage à Cézanne, et plus récemment, Damien Hirst.   Ici, c'est la vanité du savoir qui est mise en exergue. Le crâne humain, topos incontournable de ce genre pictural, est posé en partie édenté sur un livre (religieux, philosophique ?) à cinq nerfs. La place et le sens que l'on apporte à l'acquisition du savoir sont ainsi interrogés.   Autre particularité découlant de sa datation. Il s'agit d'une sanguine rehaussée à la pierre noire. Cette technique de la sanguine déjà employée à la Renaissance a cependant triomphé au XVIIIe siècle ; elle s'est le plus souvent appliquée à la représentation de nus académiques en raison de sa capacité à rendre avec vivacité les volumes et le modelé d'un sujet mais a été tout autant employée dans des planches très représentatives du XVIIIe, peuplées de putti et de figures galantes.   Le dessin, et, encore plus spécifiquement la sanguine, ne sont pas les médiums les plus exploités par le genre des Vanités.   Cette vanité que nous vous présentons ici est d'une exécution parfaite. Les proportions sont harmonieuses, les ombres délicates et l'entablement sur lequel repose le livre soutenant le crâne dessinés à la pierre noire ; tandis que le crâne, jadis siège de la réflexion et conscience d'un homme, semble reprendre vie sous le tracé ferrique de la sanguine.   Autre paradoxe. A rebours du libertinage des corps du XVIIIe, l'artiste semble avoir voulu renouer avec un certain jansénisme du siècle passé pour s'astreindre à un exercice spartiate et resserré. Afin de conforter cette austérité choisie, pascalienne, il recourt à la technique du dessin lorsque c'est l'huile qui le plus souvent prévaut dans ce genre sans renoncer à la sanguine si caractéristique de son siècle. La mise en scène est alors réduite à son expression la plus nécessaire. Aucun décorum ne vient distraire du propos moraliste sous-tendant ce genre (memento mori) comme de l'exécution parfaitement maîtrisée.   Le choix subtil d'un papier beige ivoiré (à noter sur celui-ci quelques traces de rousseurs dues au temps) dispense en creux au dessin la lumière généralement accentuée par des rehauts à la craie blanche.   Le spectaculaire naît dans ce dessin de la perfection de son ascétisme, de sa capacité à occuper la scène par le biais de deux objets inanimés tenus par le seul choix d'une technique académique et par la qualité éblouissante de sa réalisation artistique.   Dessin remarquablement mis en perspective par une marie-louise rouge-brun à bordure dorée dans un très beau cadre ancien en bois sculpté postérieur à l'½uvre (XIXe). Dessin encadré sous verre.   Le musée Maillol a consacré une exposition thématique "  C'est la vie ! Vanités – de Caravage à Damien Hirst " - à ce genre implacable, souvent spectaculaire, rarement aussi recentré, se prêtant si bien à la transversalité et dialogue des cultures. Livraison offerte à Paris Thu, 11 Feb 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=57Une ½uvre très représentative du travail de Sonia Terk-Delaunay, artiste majeure de l'Abstraction et des différents mouvements picturaux qui virent le jour au XXe siècle ; qu'elle les ait embrassés, cofondés ou profondément nourris.   Cette fine gouache signée de la main de l'artiste repose sur la figure du cercle concentrique (une occurrence fréquente dans l'½uvre de Sonia Delaunay) et sur celle du disque décomposé en des formes secondes imbriquées.   Une ½uvre qui nous est parvenue sans indication de titre natif – le titre est donc rapporté - et qui reprend un motif présent dans Prismes électriques, une huile de très grand format datant de 1914 exposée aujourd'hui au Centre Pompidou, souvent considérée comme le chef-d'½uvre de Sonia Delaunay. ¼uvre également proche du célèbre Hommage à Blériot de Robert Delaunay exposé la même année que Prismes électriques au Salon des Indépendants.   La décomposition du disque " solaire simultané " - selon la terminologie de Robert Delaunay dans la toile " Hommage à Blériot " - en plusieurs rayons ainsi que l'imbrication de plusieurs cercles de couleurs et donc de faisceaux lumineux, créent le rythme, le cinétisme.   Sonia Delaunay a souvent eu recours aux couleurs primaires (rouge, jaune, bleu), inaltérées. Néanmoins, dans cette gouache, sa palette plus riche, les excède.  Sept cercles entourent " la lune " ou " pupille ", soit le disque divisé au centre de la gouache en quatre quartiers.   Dans l'univers pictural de Sonia Delaunay, la couleur est à même de créer une architecture aussi concrète que complexe ; à moins que ce ne soit notre difficulté à percevoir le juste prisme de la lumière qui ne soit à l'origine de cette complexité.   Ici, si le cercle dans son unicité fait d'abord illusion, la complexité géométrique est évidente.   Un premier cercle bleu ciel auquel succède le cercle brun de la terre éclaboussé d'outremer (le seul cercle où les couleurs se confondent).   Si les premiers cercles sont continus, les cercles suivants sont difractés, segmentés par la couleur - rappelant que la couleur créant la forme peut tout aussi bien la disjoindre ou la briser.   Le segment rouge qui se répond à lui-même. Les segments dissymétriques de vert pomme et de mousse. Le rose parallèle. Le gris clair ou foncé. La terre à nouveau, le bleu pur, le noir et l'ocre.   Allégorie  métaphysique du temps qui passe (entre deux rayons lumineux si l'on s'en tient à l'allégorie scientifique), l'on discerne par deux fois deux sabliers imbriqués à l'horizontal et à la vertical de la gouache dans sa globalité -l'½il- comme à l'échelle du disque -la pupille- figurant en son centre.   L'abstraction délivrée de la sujétion de l'objet référent élargit le champ interprétatif.   A quel rythme circulaire Sonia Delaunay nous enchaîne-t-elle avec une palette élargie aux couleurs secondaires ou tertiaires, et donc altérées. S'agit-il de la roue du paon ? D'une illusion vertigineuse ou d'un vertige esthétique ?   Ou plus implacablement, le cercle infini de la souffrance humaine -  la roue de la vie qui s'incarne dans les philosophies et religions orientales - mais aussi le samsara des plaisirs colorés.   Et enfin, le postulat énoncé par les impressionnistes, appuyé par les fauvistes, épuré et réaffirmé sans la matérialité figurative par le couple Delaunay avec plus de souverainisme. La perception comme principe même de conscience. Je perçois (la lumière dans toutes les nuances de son prisme), donc je suis. L'allégorie  de l'½il s'impose alors.   La couleur comme manifeste esthétique est ici vibrante autant qu'apaisée, entièrement enclose dans la figure parfaite du cercle. Projection de l'immanence esthétique.   ¼il au prisme de couleurs pures rarement altérées, chacune demeurant dans son cercle, dans son espace géométrique et vital, comme l'on astreint à la métrique parfaite d'une valse pour mieux toucher à l'absolu.   Un concerto ouvert à l'infini.   L'½uvre de Sonia Delaunay que nous vous proposons est présentée dans un encadrement moderne qui, sobre, la rehausse agréablement. Infimes rousseurs sans gravité en marge de la gouache. En 2002 à Paris, "Marché au Minho", une oeuvre de Sonia Delaunay créée en 1915, a atteint 4 100 000 euros. Photo © Pierre Mendelssohn Livraison offerte à Paris Sun, 31 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=56Vierge à l'enfant abyssal ou créature imaginaire à l'origine du monde ? Trait bleu épuré qui se complexifie en son c½ur. Forme aussi elliptique qu'ellipsoïdale. Couleurs froides réchauffées par le souffle incident d'une rosée vermeille. Figuration religieuse ou profane d'une mère qui se penche pour bercer son enfant ? L'art ne vit que lorsqu'il questionne. Sylvain Bissonnier quitte les sujets habituellement plus séculiers et libertins de ses encres pour explorer un art sacré en suspens dans la clausule du genre abstrait. Cet art sacré auquel tous les maîtres se sont confrontés ; cette mythographie religieuse qui nourrit tant de dialogues et de courants, de narrativités raphaéliques, caravagesques ou romantiques. Alfred Manessier, très grand peintre abstrait mystique de la nouvelle Ecole de Paris, avait déjà su exprimer l'alchimie évidente entre l'art sacré et l'abstraction.     Wed, 27 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=55" Amor pazzo ", l'amour fou, ou Cupidon pris à son propre piège. Sublime gouache signée de Michelangelo Maestri d'après Giulo Romano, intitulée " Amor Pazzo ", faisant pendant à Amor veloce. Datée également de 1812 et située à Rome, elle est issue de la fameuse série des neuf gouaches inspirées par les fresques de la Villa Lante peintes par Giulio Romano. L'une et l'autre empruntent, en outre, le motif allégorique du char de Cupidon et de son bestiaire fantastique à des fresques antiques décorant les maisons patriciennes de Pompéï et Herculanum. Si la mise en scène répond à une même recherche de théâtralité : fond uni noir d'où émergent les personnages ainsi que le sol qui les supporte tel un fragment de terre pris au diable, Hephaïstos ou Hadès ; on note cependant des dissemblances. Le char dans son décorum est simplifié. Le personnage de Cupidon y apparaît plus jeune, plus semblable aux putti du XVIIIe, son attitude est différente de celle de l'aurige d' " Amor veloce ", à la fois amusée et concentrée.  Il ne tourne pas son visage vers le ciel comme dans " Amor veloce " mais en direction de son attelage. Symbolique d'une quête de plaisirs terrestres et incarnés, les bêtes qu'il entraîne ne doivent pas au bestiaire cynégétique mais au bestiaire agricole. Deux chèvres sauvages et cornues (des mouflons peut-être) arborent un pelage soyeux blanc immaculé qui réfléchit la lumière céleste du dieu qui les mène. Dans cette symbolique contrapuntique de la pureté, le rouge pourpre, symbolisant la passion, qui colore les attaches reliant l'aurige à ses montures, constitue la seule controversion aux réhauts raffinés de blanc et nacre lumineux de Maestri. Les brides dans Amor veloce sont d'un rouge moins intense. Ce qui fait sens. " Amor pazzo " signifiant amour fou en italien. L'opiniâtreté amoureuse serait alors allégorisée par l'animal caprin à la réputation d'animal difficile, obstiné, buté. C'est l'un des états de Cupidon, l'un des états de l'amour ( la passion, l'obstination, la fougue, peut-être même l'intempérance) qui est représenté ici. Curieusement dans cette scène, l'on ne parvient pas à savoir qui est le maître de l'autre. Qui contrôle le char, de la bête qui se cabre ou du dieu romain ? Le dieu de l'amour est peut-être tombé dans les rêts de l'émotion qu'habituellement il prodigue. L'oeuvre est présentée dans un très bel encadrement d'époque, cadre doré et marie-louise en papier velours, répondant à celui d'Amor Veloce.  Photo © Pierre Mendelssohn Livraison offerte à Paris Tue, 19 Jan 2010 08:00:00 +0100Arts graphiqueshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=54Allégorie de la luxure étonnamment économe dans la palette utilisée. A rebours de son sujet, Sylvain Bissonnier choisit des couleurs sobres, le noir et le bleu, et par touches infimes, la lie du raisin. Et par-là-même réhabilite peut-être - ce qu'étaierait la manière contrapuntique - la figure controversée de Marie-Madeleine. Rare oeuvre de format horizontal dans sa production graphique. Sun, 17 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=53 Volume liminaire sur les neuf que compte cette édition rare. Le plus considérable également. Il s'agit de la Genèse.  Superbe reliure en très bon état que l'on doit aux descendants du plus grand éditeur de l'histoire anversoise, Christophe Plantin.  Nous vous présentons le premier volume de la Biblia sacra de 1629 éditée par l'Officina Plantiniana sur les neuf que comptait initialement cette édition cotée à 10 000 euros lorsque l'ensemble est complet. Rare.  In-16 en plein maroquin rouge, dos à tête dorée, filets et fleurons dorés, pièce de titre en maroquin rouge.  Plats richement décorés dans un état proche de la perfection (tache anodine en haut du premier plat se traduisant par un brunissement épars du maroquin), fleurons dorés surmontant un encadrement de trois filets dorés, eux-mêmes encadrés par trois autres filets dorés. Toutes tranches dorés à l'or.  A signaler un mors légèrement fendu en haut du premier plat et infimement en bas du second. Coiffes globalement en bon état, coins faiblement émoussés.  Ex. libris illustré au nom de son possesseur " A. Brat " sur la première page de garde ; et deuxième ex-libris (G. Chabrol), cette fois manuscrit à la plume, en regard de la page de titre et frontispice gravé ".  Trace d'écriture sur cette même page de titre dans les marges sans nuisance. Très peu de rousseurs, légère mouillure sans incidence sur les pages non imprimées précédant les pages de garde finales. Exemplaire dans un état exceptionnel. Le frontispice est richement décoré, l'encrage présent. Chaque chapitre s'ouvre par une lettrine décorée.  Cette Biblia Sacra de 1629 a été imprimée par la célèbre imprimerie anversoise Officina Plantiniana fondée en 1555 par Christophe Plantin, relieur et imprimeur de renom des anciens Pays-bas espagnols. Imprimerie qui marquera l'histoire de l'édition européenne et qui sera reprise par ses descendants les Moretus à sa mort en 1589. Une provenance des plus prestigieuses. " L'Officina Plantiniana est considérée comme l'entreprise d'édition et d'imprimerie la plus importante qui ait jamais été établie en Belgique. " - Source Unesco. Les archives de l'Officina Plantiniana figurent depuis 2001 au patrimoine de l'Unesco. Livraison offerte en France Thu, 14 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=52Zincographie originale, réalisée d'après une ½uvre d'Antoine Louis BARYE, par Firmin GILLOT. Reprend la sculpture A70, Tigre qui marche, éditée pour la première fois en 1841, oeuvre qui suit Tigre qui marche (modèle de jeunesse) édition 1825-1830 et précède Tigre marchant édité pour la première fois en 1874. Cette oeuvre fait pendant à Lion qui marche en vente dans notre galerie.   Particularité qui la rend rare, cette épreuve est contresignée de la main de BARYE lui-même. Signature manuscrite au crayon centrée en haut dans la planche.   Les mentions de l'auteur et du graveur n'ont en revanche pas été reportées dans la planche.   Il s'agit très probablement une épreuve d'état (annotation en haut à gauche) ou avant-lettre, ce qui accroît sa rareté.   Par ailleurs, si l'épreuve a bien été gravée par Firmin Gillot (1820-1872) avec la participation de Barye, il ne s'agit pas d'un gillotage ou panicographie, procédé de photogravure créé en 1850 par le même Firmin Gillot.   Précisons que la zincographie est un procédé analogue à la lithographie, dans lequel la pierre lithographique est remplacée par le zinc.   La qualité de cette épreuve est incontestable.   Bel encrage qui permet de saisir la richesse du dessin original de Barye, et d'apprécier la force féline de ce tigre en marche.   Sa musculature, la force qui en émane, n'ont rien à envier au " Lion qui marche " présenté par ailleurs. Au premier regard, nous pouvions penser à une lionne particulièrement imposante de retour de la chasse.   Car la pose est identique. Presque académique. La gueule légèrement ouverte, l'½il aux aguets, le tigre est aussi massif que le lion. Cependant, plus " affûté ", il en en ressort in fine plus inquiétant et impressionnant que le lion précité. Le propos naturaliste coexistant avec le dessein souvent romantique, Barye, par le mimétisme de sa composition, introduit une rivalité qui n'a pas lieu d'être dans les biotopes respectifs de ces deux fauves.   ¼uvre faisant pendant à "Lion qui marche", également disponible dans notre galerie, présentée dans un encadrement moderne de qualité. Livraison offerte à Paris Thu, 14 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=51Porte dérobée sur l'inconscient et l'âme des hommes, personnage récurrent aussi étrange qu'attachant de l'oeuvre sculptée de Sylvain Bissonnier, cette créature cyclopéenne réalisée en fil de fer, latex, et oeil de poupée traduit parfaitement la recherche et singularité de ce jeune artiste. Personnage issu d'une statuaire multiple, aucun Dérobé ne ressemble tout à fait à un autre, chaque pièce est unique. Plusieurs Dérobés sont disponibles dans notre galerie. Wed, 13 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=50Corps à corps amoureux, danse ou fratricide ? Datée de 2009, cette technique mixte de grand format aux couleurs pétulantes mêle les pigments "exogènes" de l'encre biologique (issue du raisin notamment) et de l'acrylique qui fixe sa consistance. Wed, 13 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=49"L'origine du monde" de Gustave Courbet réinterprétée dans une gamme fauviste épurée. Le talent de Pascin sans l'outrance satirique ni la mise en abyme des moeurs du Paris de l'Entre-deux guerres. Une encre à la pétulance insolente. Présentée dans une marie-louise contourée noire confectionnée par l'artiste. Wed, 13 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=48Encre n°17 de Sylvain Bissonnier créée en 2008. Grand format emblématique de son travail. Délaissant les nus académiques, il restitue dans sa vivacité le point de rupture de la matière. L'encre apparaît jetée, le corps dé-contouré, en son socle pédestre, liquide. Wed, 13 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=47Ensemble de quatre eaux-fortes du peintre et aquafortiste autrichien, Franz Edmund WEIROTTER , présentées dans un même encadrement ; le style et l'inspiration évoquent son pair italien, Giovanni Battista Piranesi, dont il est contemporain.   Dernière estampe signée dans la planche par Weirotter, aucune mention d'un dessin d'après un artiste autre que lui-même. Encrage sublime. Très belles épreuves avant-lettre. Tirages d'époque XVIIIe.   Pas de rousseurs. Etat de conservation exceptionnel dans un encadrement qui ne dépare pas (très jolie baguette dorée moderne).   Ces quatre estampes expriment toute la quintessence de l'eau-forte pré-romantique. La nature prédominante qui ravale l'homme au rôle de figurant, le goût des ruines qui en rappelle la force. Mais des ruines antiques pour commémorer l'excellence (architecturale) des civilisations anciennes et gréco-romaines.   Le spectateur de l'½uvre de Weirotter ne peut être que frappé d'admiration par l'infinie richesse de ses estampes. Quatre estampes au format miniature d'une précision étourdissante. Une scène religieuse médiévale se laisse même discerner au fronton d'un temple en ruines submergé par les eaux.   L'importance du port comme motif pictural emprunte à Vernet. Dans une seule de ces eaux-fortes le thème aqueux sera esquivé. Et ce traité si spécifique à l'aquafortiste Weirotter de silhouettes humaines tantôt esquissées mais pleines, hédonistes, des marins, des paysannes qui mieux que les autres ont appris à rester à leur place dans le macrocosme qui mène les civilisations les plus brillantes à leur ruine, et cependant avec leur concours.   Ou, encore, plus dessinés, comme dans les toiles de Vernet, l'on retrouve les pêcheurs qui palabrent en bord de rivière, ici assis sur les ruines.   Quel que soit le degré d'esquisse, chaque métier, fonction se devine. Weirotter mêle les influences mais conserve le même décor et décorum italien baigné de lumière et d'histoire qui envoûte l'Europe entière de ses contemporains.   Le Musée du Louvre possède plusieurs dessins de Weirotter dont le superbe dessin à l'encre et pierre noire, Maisons et Chemin, qui affirme sous la facture académique rehaussée d'un lyrisme réenchanteur une personnalité indéniable. Wed, 13 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=46Subtil lavis d'encre brune situé à Florence, porte San Frediano, et daté par l'artiste tout aussi précisément, le 14 juillet 1819. Non signé. Cette charmante scène de genre finement exécutée saisit avec virtuosité le pittoresque de l'attelage. Le drap abandonné par le maître de l'âne. Le dessin détaillé à la plume de la charrue, des lanières, des brides, les reflets sur le pelage de l'âne au repos par le jeu du lavis.   L'annotation manuscrite dans le dessin emploie la même encre brune ; elle est en français ce qui suggère que son brillant exécutant pouvait l'être également. En revanche, figure en dessous, sur le papier qui supporte le dessin contrecollé, une annotation en italien : "un baroccio", qui signifie charrue, attelage. Elle semble de la même main, ce qui écarterait l'annotation d'un collectionneur.   L'artiste voulait-il signifier par ce biais son attachement à ce pays et à cette langue, ou ses origines mêlaient-elles les deux langues et patries ? Au XIXe siècle, l'Italie exerce un attrait certain sur les peintres français mais aussi de toute l'Europe.   Le sujet animalier, son traitement, n'est pas sans rappeler l'½uvre graphique de Paul Huet (1803-1869) et cependant le précède.   Une scène agricole attachante très loin de la métropole artistique d'aujourd'hui.   Présenté dans un bel encadrement moderne, avec une baguette en loupe d'acajou qui répond aux tonalités brunes du dessin.Wed, 13 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=45Montre d'homme à clé en argent (une aiguille manquante, clé manquante). Cadran émaillé à chiffres romains (cheveu). Boîtier en argent poinçonné et numéroté 1120. Superbe mouvement à coq signé F. Thomas à Ganges. Numéroté : 21609. Wed, 13 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=44Tintin, Hergé – L'ÎLE NOIRE – Bel état  Très rare première édition en couleurs de 1943. 1er plat grande image. 2ème*/4e plat A20 (blanc) Dos Pellior rouge. Pages de garde bleu foncé. Tirage 15080 ex (Août 43). 62 pages. *souvent dénommé quatrième plat en raison d'un amalgame entre plat et contreplat, voire d'un amalgame avec l'édition moderne et ses "première" et "quatrième de couverture". L'ÎLE NOIRE est l'un des rares albums a avoir une histoire éditoriale particulièrement riche : la parution de l'édition originale en 1938 en noir et blanc - également en vente dans cette galerie - est suivie, en 1943, de la première version couleurs, qui sera suivie à son tour, en 1966, de la version actuelle, complètement redessinée et modernisée. De tous les albums de Tintin, l'île noire est le seul album à avoir connu une version noir et blanc et deux versions couleurs tout à fait distinctes. Cet album, extrêmement recherché, est en bon état + Le 1er plat, dans un très bel état, a été habilement restauré (couleur jaune du ciel), notamment dans sa partie haute. Ce travail de professionnel est très peu visible et fort bien réalisé. Ce 1er plat est un peu frotté, ses coins légèrement émoussés. Page de titre : le O et le R le " L'ÎLE NOIRE " ont été restaurés (intérieur des lettres). Le 2ème plat est un peu taché (certaines traces ont été grattées). Le dos est complet, solide, très beau, il a gardé sa belle couleur rouge, ce qui est rare ; coiffes légèrement aplaties. La 1ère page de garde, légèrement fendue, a été recollée ; dernière page de garde en bel état (soudées entre elles trop étroitement lors de l'édition, 2 petits manques sont à noter au creux des pages bleues). L'intérieur est en bon état, la reliure solide et compacte ; des petites déchirures en bas de page ont été proprement recollées ; petit manque de papier page 57 ; manque plus important touchant légèrement une case page 48 (voir photo). Belles couleurs sur papier fin légèrement bruni. Album bien solidaire, de très bonne tenue. Bel état général pour ce très rare album, qui comblera les collectionneurs. Il cote 2500 euros pour un simple bon état au BDM 2009-2010. Lors d'une vente aux enchères à Paris par la très prestigieuse maison de ventes Artcurial, en mars 2009, ce même album, en très bon état et estimé à 8000/9000 euros, s'est finalement vendu à 37.540 euros, frais inclus. Une singularité est à noter : au 4e plat, à côté du titre " Les cigares du Pharaon " est inscrit entre parenthèses " Tintin en Orlent " (et non Tintin en Orient) ; particularité intéressante qui n'est pas mentionnée au BDM. Erreur à l'impression - ou préimpression ? - corrigée par la suite mais qui subsiste dans un autre album que nous mettons en vente (Le crabe aux pinces d'or, noir & blanc, 1942, grande image). Une curiosité qui en conforte la rareté. Offert en cadeau pour accompagner cet album : " Hergé par Hergé ", le catalogue de l'exposition du Centre Pompidou consacrée à Hergé, à l'occasion du centenaire de sa naissance en 2007. Toute l'oeuvre d'Hergé sur 1024 pages, commentées par lui-même. Éditions Moulinsart. Livraison offerte en France Mon, 11 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=43Un carré vierge presque parfait cerné par une forêt d'huile dense noir olivâtre biffée de blanc, de rouge, et plus discrètement d'une percée de ciel bleu électrique. Champ, demeure en friche, espace de réflexion ou refuge lumineux traversé par un triangle mince, l'espace de forme carrée n'est pas vierge, c'est une illusion. Peint à l'huile, il reprend les tons ivoirés du support en bois en y ajoutant de la matière. Si le carré figure la raison, le cogito de l'homme. Alors la raison s'affranchit de toute limite. Cette composition abstraite de James Coignard reprend un motif géométrique qui lui est cher, le carré. Elle est signée de sa main en bas à droite. Elle mêle différentes techniques (huile, craie, et collage sur papier ) autant que les supports, puisqu'elle est marouflée sur bois. Il s'agit d'une ½uvre peinte, d'une ½uvre unique donc. Et non d'une ½uvre multiple de type gravure, lithographie. L'oeuvre est présentée dans un sobre encadrement moderne. Livraison offerte à Paris Mon, 11 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=42Dessin aquarellé ou aquarelle sur mine de plomb signée de la main d'Edouard Paul Mérité. Aquarelle d'une remarquable finesse par le rendu des attaches de l'oiseau, du plumage, de la branche puis de chaîne qui enserre sa patte, et de l'½il qui guette le mouvement de celui qui l'observe... tenant à la très grande maîtrise du dessin. Aucun débord de l'aquarelle. Couleurs présentes et non exagérément diluées. Détails objectifs de naturaliste avec toutefois plus de sensibilité qu'une simple habileté et exactitudes scientifiques qui auraient présidé à l'exécution de ce dessin. Sujet exotique très agréable, décoratif tout en excédant la seule vocation décorative. Cette aquarelle est par ailleurs présentée et vendue dans un beau cadre en pichepin d'époque. Edouard Paul Mérité excellait tout particulièrement dans l'art de l'aquarelle et les sujets animaliers. Une technique parfois dépréciée, - lorsqu'elle est pratiquée par des peintres amateurs avec une certaine mièvrerie et force dilution -, à laquelle Mérité rend pleinement ses lettres de noblesse. Mon, 11 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=41Photo parue dans le quotidien FRANCE SOIR en 1936, année des Jeux Olympiques d'été de Berlin. Il s'agit d'un tirage d'époque, et non d'un retirage. Titrée Le Zeppelin " Hindenburg " passe au-dessus du Stade Olympique à Berlin. Témoignage historique glaçant d'une Europe qui allait devoir faire face à l'abomination du nazisme, on y voit nettement le zeppelin Hinderburg arborer le drapeau nazi. Si des Jeux Olympiques constituent toujours un événement, ceux-ci feront particulièrement date. On se souvient combien la xénophobie et propagande nazie avaient pesé sur les jeux de Berlin. Jamais des Jeux Olympiques n'avaient eu un tel impact symbolique, historique et politique. Ils se tiendront à Berlin du 1er au 16 août 1936. La capitale allemande avait déjà été désignée pays organisateur en 1916 mais la première guerre mondiale sévissant, les JO avaient alors été annulés. Quinze ans après, en 1931, le CIO avait à nouveau élu Berlin et la République de Weimar, organisatrice des jeux. Deux ans plus tard, Hitler instaurait le régime nazi. De nombreux pays demandèrent un boycott des jeux. Des Olympiades alternatives qu'empêcha la guerre d'Espagne devaient même se tenir à Barcelone la même année. Hitler instrumentalisa cet événement et dévoya tous les idéaux de confraternité de l'olympisme pour faire des JO de Berlin un manifeste de la supériorité aryenne. Sur cette photo historique que nous mettons en vente, le stade est plein. 49 nations et 3 963 athlètes (dont 331 femmes) prirent part à 129 épreuves dans 19 sports. L'Allemagne domina les jeux avec un total de 89 médailles, suivie des États-Unis avec 56 médailles. Mais le dictateur qui répandrait haine et terreur sur le monde ne put empêcher le sportif Jesse Owens, un américain noir, de remporter quatre médailles d'or dans des épreuves de course. C'est ce champion et non l'organisateur de ces jeux que l'Histoire gardera. Ce stade plein que survole le zeppelin nazi est peut-être en train de l'acclamer. Sun, 10 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=40Rare centre de table d'époque Napoléon III en bronze argenté.   Piédouche à décor de 3 amours faunesques* en bronze argenté surmonté d'un vase tulipe en cristal taillé et facetté. A noter : un léger accident au sabot de l'un des petits faunes. *Les putti ont des sabots de faunes, une particularité pittoresque et piquante qui ajoute à son élégance et qualité d'exécution celle de l'originalité. Le ruban de lierre qui entoure en volutes la farandole de petits faunes est peut-être un clin d'½il à l'exubérant style rocaille en vogue sous le monarque Louis XV.   De grande valeur, cette pièce pourrait être attribuée au maître orfèvre FANNIERE Frères. Le travail et le sujet se rapprochent également des productions de cette période de CHRISTOFLE.   Etat superbe.   Un exceptionnel objet d'art qui emprunte aux disciplines des arts de la table et des Arts décoratifs, et réussit le tour de force de rester représentatif de l'époque Napoléon III, de ses inspirations, de son style, sans cesser d'être singulier.   Livraison offerte à ParisSun, 10 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=39Gravure ancienne rehaussée de couleurs d'époque XVIIIe, fine et contrastée aussi spectaculaire que ne l'est son sujet représentant le portrait de Boileau, académicien et poète satirique du siècle classique, né à Paris en 1636, qui marqua durablement de son empreinte le patrimoine littéraire français. La lettre " Gravé par P. M. Mix d'après Rigault " mentionne un graveur P. M. Mix sur lequel nous ne possédons pas d'éléments. En revanche, nous retrouvons trace d'une estampe de ce portrait de Boileau d'après le peintre Hyacinthe Rigaud gravée en 1781 par Athalie Ribault, soit 70 ans après la mort du sujet. Il s'agit cependant d'une gravure en noir et aucunement d'une gravure rehaussée de couleurs comme celle que nous vous présentons ; qui plus est, la représentation est inversée, et Boileau incline son visage de 3/4 vers notre gauche et non vers notre droite. Cette gravure est conservée au musée de Château Thierry. Nous supposons que l'épreuve que nous mettons en vente lui est postérieure de quelques années, réalisée avant la fin du XVIIIe siècle (ce qu'indique la technique, la qualité du papier, la lettre dans une typographie manuscrite XVIIIe , et non en majuscules, un usage postérieur répandu au XIXe siècle). Dans les deux cas, c'est bien le portrait d'un maître du genre, Hyacinthe Rigaud, qui a inspiré le graveur de cette épreuve. Né à Perpignan le 18 juillet 1659 et mort à Paris le 29 décembre 1743, il s'agit sans doute du plus grand portraitiste que connut le XVIIes, et dont chacun garde à l'esprit le munificent portrait de Louis XIV en costume de sacre ; ce portrait réalisé en 1701 par Rigaud sur une commande du monarque à la demande de son petit-fils figure aujourd'hui au musée du Louvre. Le portrait de Boileau, centré sur le visage et la partie haute du buste est plus sobre, il ne répond à la même mise en scène de l'apparat et des symboles du pouvoir - pouvoir souverain cependant adouci par le contrepied accepté par son royal sujet de la coquetterie du tour de jambe, et d'un certain maniérisme qui laisse entrevoir, derrière le monarque puissant, le roi épris de danse et de théâtre. Sont alors communes à ces deux portraits une sensibilité et grande intelligence dans l'expression du regard. La qualité du travail de gravure et de mise en couleurs, la subtilité des gris (gris perle de la perruque, vert de gris de l'habit), l'incarnat de la chair, le blanc soyeux de la chemise, la chaleur du rouge de la toge, placent ce graveur dans les pas d'un Janinet. Encadré sous verre (le verre, ancien, comporte quelques bulles d'air). L'encadrement, ancien, est contemporain de cette gravure sans toutefois être d'origine. Le cachet d'un encadreur spécialisé dans les cadres anciens figure d'ailleurs au dos. Le cadre a quelques imperfections. En l'état, ce cadre ancien et sa marie-louise mettent en valeur ce noble sujet. Sun, 10 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=38Outre que les ½uvres de Jean-Marcel Boudouin sont rares sur le marché, voilà une ½uvre singulière. Si l'on ne connaît pas de dessins de Jean-Marcel Boudouin autres que les études brillantes en lien avec son métier d'architecte ; ces derniers attestent d'un talent et vocation artistiques allant au-delà de la manière habile d'un homme de sa corporation particulièrement doué. Ses dessins gouachés réalisés notamment pour l'exposition internationale des arts et techniques de 1937 (la gouache que nous mettons en vente en provient - étiquette sur le cadre) possèdent en effet une valeur artistique tout autant qu'historique. Rappelons le contexte de cette exposition. Inaugurée le 4 mai 1937 par Albert Lebrun, alors Président de la République, elle prit fin le 25 novembre 1937. C'est à cette occasion que le Palais du Trocadéro fut démoli et remplacé par l'actuel Palais de Chaillot. Le pavillon des Travaux Publics a été conservé et abrite aujourd'hui le Conseil économique et social. Des pavillons abritant les 52 pays exposants avaient été construits le long de la Seine entre le pont d'Iéna (dont la largeur avait été doublée) et le pont Alexandre III ; mais aussi dans le jardin du Trocadéro et sur le Champ de Mars au pied de la Tour Eiffel, ainsi que dans l'île aux Cygnes. Elle comprenait un parc d'attractions, un parc colonial, un train électrique pour circuler, et les fontaines illuminées du Trocadéro. Soit 100 hectares de la colline de Chaillot à la place d'Iéna pour un bilan total de 31 053 700 visiteurs. L'exposition de 1937 - et le dessin de Jean-Marcel Boudouin en est l'une des meilleures preuves, une synthèse accomplie - avait pour objet la fusion et complétude de l'Art et de la Technique ; cette exposition internationale tendait à promouvoir l'union nécessaire du Beau et de l'Utile. Dans ce contexte marquant la fin de l'entre-deux guerres, à l'aube de la seconde guerre mondiale, défendre ce postulat, c'était faire ½uvre de paix. Cette exposition est d'ailleurs restée célèbre par l'affrontement symbolique qui se joua de part et d'autre du pont d'Iéna ; le pavillon de l'Union soviétique (avec sa colossale sculpture de l'ouvrier et de la kolkhozienne) faisant face à celui, non moins monumental, surmonté de l'aigle nazi, de l'Allemagne hitlérienne. La villa néo-classique dont Boudouin livre alors le projet figure un hâvre étrangement calme avant la frénésie inhumaine de la seconde guerre mondiale. Mais déjà quelques signes présagent un basculement qui n'a rien d'incident. Un platane projette une ombre rouge sur la façade sereine. Prière esquissée, la villa néo-romane qui revisite un patrimoine " bien français " semble abriter un clocher. Trouée de ciel ou d'espoir, l'étude gouachée semble avoir été posée sur le papier comme le fragment d'une histoire en marche. Livraison offerte à Paris Sun, 10 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=37Cette ravissante miniature est le portrait d'une jeune femme à la physionomie agréable issue de l'aristocratie française. Oeuvre probablement de commande (suivant l'usage du genre du portrait) mais non moins admirable, la somptueuse chevelure bouclée et la robe décolletée du sujet rehaussent admirablement les traits exquis de cette jeune femme. Le travail de l'artiste (Allix) est d'une grande qualité et d'un raffinement extrême. La finesse, la précision de cette gouache sur papier font de ce portrait une oeuvre précieuse et rare. Le fond lui-même n'a pas été négligé, s'inspirant d'une nature flamboyante, à l'aube ou au coucher du soleil, recomposée en touches bleues et pourpres. Le cadre d'époque en acajou blond cerclé de laiton finement ciselé établit une datation dans la première partie du XIXes, et met en valeur ce magnifique portrait. Cette miniature fait pendant au  "Portrait de la marquise de Pange", également en vente dans cette galerie. Photo © Pierre Mendelssohn Sun, 10 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=36Zincographie originale, réalisée d'après une ½uvre d'Antoine Louis BARYE, par Firmin GILLOT. Se réfère à la sculpture Lion qui marche (qui vient après Lion assis et avant Lion marchant), modèle non daté, édité pour la première fois circa 1840. Marque distinctive, "lion qui marche révèle une calligraphie de surface abstraite et batailleuse". Catalogue raisonné des sculptures de Barye, édition Gallimard. A l'instar de Tigre qui marche proposé dans notre galerie, le placement de la queue du lion (qui marche) varie avec celle du Lion marchant, modèle postérieur. Particularité qui la rend rare, l'épreuve gravée est contresignée de la main de BARYE lui-même. Signature manuscrite au crayon centrée en haut dans la planche.   Les mentions de l'auteur et du graveur n'ont en revanche pas été reportées dans la planche.   Il s'agit très probablement une épreuve d'état (annotation en haut à gauche) ou avant-lettre, ce qui en accroît la rareté.   Par ailleurs, si l'épreuve a bien été gravée par Firmin Gillot (1820-1872), avec la participation de Barye, il ne s'agit pas d'un gillotage ou panicographie, procédé de photogravure créé en 1850 par le même Firmin Gillot.   Précisons que la zincographie est un procédé analogue à la lithographie, dans lequel la pierre lithographique est remplacée par le zinc.   La qualité de cette épreuve est incontestable.   Bel encrage qui permet de saisir la richesse du dessin original de Barye (tension des muscles, finesse de la crinière, regard du fauve), et d'apprécier toute la noblesse du lion en marche.   Plus de splendeur que de peur ? Le fauve, comme figé dans son mouvement altier, traduit moins la violence qu'il inspire d'ordinaire que sa beauté et  son hiératisme naturel qui le font admirer des hommes désarmés qui le craignent.   ¼uvre présentée dans un encadrement moderne de qualité. Elle forme un pendant avec " Tigre qui marche " disponible par ailleurs. Livraison offerte à Paris Sun, 10 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=35Dessin orientaliste signé de la main de Marguerite Henriette TEDESCHI, peintre s'inscrivant dans le courant de l'orientalisme. Ses ½uvres, peu nombreuses, sont recherchées. Ce dessin particulièrement abouti, également daté et situé, a été réalisé en 1913 pendant le séjour de l'artiste dans la ville du sud algérien, Bou-Saada (" cité du bonheur " en arabe) ; période où elle gagne la reconnaissance du milieu artistique. Palmeraie luxuriante, oasis à la porte du désert la plus proche du littoral algérien, l'on comprend que Marguerite Henriette Tedeschi ait pu s'établir dans la cité du bonheur pour y trouver l'inspiration. Mêlant différentes techniques (fusain, craie, pastel de différentes couleurs...), ce dessin de bonnes dimensions d'une maîtrise absolue, atteint une perfection graphique qui le rend tout aussi autonome, achevé et remarquable qu'une ½uvre à l'huile de grand format. Le profil acéré de l'homme - algérien de Bou-Saada ou nomade - son regard pénétrant capte immédiatement le spectateur. Tedeschi sait jouer avec les noirs et les bistres, affiner les contours, varier les effets, créer des ombres délicates. Le cheich de couleur claire pare le profil de l'homme, le protège et met en relief la beauté de ses linéaments. L'artiste fait ressortir la lumière du sud algérien par de subtils rehauts de craie blanche et de pastel jaune. Sa palette se fait plus chatoyante à l'abord de l'atour, de la parure de l'homme. Ce chapeau imposant qui protège du soleil tout en disant la majesté de celui qui l'arbore. Des motifs géométriques triangulaires de différentes couleurs composent, en aplomb de ce profil magnétique, une roue colorimétrique qui n'est pas sans rappeler le paon, oiseau de tous les mythes et réalités enchanteresses. Une oasis de couleurs dans la lumière du désert. ¼uvrée présentée dans un encadrement moderne en bois gris métal agréable et harmonieux. Photo © Pierre Mendelssohn Livraison offerte à Paris Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=34Pot à tabac représentant une tête de "négrillon" marocain d'une très belle facture, témoignage d'une esthétique et d'une France coloniale, qui, au sortir de la Conférence de Madrid (1880) renforçant les privilèges des européens (notamment français et espagnols) au Maroc, était loin d'engager une réflexion sur la décolonisation et le droit des peuples (appliqué) à disposer d'eux-mêmes. En 1885, Jules Ferry, figure de IIIe République, déclarait le 28 juillet 1885 devant le Sénat : "Les supérieurs ont le droit sur les inférieurs." La propagande coloniale n'était alors pas perçue comme raciste. La précolonisation du Maroc fut longue et disputée. Jules Ferry voyait, non sans cynisme, dans le processus de colonisation "un débouché" ("Dans la crise que traversent toutes les industries européennes, la fondation d'une colonie, c'est la création d'un débouché" BO du 28 juillet 1885.) En 1912, la France obtint le Protectorat sur le Maroc qu'elle convoitait. Ce contexte historique, aujourd'hui perçu comme douteux, n'atténue en rien la qualité artistique indéniable de cet objet d'art et de collection. Pièce signée BB pour Bernard Bloch, marque en creux (attestant de sa production dans les années 1889-1900) et numérotée 310. Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=33Exceptionnel Buddha aux paons impérial assis à l'européenne (rare posture pralambapadâsana) en bronze doré du XVIIIe siècle ou antérieur.   Influence notable de l'art du Gandhâra à l'âge d'or de la dynastie Gupta (Inde, Dynastie Gupta, IVe-VIes). Provenance probable, Chine ancienne impériale (Dynastie Qing, ou Ming si antérieure). Observons que l'Inde bouddhique a influencé la production artistique chinoise avant la proscription de 845. Cette interpénétration entre art indien et chinois insuffla " un sens nouveau du volume et du modelé " -bibliographie, Musée Guimet, les trésors du Dunhuang - ; et marquait alors en Chine sous la Dynastie Tang (618 à 907), la volonté d'un retour aux sources de l'enseignement bouddhique. De nombreux moines chinois partirent en pèlerinage en Inde, notamment au Bengale.   Le superbe bronze doré que nous vous présentons témoigne rétrospectivement de cette influence.   La facture de la statue, le travail de ciselure, la qualité du bronze, sa dorure probablement au mercure et patine attestent une datation circa XVIIIe, voire antérieure. La dorure s'est émoussée par endroits mais la statue demeure dans un état de conservation remarquable.   Cette statue en bronze doré, aussi belle qu'intrigante, semble à la confluence de plusieurs représentations esthétiques de l'art bouddhique.   Tout d'abord sa posture. Le trône sur lequel Bouddha est assis répond à la Tradition ; le socle figure une fleur de lotus, symbole de l'éveil, métaphorisée par ses pétales. Le socle lotiforme, ici très simple, se discerne au verso, l'habit monastique, à l'inverse richement décoré qui pare le Bouddha, le recouvrant sur sa face. C'est l'européanité de sa posture assise qui étonne.   Nous savons que l'iconographie du Bouddha généralement suivie (quel que soit le bassin artistique et théologique) le montre le plus souvent dans la posture du lotus, parfois debout ou encore couché. Or, il est représenté ici dans la posture beaucoup plus rare du Bouddha assis à l'européenne nommée en sanscrit pralambapadâsana (c'est par exemple la posture du Bouddha de Wat Pa Lelai, à Suphan Buri en Thaïlande).   Cette posture a cependant fait sa première apparition au IIIe siècle de notre ère en Inde, bassin des Gupta, ce qui corrobore la thèse d'une influence artistique Gupta assumée des siècles après la disparition de cette dynastie, qui régna sur une grande partie du territoire indien du IV° au VI° siècle, et à laquelle nous devons les représentations de bouddhas dites " classiques " parmi les plus abouties de l'esthétique bouddhique.   Les traits de ce Bouddha au visage tout à la fois plein et harmonieux, la bouche ourlée très légèrement lippue, les yeux à l'ovale délicat, sont en effet caractéristiques de Bouddha dans sa représentation Gupta ; tandis que la coiffe en chignon, si elle répond également à cette esthétique, est en outre l'attribut des dignitaires de la Chine impériale (coiffe de l'Empereur, des dignitaires, nobles guerriers). Notons que la chevelure est lisse et non bouclée, ce qui exclut certains bassins iconographiques.   L'art Gupta connut un rayonnement qui dépassa l'Inde pour toucher les régions asiatiques gagnées par l'influence indienne. Le style " classique " qu'ils surent imposer perdura longtemps après la disparition des Gupta, essaimant dans d'autres pays bouddhiques ; outre la Chine, précédemment évoquée, ce fut le cas du style Baraboudour à Java au VIII° s.   Autre particularité et différenciation des normes représentatives que l'on constate ici, la gestuelle Abhayamudra est inversée. C'est la main gauche qui se lève dans un geste de protection et non la main droite.   Signalons une autre originalité, l'attribut que tient le Bouddha, qui consiste ici dans la figuration de l'½il de la conscience (symbole que l'on retrouve notamment au Népal) gravé sur l'objet que tient Bouddha dans sa main droite tandis que la main gauche est levée.   La signification des trois paons qui surmontent la coiffe du bouddha résiste tout autant à une interprétation normative univoque.   Les trois paons  pourraient se référer aux trois corps du Bouddha ; soit le trikāya en sanscrit qui englobe dans le mahāyāna et le vajrayāna les trois états de l'éveil.   Dans le canon pāli sont ainsi distingués:   son corps formel (le corps historique de Gautama), le pāli caturmahābhūtikāya). Son corps mental ((pāli manomayakāya) par le biais Gautama accédait aux royaux divins Et enfin, le corps de la doctrine (pāli dhammakāya), soit l'ensemble des enseignements qui demeurent après lsa mort.   Dans le Mahāyāna : Le dharmakāya, corps de dharma, de réalité absolue. Le sambhogakāya, corps de jouissance ou de félicité : c'est le premier des corps formels, enseignant aux bodhisattvas et les amenant à l'achèvement de leur bouddhéité Le nirmānakāya, corps d'émanation ou d'apparition, incarnation se manifestant dans les différents domaines du saṃsāra par compassion pour les êtres animés.   Le symbole du paon associé au Bouddha est plus simple à éclairer. Dans la tradition, c'est l'animal d'Amitabha, l'un des cinq Jinâs "vainqueurs des illusions", qui émanent et représentent le Bouddha primordial. Amitabha incarne l'amour et l'éveil de Gautama Bouddha. Il se dénomme Amitofo en Chines et Amida au Japon. C'est l'un des Bouddha les plus importants du Mahāyāna.   Le paon en Asie est particulièrement présent dans le bestiaire cosmogonique, et tout particulièrement en Chine.   Suivant la tradition bouddhique, Bouddha était né paon dans l'une de ses vies antérieures. Un état de la vie de Bouddha que rappelle le trône du Bouddha de la méditation Amitabha.   En Chine, le paon revêt, outre ses sèmes traditionnels, une signification symbolique de prospérité et  de paix. Ainsi, l'animal est-il célébré pour le nouvel an chinois par les habitants de Lanzhou, capitale du Gansu, en Chine centrale, qui, pour attirer sur eux la bienveillance de l'oiseau bleu érigent la sculpture d'un paon déployant sa queue en éventail.   En Inde et au Viêtnam mais également dans plusieurs pays asiatiques, la danse du paon symbolise la fertilité à l'approche de la mousson.   En Inde, c'est l'oiseau emblématique du pouvoir : l'aigrette et les plumes de l'animal figuraient parfois dans les parures vestimentaires des maharajas.   Et de fait, l'oiseau au plumage solaire connota la dignité pour une grande partie de l'Asie.   Très respecté en Chine impériale pour cette raison même mais également pour sa beauté, les plumes de sa queue étaient utilisées pour désigner un grade officiel dans l'administration de l'empire. Selon le grade conféré, le dignitaire recevait une plume à un, deux ou trois ocelles.   Nous n'avons trouvé aucune autre occurrence de représentation de Bouddha présentant une somme semblable de ces caractéristiques.   Un Bouddha tout à la fois unique et syncrétique définitivement aux confluences de la production bouddhique, de son imaginaire, de ses dogmes et de son esthétique. Nota bene : L'exposition La voie du Tao qui se déroule actuellement au Grand Palais présente une pièce Ming du XVe siècle " Bixia Yuanjung, la souveraine des nuages de l'Aurore " provenant des collections de The Art Institute of Chicago étonnamment proche du Bouddha aux paons disponible dans notre galerie. Posture, robe, coiffe, - quoique simplifiée -, sont identiques. La représentation du visage en revanche diffère (le Bouddha aux paons emprunte ses traits à la finesse indo-grecque de l'art bouddhique du Gandhâra, les linéaments de Bixia Yuanjung n'en atteignent pas la grâce). Le mudra diverge et leur taille est également dissemblable ; Bixia Yuanjung dont le culte est apparu à l'époque Han avant d'être revivifié sous la dynastie Ming mesure 96,5 cm de haut.  Bixia Yuanjung recevait le culte des femmes et plus particulièrement des femmes enceintes ou espérant le devenir. Sa coiffe est décrite comme composée de la triple occurrence d'un animal légendaire : le phénix dont le paon pourrait être le probant avatar terrestre. Sous la dynastie Qing cette déité survit encore. Le Bouddha aux paons témoignerait alors d'une interpolation entre Taoïsme, par le biais de cette Princesse taoïste, symbole de fertilité, et Bouddhisme ; le bouddhisme qui s'introduit en Chine au Ier siècle ap. JC). Cependant à partir de la dynastie Song (10e siècle ap. JC) le syncrétisme s'accentue entre les trois religions ou courants spirituels que constituent le Taoïsme, le Confucianisme et le Bouddhisme. Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=32C'est en 1738 que Charles de Bourbon (dit également Charles III de Naples) fit construire le Palais de Capodimonte dominant la baie de Naples et du Vésuve, qui abrite un musée de renommée mondiale, et bien sûr, la célèbre manufacture qui restera célèbre pour le raffinement de ses porcelaines.  L'estampille du N (initiale de Naples) surmontée de la couronne apparaît dès 1759 ; elle figure bien ici sous le socle.  Le drapé à la grecque ouvragé de la danseuse, la délicatesse de ses traits comme celle de ses attaches, très fines, son jeté de cheville gracieux, la pose exquise, le motif végétal, le raffinement de la coiffe, les reflets satinés de la porcelaine et l'éclat intact de sa dorure d'origine attestent de la qualité de ce ravissant Capodimonte du XIXe, qui hésiterait si la pièce n'était pas napolitaine mais française, entre néoclassicisme et Belle Epoque. A Naples, il se murmure un secret que partagent les amateurs d'objets d'art. Les danseuses en porcelaine dorée voleraient la vedette au Vésuve, Dieu de la Baie. Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=31POP UP  original de " Vol 714 pour Sydney " de Hergé. L'un des six livres animés de Tintin dans la collection Pop-Hop. Cinq doubles planches à système. Très rare exemplaire en excellent état. Parfaite intégrité du mécanisme. Publié en 1971 dans cette collection, Vol 714 pour Sydney, qui est aussi le pénultième album d'Hergé, se prêtait particulièrement bien à l'animation. Sa composante fantastique, extraterrestre même, trouve une résonance idoine et ludique par le biais de ces animations en volume que l'adulte tire avec la même délectation que l'enfant qui espère débusquer un trésor.   Dans cet album riche en rebondissements, le lecteur épris d'aventures hergéennes, retrouve l'ennemi juré de Tintin (et plus tard du Capitaine Haddock), l'inexpugnable et colérique Rastapopoulos.   Le personnage du milliardaire Lazlo Carreidas, qui porte une partie de l'invention et ingénierie comique de cet album, est librement inspiré par l'industriel Marcel Dassault et l'aviateur richissime Howard Hughes récemment porté au cinéma par Scorsese.   Il s'agit de l'édition originale de ce titre en collection Pop-Hop.   A (re)découvrir sans attendre.   Livraison offerte en France Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=30ALBUM VENDU, mais un 2ème album du même titre est disponible Tintin, Hergé - Le sceptre d'Ottokar (1) Bon état + Première édition en couleurs (décembre 1947). 2ème*/4e plat : B1. Dos pellior rouge Casterman, Paris, Tournai au 1er plat . Titre rouge en page de titre. Pages de garde bleues Tirage 35460 ex. * Très souvent dénommé quatrième plat en raison d'un amalgame entre plat et contreplat, voire d'un amalgame avec l'édition moderne et ses "première" et "quatrième de couverture". Curiosité de la toute fin de l'entre-deux-guerres, Le sceptre d'Ottokar est le pénultième album en noir et blanc et le dernier paru avant que n'éclate la seconde guerre mondiale en septembre 1939. La menace de la guerre sourd entre les pages. Et la proximité linguistique du dictateur Müsstler (mot valise, contraction de Mussolini et de Hitler) avec les deux despotes n'est pas fortuite. Le royaume fictif de Syldavie, inventé par Hergé, qui semble emprunter ses traits à la Suisse, à la Yougoslavie et à la Belgique, vit sous la menace de Müsstler. A l'instar du roi Léopold III de Belgique, pays neutre dont s'est inspiré Hergé, le roi syldave résiste pour préserver la liberté de son peuple et l'indépendance de son pays. Il trouvera naturellement un allié en la personne de Tintin, petit reporter de papier déjà mondialement connu et reconnu, à même donc d'accomplir cette mission particulièrement héroïque. S'ajoute au contexte historique spécifique au Sceptre d'Ottokar, une distorsion des formes narrative et artistique. L'irruption massive au sein de cet album de la textualité journalistique par le biais d'articles de journaux restitués pleine page. La prise de risque pour Hergé consistant à conforter jusqu'au vertige l'ambivalence entre fiction et réalité. Parue après la guerre, en 1947, cette première édition en couleurs reprend néanmoins fidèlement l'édition en noir et blanc sans disruption. Afin sans doute de ne pas en atténuer le caractère de témoignage, la force prospective et l'originalité du métatexte (l'utopie - la Syldavie n'existe pas - dialoguant avec la presse et un contexte historique sombre), les changements sont mineurs (le costume des gardes et le dessin du sceptre). A noter enfin que Hergé s'est représenté lui-même en compagnie d'Edgar P. Jacobs (nouveau collaborateur dont l'on retiendra les Aventures de Blake et Mortimer) ainsi que d'autres membres de l'équipe dans les dernières cases pages 38 et 59. Le titre intérieur est en rouge, le deuxième plat B1 (souvent dénommé quatrième plat B, voir note précédente) avec le pull "deux couleurs" familier des collectionneurs. Cette édition de 1947 du Sceptre d'Ottokar demeure très recherchée par les collectionneurs, sa cote est aujourd'hui de 900 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état. Complet, cet album est en bel état. 1er plat frais, un peu frotté, (à noter un chiffre "n° 10 " inscrit discrètement en haut à droite + chiffre au crayon dans le cartouche titre). 2ème plat légèrement frotté. Dos rouge d'origine toilé en très bon état, coiffes un peu tassées, Pages de garde en très bon état, Petite dédicace sur la page de titre, Pages intérieures en très bon état, quelques petites taches (rousseurs) dans les marges Album solidaire, de très bonne tenue 62 pages, imprimé en Belgique. Album en bon état +   Livraison offerte en France   Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=29Tintin, Hergé - Le lotus bleu - Bon état. Première édition couleurs (décembre 1946). 2ème*/4e plat : B1. Dos pellior rouge. Papier épais (30.000 exemplaires). Titre bleu en page de titre. Pages de garde bleues. *souvent dénommé quatrième plat en raison d'un amalgame entre plat et contreplat, voire d'un amalgame avec l'édition moderne et ses "première" et "quatrième de couverture". Cette cinquième aventure de Tintin a d'abord paru en noir et blanc dans le Petit Vingtième en 1934-1935. Le Lotus bleu marque une étape essentielle dans l'oeuvre d'Hergé, qui hausse la qualité de son travail : le graphisme est plus soigné, la documentation plus importante et le scénario plus fouillé. 
 Il y a, dans cet album charnière, une recherche de réalisme, une nouvelle approche de la part d'Hergé avec cette volonté de coller davantage à l'actualité et à la réalité historique. 
 Cet album introduit pour la première fois le personnage de Tchang (inspiré par un jeune étudiant Chinois et ami d'Hergé), que l'on retrouvera par la suite dans " Tintin au tibet ". Cette première édition en couleurs du " Lotus bleu " date de 1946. Le papier était de mauvaise qualité, épais, fragile ; il a beaucoup jauni avec le temps. Autres particularités de cette édition : 1. Sur le premier plat, le dragon a une patte à cinq griffes (au-dessus de la tête de Tintin) au lieu de quatre dans les éditions suivantes. 2. La curiosité de coloriage au quatrième plat : le pull du capitaine est en deux couleurs (deux zones de bleus différents). Cette édition de 1946 du Lotus bleu est très recherchée des collectionneurs, sa cote est de 1000 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état. Cet album, complet, est en bon état 1er plat légèrement frotté, le rouge reste éclatant 2eme plat légèrement frotté, petites taches sur les bords Dos rouge d'origine toilé en bon état, frotté, coiffes abîmées haut et bas sur 1 à 2 cm. Coins frottés Pages de garde en très bon état, fendues (au 2eme plat sur 2 cm sans incidence). Petite dédicace (A Maurice, de Marraine) sur page 1 sous le titre. Pages intérieures en très bon état, jaunies, quelques petites déchirures de lecture dans la marge du bas (+ ancienne trace de restauration dans une marge du bas). Le dernier cahier se découd, sans se désolidariser pour autant de l'album. 62 pages, imprimé en Belgique par Casterman. En 1999, à la demande du Monde, les lecteurs de ce quotidien ont classé Le Lotus bleu en dix-huitième position parmi les livres qui ont marqué le vingtième siècle. Tintin se retrouvait en bonne compagnie, aux côtés d'Aldous Huxley, Soljénitsyne et Anne Frank. EN CADEAU AVEC CET ALBUM : "Le lotus bleu" en DVD (neuf sous blister) Livraison offerte en France Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Hergé - Tintin albums / EOhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=28Ce livre animé ou Pop-Hop, de Tintin, L'ÎLE NOIRE, n'est pas une réédition moderne mais l'édition originale de ce titre en Pop-Hop des Éditions Rouge et Or de 1970. En très bon état, cet album contient seize pages de scènes en relief, avec personnages mobiles. Tous les mécanismes fonctionnent. Les textes et dessins originaux sont de Hergé. Les animations sont signées Michel Demarets. Lors de la vente d'Artcurial, en novembre 2009, certains albums Pop-Hop des Aventures de Tintin, estimés 150 euros, ont été vendus autour de 3 000 euros. En atteste l'enchère de 3 176 euros réalisée par " L'Ile Noire ", corroborant une fois encore l'engouement et forte cote de ce titre hergéen. Livraison offerte en France Sat, 09 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=27Comme vous l'avez sans doute remarqué, cette mygale n'est pas une oeuvre d'art, mais bien une oeuvre de la nature. La Theraphosa leblondi est la plus grande espèce de mygale découverte à ce jour (jusqu'à 30 cm d'envergure). Digne de figurer dans la collection d'un cabinet d'amateur, elle demeure moins dangereuse naturalisée que vivante et tout aussi rare. Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art moderne & contemporainhttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=26Spectaculaire gouache sur trait gravé de Michelangelo Maestri issue de la célèbre série de neuf gouaches exécutées d'après les fresques de la Villa Lante à Rome décorée par Giulio Romano, élève de Raphaël. Il s'agit ici d' " Amor Veloce ". Un ange ailé ou putti figurant le dieu de l'amour, Cupidon, le visage tourné vers le ciel, conduit le char romain, bridant d'une main assurée l'élan des cerfs qui le mènent trop vélocement à sa mystérieuse destination. Le cerf, emblème de la royauté dans l'herméneutique médiévale du bestiaire, est cependant muselé (ce qu'induirait symboliquement l'attelage) par l'allégorie libertaire du paganisme de la Rome antique figuré ici par Cupidon. Rappelons que Napoléon Bonaparte, en 1805, soit 7 ans avant cette ½uvre, s'était fait proclamer empereur des Français par le Sénat et couronner par Pie VII. La République cisalpine devint royaume d'Italie, et Napoléon Ier, son roi d'Italie le 17 mars 1805 ; le couronnement aura lieu le 26 mai 1805 dans le Duomo de Milan. Il nomma Eugène de Beauharnais son vice-roi. Les deux cerfs magistralement mis en scène par Michelangelo Maestri traduisent et dénoncent peut-être cette transition politique. Cette superbe gouache est signée de la main du peintre Michelangelo Maestri qui l'a également datée et a fait figurer le nom du peintre dont il s'est inspiré, Giulo Romano. Maestri a peint en trompe l'½il le passe-partout. Toutes les annotations figurent ainsi sous cet encadrement fictif à la manière d'une gravure. La somptuosité de l'incarnat, la finesse du trait, la beauté sculpturale du visage de Cupidon qui semble exceptionnellement emprunter ses traits à Apollon dans sa jeunesse, la richesse des détails (la bouche du char, les brides, le pelage des cerfs, la texture du décor végétal...) renvoient à la maîtrise technique de la Renaissance. Un certain maniérisme évoque cependant le siècle qui a vu naître Michelangelo Maestri tandis que le choix du sujet et de sa mise en scène, l'attrait grandissant pour Pompéï, renvoient à l'Italie du XIXe siècle. Elle est présentée dans un magnifique cadre doré d'époque agrémenté  de sa marie-louise en papier velours répondant à son pendant, Amor pazzo, qui figure également dans notre galerie. Photo © Pierre Mendelssohn Livraison offerte à Paris Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=25Miniature sur papier finement gouachée représentant la cascade de Pissevache (dénommée également cascade de Salanfe), située entre Martigny et Saint Maurice, une attraction touristique du Valais de 114 m facilement reconnaissable ; situation que vient confirmer une annotation figurant au dos du papier lorsque l'½uvre est décadrée. Toujours au dos, mention d'une date : 1830. Ces indications ont pu être portées par l'artiste ou son premier possesseur. Ce lieu a exercé un attrait sur tous ceux qui y ont fait halte. Goethe écrivait à son sujet "Quand les flots rapides, écumants, du jet supérieur touchent, dans leur passage tumultueux, les lignes où l'arc-en-ciel se forme pour notre oeil, ils s'embrasent et se colorent, sans que l'on voie paraître la figure continue d'un arc, et, à cette place, brille une flamme changeante, qui passe et revient sans cesse. Nous grimpâmes tout auprès, nous nous assîmes à côté, et nous désirâmes passer à cette place des heures et des jours". Attribution vraisemblable de cette ½uvre ravissante à Mathias Gabriel Lory (1784 - 1846), artiste paysagiste bernois. L'½uvre, aussi précise que rassérénante du peintre et dessinateur suisse, est appréciée. Et l'on retrouve la même palette : le romantisme étincelant de gouache de la cascade qui charme ses spectateurs comme elle sut ravir Goethe ; la terre brunie de rose ; le feuillage à la douceur chatoyante vert clair puis rousse ; la même attention aux personnages, silhouettes colorées suffisamment précises pour que se distingue à travers elle le statut social d'une élégante, le champêtre promenant son chien.   Cadre postérieur à l'½uvre aux dorures ternies mais marie-louise dessinée à la main rehaussant agréablement ce paysage romantique, véritable invitation à la quiétude.Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=24Ecole lyonnaise ou dauphinoise XIXe. La scène pourrait consister en une partie de campagne avec Jean Renoir si l'art en scène n'était pas pictural mais cinématographique. Le chemin de campagne se déploie à l'orée d'un village de montagne. Peut-être en Oisans, dans le parc des Ecrins. Ses talus sont hauts, sauvages, à la hauteur du décor. Plusieurs massifs à l'horizon. Les chaumières, avec leur allure normande, y semblent aussi paisibles qu'exotiques.  Une paysanne et son enfant empruntent ce chemin, tournant le dos à ce décor qui nous apaise et qui est le leur au quotidien. Leur dessin est suggestif, il procède par touche, fait pour être perçu avec le recul qui fut sans doute celui l'artiste. Deux compositions s'imbriquent dans cette charmante scène alpestre. La partie droite du tableau est traitée avec la hâte de l'instant, l'obscurité qui enveloppe la moitié du premier plan ; tandis que la partie gauche, bénéficiant de la lumière du soleil, manifeste dans son exécution davantage de finesse (végétation, feuillage de l'arbre), et de profondeur, laissant apparaître l'horizon de crêtes à conquérir puis la paix d'un ciel pommelé. Huile sur panneau présentée dans un très joli cadre doré de style.  Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=23 Statuette en bronze à patine brune d'une qualité exceptionnelle représentant un faisan par l'un des plus importants sculpteurs français du XIXe siècle, Henri Alfred Marie Jacquemart. Bronze original (fonte d'époque et non tirage posthume) et non réédition moderne. Sa signature, A. JACQUEMART, figure sur la base. Socle en marbre rouge onyx veiné de blanc.   La finesse de l'exécution, et jusqu'à la patine, caractérisent cette pièce de dimension modeste (environ au ¼ du sujet réel, le faisan de colchide mesurant environ 79 cm pour le mâle).   L'originalité de ce bronze ne réside cependant pas dans sa beauté plastique réaliste (ciselures du plumage et de la queue fine et longue qui permet de distinguer le faisan mâle de la poule faisane) mais bien davantage dans la réinterprétation de son sujet.   Un clin d'½il aussi exotique que méta-artistique qu'adresse Jacquemart à l'Egypte et ses commanditaires, à travers la coiffe qui entoure la tête du faisan, et qui par-là-même l'anoblit en lui infusant une autre signification.   Il s'agit en effet du klaft, pièce d'étoffe à rayures cannelées, assez semblable à la kouffieh syrienne, serrée autour des tempes et retombant en deux pans sur les épaules. C'est l'emblème du sphinx dont Jacquemart para les fauves de la fontaine aux lions de Paris.   Rappelons que Jacquemart avait réalisé pour le gouvernement égyptien plusieurs statues considérables. Le faisan quitte alors son interprétation strictement cynégétique pour se rapprocher des sèmes plus complexes et immortels du Dieu égyptien à tête de faucon, Horus, fils d'Isis et d'Osiris.   C'est l'une des déités parmi les plus puissantes de la cosmogonie égyptienne ; l'incarnation du pouvoir de Pharaon sur l'Egypte et du pouvoir solaire descendu sur terre.   Sous la IVe Dynastie, qui verra l'édification de la Grande Pyramide, l'idéologie solaire et le culte du Dieu Rê se rapproche de la divinité de la légitimité dynastique, Horus.   A Héliopolis apparut en effet une croyance en Rê-Horakhty (Rê-Horus-des-Deux-Horizons) basée sur l'ancien mythe de la royauté d'Horus, qui fut peut-être considéré comme le premier dieu Soleil (ou dont l' ½il était le soleil). Cette fusion aura pour vocation le renforcement de la déification du pouvoir royal, et de son aura. En signant cette sculpture animalière, Jacquemart voulait rendre hommage à un pays qui, depuis la Révolution Française, n'avait cessé de subjuguer la France pré-romantique, puis romantique, qui suivra le premier Empire.   Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=22Eugène Balan, issu de l'école Rouennaise, manifeste dans cette ½uvre tout son talent. Son goût pour l'architecture, son style, ne sont pas sans rappeler un illustre peintre de cette même école et siècle : Eugène ISABEY. La scène fourmille de détails. Il s'agit d'une rue pittoresque de Rouen, la " Rue Eau-de-Robec ", autrefois rue des tisserands, où coulait encore le Robec (qui a, depuis 1880, été recouvert) et où les pêcheurs, au premier plan, côtoient toutes sortes de personnages : le facteur, des femmes portant leur cabas, des enfants, un chariot tiré par deux superbes chevaux, etc. Cette scène nous permet d'imaginer l'activité textile intense qui régnait à cette époque dans le quartier. Ces détails sont fascinants de précision et surtout, de talent ; ils supportent d'être observés de très près. Le dessin est minutieux, habile ; c'est sans conteste le travail d'un maître. Le dessin des immeubles à pans de bois (greniers-étentes), caractéristiques de l'architecture normande traditionnelle, rappelle incontestablement ceux qu'Eugène ISABEY réalisa de sa région. Les couleurs bistres et brunes concourent à la beauté de cette aquarelle, où quelques taches rouges et bleues apparaissent pour donner vie au tableau, (sur les photos, quelques reflets sont imputables à la vitre). C'est une très belle ½uvre, originale et authentique. Au dos du tableau, une annotation manuelle indique l'ancienne et probable attribution de cette ½uvre à Eugène BALAN, ainsi que son titre : " Rue Eau-de-Robec ". Bel encadrement, avec une marie-louise verte biseautée de bleu cyan. Le cadre doré d'époque est en bon état, de petits éclats (sans conséquence) sont à signaler. LA RUE EAU DE ROBEC Les vieux logis -tels des soûlardes recrues Les pieds dans le ruisseau -cloaque du Robec Penchent le moyen âge aux façades ventrues Sur les ponceaux moussus, les caquets ont bon bec. Les toits font aux pignons des coiffes incongrues, Truands qui de travers ont mis leur caudebec. Les siècles ont mangé les poutres de verrues; Le vent joue aux greniers sonores du rebec. Mais sur ces murs frettés d'une ardoise moisie Le passé des aïeux verse sa poésie. Rongés, ces mascarons, cet ove, ont les destins D'Une qui fut Heaulmière et pleure ses tétins. La maison décrépite, autrefois belle ! porte Un joyaux suranné de sa jeunesse morte. Charles-Théophile Féret Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=21Superbe et grand régule polychrome, signé sur la terrasse ROGER – 1890. Cette pièce, très décorative, nous ramène après la défaite de 1870, le désir de revanche impulsant tout le mouvement sportif. Le sport sera le moyen de retrouver l'honneur autrement. Cet "Honneur aux sports " est représenté ici par un extraordinaire régule peint, en parfait état. Le jeune athlète sculpté par Roger est à la hauteur de l'enjeu qu'il supporte ; beau, confiant en l'avenir. Ajoutons que les couleurs de ce régule reprennent les nuances et patines brunes et vertes généralement appliquées aux fontes en bronze. Elles ne manquent ni d'éclat ni de véracité. La couronne de lauriers, symbole de la victoire (espérée par tout un peuple) n'est pas scellée à la main de l'athlète, c'est une pièce amovible qui se pose entre ses doigts. Une pièce importante (45 cm de hauteur), rare, qui a beaucoup de présence. Livraison offerte à Paris Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=20La première de ces deux études de la main d'une figure majeure du Baroque italien, Giovanni Benedetto Castiglione, offre au regard une armure de trois quarts. Tandis que la dernière faisant pendant présente le même sujet de face, drapé à l'antique. Il s'agit probablement de dessins préparatoires à un projet plus vaste. Précision de la coupe, esthétisme de l'objet martial qui semble s'animer grâce à l'effet du drapé. Le sérieux objectal du sujet (une nature morte en somme, il s'agit de peindre une armure) est transcendé avec la virtuosité facétieuse d'un grand maître du baroque tenté par le maniérisme. Belle finesse dans le traitement du motif et bestiaire armoiriés. Castiglione, dont on connaît le goût pour la figure animalière, s'est attaché à rendre toute l'expressivité des animaux destinés à faire reconnaître et plus symboliquement à infuser leur force au porteur de l'armure, qu'ils soient mythologiques (griffon) ou existants (bélier, lion ?...). Ces deux dessins sont remarquablement encadrés (sous verre) : marie-louise bleu ciel, cadre doré patiné. Non signés, l'attribution est cependant indubitable. Attribution confirmée par l'expertise et la provenance extrêmement fiable de ces deux ½uvres. Ces deux études proviennent en effet de la collection de Maurice Aicardi.*, personnage du monde artistique et politique qui présida la Commission des dations et siégea à la Commission de Trésors Nationaux, au Conseil Artistique des Musées, à la Commission des Acquisitions de Versailles. Provenance antérieure notifiée au dos en 1979 : " probablement Don Gaspar Mendez y Guzman, Marchese del Carpio e Helice. " Des indications sur son corpus sont également apportées : " de la même main qu'un ensemble de dessins de monuments romains attribués à Castiglione, provenant d'un album de la collection Carpio... " Une provenance fiable et prestigieuse : La collection Maurice Aicardi * " Né à Aix-en-Provence en 1919, juriste de formation, d'une grande culture classique, et d'une étonnante érudition historique, Maurice Aicardi, doté d'une vive intelligence, allait à l'essentiel, des articles de loi, comme à l'essence des objets. De sa carrière de haut fonctionnaire qu'il exerça dans des domaines très divers, retenons qu'il fût le directeur de cabinet de Félix Gaillard aux Finances puis à Matignon. D'importantes missions d'études de la fiscalité du patrimoine lui furent également confiées par le Président Giscard d'Estaing et le Premier Ministre, Edouard Balladur. Mais ce dont il retirait la plus grande fierté était d'avoir présidé, lors de sa création, la Commission des Dations, qu'une loi votée pendant le gouvernement de Georges Pompidou avait instituée. Cette présidence, tôt écourtée par les vicissitudes de l'histoire, ce dont il ne laissa point paraître d'amertume, lui permit d'initier un vaste mouvement d'enrichissement du Patrimoine National : meubles et objets d'origine royale, documents historiques, et jusqu'à la dation Picasso. Quels que fussent ses goûts personnels - le siècle de Louis XV avait sa préférence, et sa profonde connaissance de Versailles suscitait l'étonnement - il avait l'ambition de conserver dans les Collections Nationales tout ce qui témoignait de la France et lui paraîssait exprimer notre génie national qu'il définissait par la sobriété, la clarté, l'équilibre, dans tous les domaines de l'expression culturelle. Jusqu'à son dernier jour, Maurice Aicardi siègea à la Commission de Trésors Nationaux, au Conseil Artistique des Musées, à la Commission des Acquisitions de Versailles. Chaque année, Maurice partait pour l'Italie, avec une étape rituelle aux Baux-de-Provence. " Source Bibliorare / vente Drouot. Livraison offerte à Paris Fri, 08 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=19Cette ravissante miniature serait le portrait de la marquise de Pange, d'après l'ancienne annotation manuelle qui en est faite au dos. Tout, dans ce portrait, respire la grâce et signe l'aristocratie : le port de tête, infiniment distingué, la coiffure, spectaculaire et recherchée, l'élégance sobre de la robe ; le visage est également d'une grande beauté. L'exquis travail de l'artiste - dont la signature est difficilement lisible - donne à ce portrait un raffinement extrême. Le trait est précis, délicat et plus subtil que sur certaines miniatures du XIXe peintes sur ivoire. Peint en grisaille, le fond est un hommage discret au XVIIIe siècle. Le cadre en acajou blond, cerclé de laiton finement ciselé, met en valeur ce magnifique portrait. Cette miniature fait pendant au "Portrait d'une aristocrate", également en vente dans cette galerie. Photo © Pierre Mendelssohn Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=18Ecole française du XIXe siècle, possible école provençale. Scène pastorale paysagée en bord de rivière, cernée de cyprès, une montagne basse apparaissant au loin. D'une belle réalisation, cette huile sur  toile n'est pas signée.   Comme décentrée, la " pasture " est tout à la fois protagoniste de l'action, à l'origine du désir de peindre, et incidente. A l'appui, les moutons ne sont qu'esquissés et l'exécution du personnage demeure volontairement un peu naïve. Plus attaché à l'émotion et impressions suscitées qu'au réalisme, le peintre, anonyme, semble s'être épris de la quiétude et douceur qui émanent autant de la scène que du lieu.   Le sujet pastoral dans lequel excellera un Charles-Emile Jacques, ici dans sa forte composante paysagère, quoique avec moins réalisme et transposé dans la lumière des Alpes de Haute-Provence, évoque les barbizoniens Jules Dupré, Daubigny et son élève Albert Charpin.   Elle est présentée dans un encadrement doré moderne.   Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=17Tintin, Hergé – L'ÎLE NOIRE – Très bon état (-) Édition originale de 1938 (avec mention du nom d'Hergé). Petite image collée sur papier crème. 2ème*/4e plat A5. Dos toilé rouge. 4 hors textes couleurs. Album original en noir et blanc. Pages de garde imprimées en bleu foncé sur papier gris. Tirage 5900 ex (1er et 2ème tirage de 1938). 127 pages. *souvent dénommé quatrième plat en raison d'un amalgame entre plat et contreplat, voire d'un amalgame avec l'édition moderne et ses "première" et "quatrième de couverture". Cet album de L'ÎLE NOIRE à petite image collée est le deuxième tirage en noir et blanc de 1938 (un autre tirage eut lieu en 1941). Une fois de plus ce tirage a son histoire, et décidément rien n'est simple avec Tintin. On dit qu'à la sortie des premiers albums de L'Ile noire, en 1938, Hergé n'était pas satisfait du résultat produit par Casterman, pour plusieurs raisons et notamment en raison de la mention de son nom qui avait tout simplement été oubliée. Jusque-là, son nom ne figurait pas sur les couvertures mais il avait demandé qu'à partir de L'ÎLE NOIRE il soit rajouté. La rectification a été faite assez vite, en plaçant la ligne " par Hergé " au-dessus de la petite image collée (c'est la couverture dont l'album est en vente ici) mais il est sorti, pense-t-on, plusieurs milliers d'exemplaires sans le nom d'Hergé, considérés comme l'édition originale. Le tirage avec " par Hergé " est lui aussi une rareté recherchée car il est d'une part, le seul à présenter le nom de l'auteur sous cette forme (par la suite ce sera simplement "Hergé" en haut de la couverture) et, d'autre part, l'unique exemple de couverture portant déjà le nom d'Hergé et encore la mention " reporter ", cohabitation qui ne se verra plus. Il n'y a eu, pour ces deux tirages de 1938, qu'un très petit nombre d'exemplaires tirés (5900), ce qui rend ces albums très rares aujourd'hui. L'ÎLE NOIRE est également l'un des rares albums à avoir une histoire éditoriale particulièrement riche : la parution de l 'édition originale en 1938 est suivie, en 1943, de la première version couleurs - également en vente dans cette galerie - qui sera suivie à son tour, en 1966, de la version actuelle, complètement redessinée et modernisée. De tous les albums de Tintin, L'ÎLE NOIRE est le seul album à avoir connu une version noir et blanc et deux versions couleurs tout à fait distinctes. Cet album, complet de ses quatre hors textes couleurs, est en très bon état – (moins). 1er plat superbe, petite image collée légèrement griffée, coins frottés, 2eme plat en très bon état, de très légères taches, Dos rouge d'origine toilé en très bon état, coiffes un peu tassées, Première page de garde fendue, dernière page de garde parfaite, Petite dédicace (datée de 1939) sur page avant titre, Pages intérieures en très bon état, toutefois, plusieurs cases de l'album on été coloriées au crayon de bois, notamment sur la page 4, et de manière plus isolée, sur les détails de quelques cases en pages 30, 31, 37. Quatre hors textes superbes, Quelques infimes déchirures de lecture (très peu), Un album dans son état d'origine, n'ayant subit aucune restauration, 127 pages, imprimé en Belgique. Album en très bon état – (moins), coté 2000 euros au BDM 2009-2010 pour un simple bon état. Les albums de Tintin en noir et blanc sont de plus en plus rares à trouver et ils s'arrachent par les collectionneurs lors de ventes aux enchères. Offert en cadeau pour accompagner cet album : DOSSIER TINTIN, L'île Noire Éditions Moulinsart, Casterman Livraison offerte en France Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=16Scène de taverne du XVIIe de l'entourage de David Teniers, peintre recherché et beau-frère de Brueghel le Vieux. Ancienne attribution à Jacob Toorenvliet peu vraisemblable. Cette huile sur panneau qui représente un intérieur de taverne typique des scènes de genre hollandaises s'inscrit plus ostensiblement dans le courant de David Teniers. On pense par exemple à l'huile sur panneau " les fumeurs " de David Teniers Le Jeune, d'un format identique. Outre le sujet qu'il affectionne, l'on retrouve la luminosité des compositions de Teniers. Une certaine clarté et transparence en dépit du lieu opaque où se déroule la scène : l'une de ces tavernes hollandaises épaissies de fumée que l'on appelle aujourd'hui " cafés bruns " ; rendez-vous où convergent tabagie (motif traditionnel du fumeur de pipe à l'arrière plan) et ivresse. Le peintre, émule de Teniers, a su capter les regards, absorbé du fumeur de pipe, ou libidineux, cupide, du couple au premier plan, restituer les carnations. Les personnages très authentiques qui animent la scène ne sont à aucun moment idéalisés mais au contraire représentatifs de la population de ces tavernes. L'artiste leur fait cependant l'honneur d'une grande finesse dans le rendu de leurs traits disgracieux. Plissement d'une bouche qui se tord pour l'une et cependant chemisier et bonnet aux reflets satinés ; bouche édentée de l'autre qui contraste avec une main possessive. Comme si la hideur autant morale que physique pour rester crédible ne devait pas être caricaturée. Mais au contraire répondre à une esthétique afin que cette fresque sociale en miniature puisse faire sens et édifier les contemporains de l'Age d'or hollandais. Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=15Etude à la mine de plomb particulièrement achevée de Paul Borel, peintre lyonnais, en vue de l'exécution du Martyre de Saint Paul qui figure à l'Eglise Saint Paul, à Lyon. Paul Borel y retranscrit chaque détail : finesse de la musculature, attaches d'une sandale antique, romantisme de la pose contrastant avec le néo-classicisme du sujet et du commanditaire (l'église), noblesse du port de l'épée. Etude mise au carreau. A signaler des traces de punaises dans la planche sans incidence sur le dessin. Paul Borel punaisa probablement cette étude lorsqu'il exécuta le Martyre de Saint Paul. Etude référencée (planche N) par Thiollier dans son ouvrage Paul Borel, peintre et graveur lyonnais. Encadrement moderne (infime éclat dans le bord inférieur droit). Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Arts graphiqueshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=14Une oeuvre très représentative du travail d'Alfred Godchaux. Cette scène en bord de grève sous un ciel d'orage ne trahit - au sens propre - aucune des nuances limoneuses du ressac si exactement restituées. Huile sur toile de belles dimensions, les Eléments (la mer, le ciel, la terre) sont privilégiés dans la composition. Largement ouverte sur le large, le port semble comme confiné à un rôle secondaire. Les maisons ne sont là que pour réfléchir une lumière venue du large et des cieux. Invitation à la contemplation, le rare personnage discernable pêche sur la grève en harmonie avec son environnement. Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=13Ecole espagnole du XVIIIe siècle attribuée à Francisco Agustin y Grande, nom francisé en " Augustin " dans le cartouche, avec cette périphrase, " élève de Mengs ". Francisco Agustin y Grande fut effectivement l'élève du peintre allemand Anton Raphael Mengs. ¼uvre répondant aux codes de l'art sacré elle résume l'expressivité très noire, volontiers doloriste, languide, sanglante et contrastée des écoles espagnoles qui aiment à cultiver l'intranquillité. Le Christ y apparaît aussi blafard que le voile sur lequel son visage se surimpose. Sa présence n'est pas sublimée, ses souffrances en aucun cas minorées. Le sang de la crucifixion macule son visage, abîme son regard. Las, ou voyant la vie s'enfuir, le Christ apparaît de chair. Humain, terriblement humain. La présence et vérité que lui octroient par son art, le peintre espagnol, sont pourtant inhumaines à force d'intensité. La mise en scène est quant à elle sobre. Le voile de Véronique* - motif artistique autant que théologique - se détache sur un fond uniformément noir. Les clous tenant le voile immaculé rappellent ceux de la Crucifixion. Le personnage de Véronique, plus généralement représenté (par Memling et Pontormo notamment) tenant le voile, y est cette fois absent. Ce parti pris économe, et in fine, plus théâtral, n'est pas sans rappeler " La Sainte Face " de Francisco de Zurbaran (Fuente de Cantos, 1598 - Madrid 1664), appartenant aux collections du Nationalmuseum de Stockholm. Si n'était l'attribution vraisemblable à Agustin y Grande (consulter la biographie de Agustin y Grande), une attribution antérieure (Haute-époque) à un pair de Zurbaran aurait été possible. *Le sujet : De Hans Memling en passant par Pontormo, Domenico Fetti ou encore Francisco de Zurbaran, l'histoire incertaine de ce topos religieux, (à moins que mythe), qu'est le Voile de Véronique, a inspiré les peintres parmi les plus éminents de l'art sacré.   Un épisode, en somme, dont la véracité est au fond plus artistique que théologique tant elle inspira les peintres et maîtres de l'art ancien. Les preuves historiques relatives au voile remonteraient au VIII° siècle, au cours duquel le pape Jean VII le plaça dans un oratoire qu'il fit construire au Vatican. Exposé au XII° siècle au Latran, le voile fut transféré au début du XVII° à la Basilique Saint Pierre de Rome, où il fut l'objet d'une dernière ostension en 1854. Ce voile n'a fait l'objet d'aucune étude scientifique, mais les copies conservées à Rome et à Gênes évoquent l'image du Saint Suaire. Si aucun récit évangélique (Nouveau Testament) ne fait allusion à cet épisode de la passion du Christ, on en retrouve trace dans le récit apocryphe Mors Pilati, La mort de Pilate ; il s'agit de la source la plus ancienne " avalisant " la preuve de l'existence d'authentiques images du Christ. Il pourrait s'agir d'une légende, à rapprocher de l'histoire du Mandylion. Histoire édifiante d'un point de vue religieux, et pleine de potentialités narratives stimulant la veine " fantastique " pour les peintres de l'art sacré. Des traditions anciennes citent une Bérénice puis Véronique, devenue une femme pieuse native de Jérusalem qui se serait illustrée par sa compassion. Après avoir tendu au Christ un voile au cours de sa montée au Golgotha afin qu'il pût s'essuyer, il le lui rendit avec l'image de sa Sainte Face miraculeusement imprimée dans le voile ; une preuve tangible des valeurs de la compassion. Si le prénom macédonien, Bérénice, signifiait " qui porte la victoire ", il s'est ensuite latinisé en Véronique pour être attribué à une femme anonyme guérie miraculeusement par les Evangiles synoptiques. L'étymologie du prénom de Véronique, pour mieux coïncider avec cet épisode légendaire, sera par la suite réinterprétée et décomposée en la réunion d'un mot latin et d'un mot grec "vera icon", signifiant "véritable image". Vera icon qui désignait originellement la plus ancienne image connue du Christ s'est ainsi rapidement graphié Veronica. Et le personnage Sainte Véronique est ainsi devenu le véhicule de cette croyance avec toute l'efficacité que le procédé rhétorique et iconographique de la personnification permet. Chaque pays possède une déclinaison de cette croyance ; une légende, une relique, et bien sûr une iconographie artistique en lien. A l'exclusion de quelques sauts de peinture mineurs dans le voile et dans la chevelure, l'huile sur toile est en très bon état tenant parfaitement à son châssis ancien. Elle est présentée dans un beau cadre en bois laqué noir à bordures dorées dans le goût hollandais probablement postérieur. Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=12Dans les pas de Corot ou de John Constable, Harpignies s'attache à saisir la lumière, la fugacité de ses effets, sa magie la plus éphémère sans jamais se désintéresser des ombres qui la soulignent. En se recentrant sur un théâtre du retrait, il a bâti son ½uvre sur un constat simple : la lumière qui progresse ne vaut rien sans la nuit qui la cerne. Cette ravissante huile sur panneau est en cela très représentative de l'oeuvre de Henri Joseph HARPIGNIES ; et bien que la signature de l'artiste, en bas à droite, soit difficile à déchiffrer, elle reste identifiable. Il s'agit indubitablement d'une oeuvre de sa main. La physionomie tremblée des arbres, motif prépondérant dans son ½uvre, les ombres portées apaisantes, le feuillage comme encré bien qu'Harpignies se soit astreint à l'huile et n'ait pas fait usage de l'encre de chine ou du fusain. La lumière de l'aube suggérée par larges touches obliques appuyées. Le chatoiement de sa réfraction plus complexe dans l'écrin végétal, mélange chatoyant de jaune, de rouille et de rouge, ou plus sourd, de bleu et de vert sombre. L'enclos de l'ombre qui recule à mesure que le jour se lève. Et ces deux arbres, puissants sans cesser d'être élégants, gardiens du rêve. Le rêve, c'est le lac. Destination possible d'un couple d'amoureux qui ne sera pas représenté. La nature a toujours le premier rôle. Un rêve onirique d'une balade au point de l'aube qui se déroule gracieusement. Une balade aussi paisible qu'immortelle avec ce petit lac pour séjour. Et au fond, les personnages ne sont-ils pas absents pour que le spectateur s'y promène plus à son aise ? Le pinceau annonce l'impressionnisme sans cesser d'être symboliste. De dimension modeste, et ce faisant exigeant une maîtrise accrue, cette huile sur panneau précise et attachante renferme toutes les facettes de Henri Harpignies ; les clairs-obscurs chers à l'artiste, la nature comme vecteur onirique, la composition, particulièrement équilibrée ici. Une oeuvre intime et poétique. Très bel état. Huile rehaussée d'un cadre d'époque Barbizon fragile, et cependant à même de rejoindre les plus belles collections. Photo © Pierre Mendelssohn Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=11‎Edition originale rare tirée à 100 exemplaires sur vergé fort. Exemplaire broché  (petit in-8) en très bon état dans sa reliure d'origine. "Dragonnade" était le terme usité pour décrire les persécutions exercées sous Louis XIV visant à contraindre les protestants à se convertir à la religion catholique. Les dragons - soldats du roi -  ainsi que leurs montures étaient logés de force chez la victime qui se devait de subvenir, à ses frais, à leurs moindres besoins ou désirs. Afin que cette pression financière soit efficace, les soldats du roi ne se refusaient rien et ne connaissaient aucune limite, allant parfois jusqu'à la ruine de leur victime. Ce petit ouvrage, véritable curiosité gastronomique et témoin de l'intolérance religieuse en Normandie au XVIIe siècle, nous donne le détail des "très nombreux" mets consommés, le 5 décembre 1685, par M. Bourgongue, prévôt du régiment du roi chez la veuve Bonnet à l'Aigle d'or à Caen. La note laissée s'élevait à 1.108 livres. En savoir plus sur le contexte historique des dragonnades. Livraison offerte en France Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres ancienshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=10Circa 1860. Esquisse préparatoire attribuée à Honoré Daumier. Exceptionnelle esquisse à l'huile sur papier marouflée sur toile, réentoilage et châssis anciens probablement fin XIXe. D'un format identique à la fameuse Parade de Saltimbanques de Daumier, l'une de ses ½uvres les plus célèbres, dont elle constitue très vraisemblablement l'esquisse préparatoire. Les mêmes avaries causées par un décadrement (bords usés) – peut-être du fait de l'artiste - que l'on constate dans l'½uvre finale répertoriée existent également dans cette esquisse. De nombreux détails avalisent l'authenticité de cette attribution à Daumier. De sorte que l'½uvre finale est à la fois identifiable et différente, et ce, non dans le degré de maîtrise manifesté qu'à travers le changement délibéré de point de vue. Outre l'atmosphère captieuse et captivante qui s'en dégage, à la fois douce, rieuse et déjà amère, il ne peut s'agir de l'½uvre d'un copiste, et encore moins d'un faussaire ; les deux ayant un intérêt égal à se montrer fidèles à l'½uvre originale, à en reprendre à tout le moins les traits les plus caractéristiques ; ainsi le clair-obscur présent dans l'½uvre connue de tous semble volontairement écarté. Il ne peut non plus s'agir d'une réinterprétation du fait d'un suiveur de Daumier, aussi talentueux ait-il pu être. L'½uvre demeure trop proche de la manière de Daumier, trop proche stylistiquement également de son ½uvre picturale et de sa palette chromatique lorsqu'il ne fait pas le choix du théâtral et religieux clair-obscur. Car si Daumier recourt fréquemment, et avec une maîtrise achevée, à ce procédé du clair-obscur au point qu'il en apparaisse consubstantiel de son ½uvre, il n'est pas systématique. Le spectateur serait donc confronté à l'½uvre primitive. Au premier projet de Parade de Saltimbanques qui figure dans une collection particulière à Paris. Un projet très abouti. Daumier y exprimait un autre point de vue narratif qu'il décida d'assombrir par la suite. La scène se déroule dans le même village, l'enfant qui joue de la trompette y arbore semblablement l'habit et la coiffe de Pierrot habituellement réservés au clown. Daumier dans ses caricatures de Thiers en affublera par la suite le premier Président de la troisième République. La mélancolie qui émane des protagonistes, si elle est palpable, est atténuée en regard de l'½uvre finale. Le visage du violoniste, par exemple, est plus plein, moins hâve ; tandis que dans l'½uvre connue Parade de saltimbanques, Daumier accentue les ombres, plonge dans l'obscurité des détails qui figuraient dans la lumière. Une matrone à l'arrière de l'orchestre qui semble bien vivante dans l'esquisse deviendra plus floue, moins discernable dans l'½uvre finale au point de se muer en affiche. D'autres affiches qui ne figuraient pas d'abord sur le mur en arrière-plan des saltimbanques viendront compléter le décor. Mais ce qui frappe, c'est le changement de lumière. De brune, terrestre, mate, laissant poindre l'illusion d'une chaleur humaine, l'atmosphère se fait grise, froide, terne, bleutée, diluant tout espoir. Créée en 1860, Parade de saltimbanques appartient aux ½uvres de la maturité. Seul le serre-tête de la jeune musicienne au tambour initialement bleu (devenu rouge dans l'½uvre connue) apporte une couleur vive qui étonne. Nous pouvons citer en exemple deux variations répertoriées existant sur un même thème : " Le Wagon de troisième classe ".  L'une appartenant à un collectionneur de Boston utilise une manière " claire " ; l'autre  qui figure à New York au Metropolitan Museum, recourt au clair-obscur, les traits semblant en outre contourés au fusain. La différence étant ici qu'il ne s'agit pas d'une variation sur un thème mais sur une même scène avec peut-être plusieurs années séparant  " l'esquisse " de l'½uvre reconnue, ce qui pourrait justifier comme étayer le glissement du point de vue de Daumier. Même manière " claire " pour les ½uvres répertoriées " Le meunier, son fils et l'âne (Glasgow, art gallery) " les petites paysannes ", ou encore " Crispin et Scapin " exposé au Musée du Louvre. L'½uvre que nous présentons, comme précédemment signalé, a fait l'objet d'une restauration qui s'est limitée au support et ne s'est pas étendue à l'½uvre peinte. Comme si son précédent possesseur avait jugé " sacrilège " la restauration d'un Daumier ; préférant laisser apparaître quelques discrets accidents ne nuisant pas à l'½uvre (sur les bords, la cymbale, ou dans le vide laissé paysager suggérant des arbres entre les spectateurs et les saltimbanques) plutôt que de recourir à une restauration aussi habile ait-elle pu être. En l'absence de signature déchiffrée, (la peinture est en effet écaillée sur l'ensemble de la bordure qui contrairement au reste de l'oeuvre n'est pas vernie, conséquence probable d'un encadrement ancien inadéquat), cette ½uvre est vendue comme attribuée à Daumier – ce dont son prix, modeste en regard de la cote d'Honoré Daumier et de l'exceptionnalité de l'oeuvre présentée ici - tient évidemment compte. Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=8Cette " conversation au baptistère " porte en elle ce Moyen Âge (d'où le nom d' " Art Troubadour ", encore nommé "Style Troubadour ", courant dont est issue cette ½uvre de Ronmy) mystique, élégant, étudiant les textes sacrés, trop souvent et injustement réduit à une régression historique. L'Art Troubadour est donc ce mouvement pictural qui vise à restaurer les fastes médiévaux, et ainsi prend à rebours les stéréotypes que nous associons habituellement aux Bas et Haut Moyen Age. Une atmosphère impressionnante se dégage immédiatement de cette huile sur toile. De par l'architecture du baptistère, grandiose, et de par cette lumière, étrangement douce, qui se fraie un chemin jusqu'à ces deux moines, eux-mêmes penchés sur un livre sacré. Atmosphère grandiose et paradoxalement studieuse sans cesser d'être intime : une mère assise en haut des marches parle à son enfant. Son habit permet de situer la scène en Italie. Cette huile sur toile a été habilement restaurée (voir photo du dos du tableau) et revernie. Un repeint est également à noter (le moine voilé de gauche). Ainsi restaurée, elle est en parfait état et prête à traverser d'autres siècles. Magnifique cadre d'époque XIXe, dit de "Barbizon ", doré au cuivre - quelques éclats sont à signaler. Un tableau superbe d'un artiste majeur aux oeuvres particulièrement rares sur le marché. La cote de Guillaume Frédéric RONMY est stable à 10.000 euros (La cote des peintres, Akoun 2009). Photo © Pierre Mendelssohn Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=6Un extrait pictural de printemps qui vous happe et vous apaise. Magnifique huile sur toile marouflée sur panneau d'acajou biseauté du peintre belge, Joseph Caron, signée en bas à gauche " Jh. CARON ", datée de 1900, représentant un " bord de lac ", probablement dans la région de Fontainebleau. Les couleurs de ce tableau sont éclatantes, d'une grande fraîcheur ; la toile a été nettoyée et revernie. Remarquable travail de l'artiste qui met en avant une composition aussi harmonieuse que volontaire. Une large perspective arborée s'offre au spectateur - elle occupe les deux tiers du sujet-, avec au loin seulement un coin de lac qui se confond avec le ciel, et sur lequel canotent des voiliers de plaisance. Une invitation au repos terrestre et printanier après la dureté de l'hiver. La lumière tout juste coupée par l'ombre arborée inonde la toile, et la touche impressionniste de l'artiste sait s'imposer avec sensibilité ; les verts de cette huile, frais et lumineux, évoquent sans conteste le printemps, saison de prédilection de Joseph Caron, peintre au toucher sensualiste influencé par l'impressionnisme. Le cadre d'époque en bois et stuc doré au cuivre magnifie le sujet paysager ; en bas du cadre, l'on remarque une plaque nominative " Joseph Caron ". A noter un léger accident à l'arrière du cadre (voir photo). Un ensemble tout à fait exceptionnel. La cote de Joseph Caron est intéressante : Christie's (Londres) a estimé " Country Pound " à 5000/9000 euros, tandis qu'Horta (Bruxelles) a adjugé " Vieux canal à Bruxelles " à 6941 euros. Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Huiles et acryliqueshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=5Deuxième édition du Tour du Monde en 80 jours de Jules Verne dans son cartonnage en percaline au Steamer rouge réalisé par Magnier, plaque de Souze ;
 un cartonnage édité entre 1892 et 1905.
 Nous vous proposons la deuxième édition Hetzel de ce titre dans ce cartonnage, parue en 1896 (catalogue des nouveautés en fin d'ouvrage 1896-1897). La première édition dans ce cartonnage date de 1892, l'édition originale ayant été éditée en  volume double couplé au Docteur Ox en 1872 dans le cartonnage à l'obus (suivront en volumes doubles, en 1875, le cartonnage à la bannière, en 1876, le cartonnage aux deux éléphants) , c'est en 1873  qu'il est pour la première fois édité en volume simple dans le cartonnage de type "Bouquets de roses - grecques" . Suivront des éditions (en volumes simples) dans les cartonnages aux Tulipes, cartonnage aux Initiales, puis le cartonnage au Steamer rouge à partir de 1892.  Il ne sortira ni dans le cartonnage à la Grenade ni dans le cartonnage au Steamer doré qui l'ont précédé. Il est à noter qu'aucun titre n'a paru en édition originale dans le cartonnage Hetzel dit au Steamer rouge. Le Tour du monde en 80 jours compte parmi les titres parmi les plus célèbres et recherchés de Jules Verne. Les nombreuses rééditions, initiées par l'éditeur Hachette, n'égaleront jamais la qualité des cartonnages du prestigieux éditeur Hetzel indissociable de l'oeuvre de Jules Verne. Premier plat au steamer dans un état rare avec des couleurs étincelante. Deuxième plat superbe, couleurs vives et encrage parfait. Mors très légèrement émoussés. Dos à la dorure parfaite. Pages de gardes bleues d'origine intactes . Superbe exemplaire complet de ses planches, catalogue des nouveautés (1896-1897) en fin d'ouvrage, gouttière dorée sans manque. Dessins par Neuville et L. Benett. État intérieur d'une remarquable fraîcheur. Nombreuses gravures en noir, un hors-texte (de titre) en noir et blanc protégé par sa serpentine, 3 très belles planches hors-texte en couleurs. Catalogue du Magasin d'Education et de Récréation, la première série - années 1864 à 1894, et nouvelle série - années 1895 et 1896, et enfin, 1896-1897 pour les nouveautés. Il s'agit bien d'une édition au Steamer rouge Hetzel, cartonnage très apprécié, et non d'une fade réédition monochrome Hachette, ou de l'un des nombreux facsimilés ultérieurs qui abandonneront dorure et percaline et n'approcheront jamais la perfection des éditions Hetzel. Etat rare. Livraison offerte en France Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Livres rareshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=4Cette " composition égyptienne " réalisée à l'encre de chine provient de la vente de l'Atelier de Dora MAAR, Piasa, le 26 novembre 1998, Hôtel Drouot, Paris. Le tampon " DM 1998 " en bas à gauche en atteste l'authenticité.   Dora Maar (Henriette Theodora Markovitch), photographe et artiste peintre, fut la compagne de Picasso de 1935 à 1945 ; elle lui inspira la célèbre série des femmes qui pleurent (figure centrale) du tableau " Guernica ".   Figure majeure de l'art surréaliste, l'on connaît davantage l'½uvre photographique de Dora Maar au détriment de son ½uvre picturale. Cette superbe esquisse à l'encre de chine est donc un témoignage aussi rare qu'émouvant de l'½uvre graphique de Dora Maar, pendant cette période unique, où, avec Picasso, elle partagea amour de l'art et art d'aimer.   C'est du reste Picasso qui poussa Dora la photographe à étendre son talent à l'exercice pictural.   Le sujet de cette encre demeure mystérieux. S'agit-il d'une étude d'après sarcophages réalisée au département Antiquités égyptiennes du Musée du Louvre ? D'un trait souple, épuré, deux silhouettes de pharaonnes se font face tendant des bras étrangement parallèles l'une vers l'autre. Tandis qu'une troisième se détourne pour mieux assumer peut-être la solitude du pouvoir. A moins qu'il ne s'agisse de Dora, séparée de Picasso pour mieux reconstruire son art dans la solitude de sa maison vauclusienne, un jour au sortir de la guerre, en 1944 ou 1945.   Cette encre est présentée dans un encadrement moderne. Offert en cadeau pour accompagner cette ½uvre : " Picasso et Dora ", de James Lord, Éd. Séguier Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Arts graphiqueshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=3Émouvant Christ en buis sculpté à la superbe patine. Haute époque, cette pièce d'une très grande finesse de la fin du XVIIe siècle a été expertisée par un expert agréé en Art sacré. Cette figuration artistiquement élégante du Christ crucifié est plus sensible que doloriste (expression douce du visage, plein de l'ovale) ; la croix, absente de cette création, est métaphorique. Ce Christ en buis de la Haute Epoque, qui se suffit à lui-même dans son expression artistique, est sobrement fixé sur un support en velours orangé (manque le cadre). Des fentes sans gravité dans le buis sont à noter ; 2 clous manquants. L'ensemble demeure dans un excellent état de conservation comme de présentation. Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=2Cette superbe huile sur panneau est signée et datée : E. Claveau, 1863, sur le bord gauche de l'oeuvre.  Le nom du personnage représenté est également présent mais reste difficile à déchiffrer ; il s'agit probablement d'un notable Bordelais. Dans l'esprit des portraits du XIXème siècle, avec un arrière plan uni et sombre (ici vert-de-gris) afin de mettre en valeur le visage du personnage portraituré, cette oeuvre a la particularité d'être d'une grande finesse et d'une très belle maîtrise, digne du maître Gustave de Balard, portraitiste, mais également miniaturiste talentueux. C'est une ½uvre de petite taille par rapport aux grands portraits du XIXème, dont les mesures, souvent impressionnantes, flattaient l'orgueil du commanditaire. Ici nous sommes face à un portrait aux dimensions plus modestes, mais d'une tout autre qualité ; sa finesse extrême le rapproche davantage d'une grande miniature au format exceptionnel. Il est vrai que les détails, les traits du visage sont remarquables de précision, de raffinement ; les touches sont précises, sensibles, sûres. La pose sourcilleuse et concentrée de l'homme qui arbore la moustache et barbiche de Napoléon III, attributs capillaires qui feront des émules sous le Second Empire, laisse percevoir, sous l'académisme, une solitude. Les cernes, encore légères, sous les yeux de l'homme, font apparaître une fatigue qu'il surmonte. Quant à la carnation, finement rendue, elle ne flatte ni ne dessert le sujet de ce portrait tenu aux tons sombres sans cesser d'être lumineux. Mis en valeur dans un magnifique cadre d'époque, doré à la feuille d'or, cette ½uvre a beaucoup de présence et de magnificence. Aucune restauration n'a été apportée à ce tableau. Il faut noter deux légères griffures sur l'habit noir du personnage éventuellement aisément restaurables, cette partie étant unie. Le cadre d'époque, en très bon état, avec de minuscules éclats sans incidence sur son aspect général, apporte une profondeur supplémentaire à ce remarquable portrait réaliste dans le goût de Courbet qui excellait à insuffler un supplément de réalité sans que l'intime ne se dilue tout à fait. Une ½uvre rare réalisée par un peintre talentueux, dont la cote dépassait les 9.200 euros en 2007 (Akoun). Livraison offerte à Paris Thu, 07 Jan 2010 08:00:00 +0100Art ancien & antiquitéshttp://www.we-art-together.fr/produit.php?id=1Exceptionnelle huile sur panneau en bois d'acajou biseauté, signée en bas à droite A. Bonheur (le A et le B sont enchevêtrés) saisissant sur le vif une brebis et ses deux agneaux jouant dans un pré. Auguste Bonheur, frère de la très célèbre Rosa Bonheur, s'est à son instar spécialisé dans le genre animalier. Son style raffiné, un peu précieux, évoque celui de peintres flamands de la même époque, tel que Verboeckhoven. La précision empreinte de poésie avec laquelle est peinte la brebis et ses agneaux est remarquable de virtuosité. A l'inverse, le fond de cette huile sur panneau est délibérement traité avec moins de recherche. La luminosité et douceur du contexte prévalent sur la précision de l'arrière plan ; ce faisant, conformément aux codes du portrait (ici animalier), le sujet principal se détache d'autant mieux. De dimensions modestes, cette petite huile sur panneau est parfaitement idoine à retranscrire la scène aussi bucolique qu'attachante d'une brebis veillant sur ses agneaux. Quitte à forcer le trait romantique volontiers anthropomorphique, l'exercice du portrait resserré rend plus intense l'attitude vigilante et protectrice de cette mère. Le pelage laineux, habilement restitué, réfléchit la lumière ; on l'imagine confortable, doux, et la bête qui la supporte tout autant ; cette impression picturale n'éteint pas la force de l'attitude et dessein de la manière. Le regard de la brebis ne se détournera pas de qui la fixe avant que d'être rassurée quant à ses intentions. La scène se déroule dans une campagne (bretonne) sise en bord de mer. Les nuages, éphémères sur la côte, plombent un ciel pur qui aurait nui à l'intensité de la scène en divertissant le regard par trop de clarté. Notons  enfin que cette oeuvre exquise est dans un état parfait. Elle a été récemment nettoyée. Un bel encadrement moderne en bois à patine noire et trame or la rehausse agréablement. Une ancienne étiquette - contemporaine de l'artiste - collée au dos du panneau, porte la mention " N°11 – Sheeps by Bonheur ", témoignant de l'exposition de cette ½uvre dans un musée en Angleterre, probablement à la Royal Academy. Les ½uvres d'Auguste Bonheur sont rares et très recherchées, sa cote en hausse régulière est particulièrement élevée : " La sortie du pâturage " s'est vendue 46 500 euros chez Christie's, " Le combat, souvenir des Pyrénées " à 26 200 euros toujours chez Christie's, " Cloud Study " à 15000 euros chez Sotheby's à New York, " Landscape with Cattle " 10000 euros, encore chez Sotheby's, etc. Livraison offerte à Paris Wed, 06 Jan 2010 08:00:00 +0100Peintures